C’est du jazz latino #25 (España)

Le jazz est arrivé en Europe, dans les grandes villes comme Paris et Londres, au moment de la Première Guerre mondiale. Les musiciens et les élites culturelles l’ont accueilli et lui ont donné un statut qu’il n’avait pas aux États-Unis. De « musique des Noirs américains », il est devenu un genre légitime avec un public considérable dans les salles de danse, les salles de concert, les enregistrements — même les musiciens académiques l’ont inclus d’une manière ou d’une autre dans leurs compositions. Ce rayonnement des débuts ne s’est pas produit en Espagne.
 
Des jazzistes états-uniens et européens traversaient les villes espagnoles lors de leurs tournées. On a entendu très tôt les rythmes qui étaient à l’origine du jazz ou qui exprimaient sa diversité, au sein desquels se trouvaient des éléments de l’influence espagnole, présente depuis des siècles sur tout le continent américain. Tout cela a enthousiasmé certains musiciens espagnols, qui se sont approchés de ce phénomène musical contagieux.
 
Les premiers clubs de jazz, collectionneurs, magasins spécialisés et artistes sont apparus. Cependant, les guerres, l’exil et la censure ont extrêmement limité la présence du jazz et de ses fusions avec les genres locaux dans la première moitié du XX^e siècle. Depuis la fin des années 1940, les musiciens et les mélomanes reviennent avec enthousiasme au jazz et, dans les années 1950 et 1960, apparaît une première génération d’artistes locaux remarquables, dont le pianiste Tete Montoliu et le saxophoniste Pedro Iturralde, entre autres. Ce mouvement se renforce encore avec le début des festivals de jazz à Madrid, Barcelone, Saint-Sébastien, puis à Vitoria et dans d’autres villes, ainsi qu’avec la consolidation des clubs de jazz dans ces villes et dans d’autres comme Séville, Grenade, Valence, Santander, Bilbao…
 
Au cours des trois dernières décennies du XX^e siècle, la fusion du flamenco et du jazz contemporain s’est progressivement affirmée. À présent, au XXI^e siècle, l’Espagne a gagné une place importante dans le panorama du jazz et, en particulier, du jazz latino, que nous abordons ici.
 
Dans ce panorama de la relation de l’Espagne avec le jazz, nous voulons souligner la présence d’un personnage controversé mais très significatif en raison du rôle qu’il jouera dans l’origine même du jazz latino. Comme cela a été noté, depuis le début du XX^e siècle, les rythmes et les chansons latino-américains ont commencé à se répandre aux États-Unis et en Europe : les orchestres de jazz ont repris les chansons les plus populaires, les adaptant aux rythmes locaux et les dépouillant souvent de toute authenticité. C’est ainsi que le tango argentin, le corrido mexicain, le son cubain, le calypso trinidadien et d’autres rythmes latino-américains et caribéens sont devenus populaires.
 
À la fin des années 1930, percevant le potentiel de cet accueil, un musicien né en Espagne, qui avait passé une partie de son enfance et de son adolescence à Cuba, mais qui était arrivé très jeune aux États-Unis, crée son orchestre à New York, le Hotel Waldorf-Astoria Orchestra. Il fera avec lui des tournées dans ce pays et en Europe, en diffusant des rythmes latinos avec un succès notable. Cet orchestre, bien sûr, est essentiellement composé de musiciens latinos. Cependant, ceux d’autres orchestres et certains critiques remettent en question son style en raison de son objectif explicite d’adapter ces rythmes aux goûts occidentaux. Il s’agit de Xavier Cugat.
 
C’est contre ce style édulcoré et pour la revendication des rythmes tropicaux authentiques que Francisco Grillo « Machito » et Mario Bauzá constituent, au milieu des années 1940, également à New York, l’orchestre Machito & his Afro-Cuban Orchestre. C’est à ce moment-là que commence la véritable histoire du jazz latino, d’où le rôle paradoxal et finalement plutôt positif joué par le Catalan Xavier Cugat.
 
L’orchestre de Machito et Bauzá était l’expression de la diaspora caribéenne et latine, déjà considérable dans certains quartiers de New York et d’autres villes des États-Unis. Ces musiciens – qui proposaient un retour aux rythmes authentiques de leurs pays d’origine pour les libérer des versions faites « pour satisfaire les Blancs » – ne sont pas, selon nous, revenus aux rythmes folkloriques. En vue de satisfaire le public local et, en même temps, leur public naturel, les migrants latinos, ils ont créé quelque chose de nouveau, d’urbain, de cosmopolite : la fusion entre la musique qui les avait accompagnés jusqu’alors et le jazz, dont ils avaient appris les formes dans leur travail quotidien et dans leur processus d’adaptation au nouveau médium. Cela, c’est le jazz latino !
 
Mais les rythmes et les mélodies qu’ils connaissaient ou qu’ils avaient appris dans leur terre d’asile étaient déjà des fusions. Ils étaient le produit de la rencontre entre les différentes cultures (qui impliquait le soi-disant processus de « conquête et colonisation de l’Amérique ») et du commerce triangulaire (qui impliquait la relation Afrique-Europe-Amérique). Ces rythmes et mélodies étaient déjà une affaire afro-euro-latino-américaine.

Xavier Cugat, chef d’orchestre hispano-cubain (Gérone 1900 - Barcelone 1990). Beaucoup le considèrent comme celui qui a le plus œuvré à la diffusion de la musique latine dans la musique populaire américaine. Pérez Prado a suivi les traces de Xavier Cugat. Celui-ci est né Francisco de Asis Javier Cugat Mingall de Bru y Deulofeo à Gérone, en Espagne. Avec sa famille, il émigre à Cuba à l’âge de 5 ans. Il y suit une formation de violoniste classique et joue avec l’orchestre du Teatro Nacional de La Havane. Entre 1915 et 1918, Xavier Cugat s’installe à New York, où il joue avec un groupe appelé The Gigolos pendant l’engouement pour le tango. Plus tard, il travaille pour le Los Angeles Times en tant que dessinateur (les caricatures de Xavier Cugat ont été ensuite diffusées à l’échelle nationale). À la fin des années 1920, le son commence à être utilisé dans les films. Il crée alors un autre groupe de tango qui connaît un certain succès dans les premiers courts-métrages musicaux. Au début des années 1930, il apparaît avec son groupe dans des longs-métrages. Puis Xavier Cugat l’emmène à New York pour ouvrir le nouvel hôtel Waldorf Astoria, dont il devient le groupe résident. Il fera la navette entre New York et Los Angeles pendant les trente années suivantes, alternant les rendez-vous à l’hôtel et à la radio avec les apparitions au cinéma. En 1940, il enregistre la chanson « Perfidia » avec le chanteur Miguelito Valdés, qui devient un grand succès. Xavier Cugat suit de près les tendances musicales, enregistrant des disques pour la conga, la mambo, le cha-cha-cha et le twist, quand ils étaient à la mode. Son premier mariage avec la chanteuse Abbe Lane a lieu en 1952. Ils travaillent ensemble jusqu’à leur divorce en 1964. Il épouse en secondes noces la danseuse de salsa Charo le 7 août 1966. Ils sont le premier couple à se marier au Caesar’s Palace, récemment ouvert à Las Vegas. Xavier Cugat n’a pas perdu le sommeil à cause de ses engagements artistiques : « Je préfère jouer “Chiquita Banana” et avoir ma piscine plutôt que de jouer Bach et mourir de faim. » Xavier Cugat est décédé d’une insuffisance cardiaque à l’âge de 90 ans à Barcelone, dans sa Catalogne natale [1].
Commençons ce premier épisode de notre programme « C’est du jazz latino » dédié au jazz en Espagne avec sa version instrumentale du fameux boléro « Perfidia », un enregistrement de 1939.
1. « Perfidia », Xavier Cugat & his Hotel Waldorf-Astoria Orchestra, 1939.

En raison des caractéristiques de la présence du jazz en Espagne ou plutôt de sa quasi-absence pendant ce temps-là, soulignées au début de ce texte, nous devrons faire un saut de quatre décennies pour arriver à :

Vicenç Montoliu i Massana, dit Tete Montoliu, pianiste et compositeur de jazz espagnol (Barcelone 1933 - Barcelone 1997). Il est le premier à transgresser les frontières et à atteindre le niveau international (avec l’exception que nous venons de souligner). Son style est fortement influencé par des artistes tels que Duke Ellington, John Coltrane et Thelonious Monk. Sa carrière professionnelle débute en mai 1954, en tant que pianiste dans l’orchestre du boleriste vénézuélien Lorenzo González. Au Hot Club de Barcelone, où il joue fréquemment avec le saxophoniste Don Byas, il rencontre Lionel Hampton, qui l’intègre dans l’un de ses enregistrements en 1956. En 1958, il se produit pour la première fois hors d’Espagne, à Cannes, accompagné d’Art Taylor et de Doug Watkins. Dans les années 1960, il joue souvent à Berlin, aux côtés d’Albert Mangelsdorff, Chet Baker, Sahib Sihab ou Herb Geller, ainsi qu’à Copenhague, aux côtés de Dexter Gordon, Archie Shepp, Kenny Dorham et Roland Kirk… En 1967, il enregistre avec Richard Davis et Elvin Jones aux États-Unis (bien que ces enregistrements ne soient jamais sortis en album) et, de retour en Europe, il publie plusieurs albums en tant que side man et en tant que leader.
Il retourne aux États-Unis à deux reprises (en 1979 et 1980) et travaille en collaboration avec Bobby Hutcherson, Ben Webster, Lucky Thompson, Anthony Braxton et George Coleman, avec qui il réalise également divers enregistrements. Il joue avec des musiciens comme Chick Corea, Paquito D’Rivera, Stan Getz ou Stéphane Grappelli. Au niveau national, il effectue un grand nombre de sessions avec Núria Feliu ou avec son trio indissociable composé du contrebassiste Horacio Fumero et du batteur Peer Wyboris.
En 1996, il reçoit un hommage national au Théâtre Monumental de Madrid, à l’occasion de ses cinquante ans dans le monde du jazz, avec Tom Harrell et Gary Bartz, entre autres. Tete Montoliu est décédé le 24 août 1997 à Barcelone, à l’âge de 64 ans, victime d’un cancer du poumon. Après sa mort, la Biennale des Jazz Awards Tete Montoliu est créée.
2. « Blues for Myself », Tete Montoliu, album Blues for Myself, 1977.
 
Pedro Ample Candel, dit Pedro Ruy-Blas, chanteur, batteur, compositeur et acteur espagnol (né à Madrid 1949). Il a choisi le pseudonyme de Ruy-Blas en raison de son admiration pour l’œuvre du même nom de Victor Hugo, lorsqu’il a enregistré son premier album solo en tant que chanteur en 1970, par lequel il a obtenu un succès significatif en Espagne avec la chanson intitulée « A los que hirió el amor », qui, au fil des ans, est devenue un classique de la musique populaire espagnole.
Pedro Ruy-Blas commence sa riche carrière musicale à l’adolescence. Il fait d’abord partie de groupes tels que Los Príncipes et Los Grimm, avec lesquels il enregistre ses premiers albums. Peu après, il fait partie du groupe mythique Los Canarios (1968) à l’époque où son directeur, Teddy Bautista, sert dans l’armée. C’est à la fin de son travail avec ce groupe qu’il enregistre A los que hirió el amor, produit par Alain Milhaud. Le deuxième single du célèbre Pedro Ruy-Blas, intitulé « Mi voz es amor », est interdit par la censure de l’ancien régime, lorsqu’il se penche sur ce thème subversif.
C’est à partir de ce moment que Pedro oriente sa carrière vers le jazz. Il fonde le groupe de fusion et de jazz-rock Dolores avec de jeunes musiciens, tels que Jorge Pardo, le batteur José Antonio Galicia, Rubem Dantas et le pianiste Tomás San Miguel… Dans cette formation, nous découvrons en Pedro un excellent batteur et percussionniste. Ils enregistrent plusieurs albums, tels que Luna Full, Dolores, La Puerta Abierta et Asa-Nisi-Masa. En peu de temps, Dolores est devenu l’un des groupes les plus importants de l’histoire de la musique progressive en Espagne. Et c’est ainsi que la collaboration avec le maestro Paco de Lucía a émergé, favorisant un tournant imprévu et une nouvelle ère du flamenco.
Saxophone et flûte : Jorge Pardo, claviers : Jesús Pardo, batterie et voix : Pedro Ruy-Blas, contrebasse : Tony Aguilar, percussions : Rubem Dantas. Avec la collaboration de Paco de Lucía à la guitare.
3. « Por dónde caminas », Pedro Ruy-Blas, Grupo Dolores, album Asa-Nisi-Masa, 1979.
 
Valentín Álvarez, flûtiste et saxophoniste (baryton, ténor, alto, soprano et sopranino) de jazz espagnol (né à La Havane 1952). Il est né à Cuba de parents et grands-parents espagnols (Valentín Álvarez Muñiz et Álvaro Díaz Quiñones), exilés là-bas à cause de la guerre civile espagnole. À 10 ans, il déménage avec sa famille en Espagne.
Il s’intéresse au jazz alors qu’il étudie l’ingénierie des télécommunications à l’université Complutense de Madrid. Influencé par le collectif universitaire Jazz Forum, Valentín Álvarez commence à jouer de la flûte et du saxophone baryton avec eux dans le groupe Orgón. Plus tard, il rencontre le guitariste Ángel Rubio et rejoint le groupe Madera. Au saxophone baryton, il est membre, depuis sa fondation, de l’orchestre du pianiste Jean-Luc Vallet et du batteur Carlos Carli (dit Jean-Luc Vallet / Carlos Carli Libra Collage Big Band). Orgón joue au XVI^e Festival de jazz de San Sebastián (1981), remportant le Prix spécial du jury. Ils enregistrent une chanson sur l’album du festival Donostiako XVI Jazzaldia et soutiennent le groupe Art Ensemble of Chicago au III^e Festival de jazz de Madrid (1982). Valentín Álvarez participe à l’enregistrement de l’album Magic Night (1983) et ouvre pour Miles Davis au IV^e Madrid Jazz Festival (1983), Stan Getz au V^e Madrid Jazz Festival (1984) et Gato Barbieri à celui de Barcelone. Il joue également aux Nancy Jazz Pulsations et au First Spanish Jazz Festival à New York (1987). En 1990, il rejoint le groupe Ketama, où il reste jusqu’à sa dissolution en 2005. En tant que baryton, il a joué avec presque tous les big bands de Madrid.
4. « Bájate », De La Moto, OCQ, album OCQ, 1986.
 
Ximo Tebar, guitariste de jazz espagnol (né en 1963 Valence). Il commence à jouer de la guitare à l’âge de 7 ans et décide, à 17 ans, de se consacrer professionnellement à la musique. Depuis, il a tourné et enregistré en Espagne, en Europe et en Amérique à la tête de son propre groupe ou avec des solistes prestigieux, tels que Johnny Griffin, Benny Golson, Joe Lovano, Tom Harrell, Tete Montoliu, Anthony Jackson, Lou Bennett, Lou Donaldson, Louie Bellson, Joey DeFrancesco, Jan Ackerman…
Il a participé à la plupart des festivals importants de jazz, tels que Vitoria, San Sebastián Jazzaldia, North Sea, Montreux, Latin in Manhattan, Pori Jazz, Midem Cannes, Apolo Theatre New York, Jazz at Lincoln Center NYC, Buenos Aires, Panama, Moscou, Saint-Pétersbourg, Jordanie, Liban, USA, Saint Javier, Madrid, Barcelone, etc.
Ximo Tébar est le musicien espagnol qui a obtenu le plus de prix ces dernières années. Parmi ceux-ci, il convient de souligner le Prix du meilleur soliste du Festival national de jazz, qui lui a été décerné par le ministère de la Culture lors de deux années consécutives (1989 et 1990).
En décembre 2003, il s’installe à New York et fait son entrée sur la scène jazz de la ville en jouant avec Michael P. Mosmman, Dave Schnitter, Anthony Jackson ou Arturo O’Farril, dans des clubs de jazz tels que Birland, Smoke, Dizzy’s Jazz, Lincoln Center, etc. En février 2004, il signe un contrat à New York avec Sunnyside Records et commence à travailler avec le Chico O’Farril Afro-Cuban Jazz Orchestra, se produisant tous les dimanches au Birland Jazz Club. Il travaille également avec Joe Lovano, Tom Harrel, Dave Samuels, et en tant que producteur sur des enregistrements.
5. « Son mediterráneo », Ximo Tébar, album Son mediterráneo, 1995.
 
Pedro Iturralde Ochoa, compositeur et saxophoniste espagnol (Falces 1929 - Madrid 2020). Il a été professeur au Conservatoire royal de musique de Madrid, où il a enseigné le saxophone de 1978 à sa retraite en 1994. Il est le seul Espagnol, avec Tete Montoliu, à figurer dans le Dictionnaire du jazz paru chez Larousse.
A 18 ans, il fait une tournée à l’étranger et, à son retour en Espagne, il décide d’obtenir un diplôme de saxophone au Conservatoire supérieur de Madrid. Plus tard, il forme le Pedro Iturralde Quartet.
L’album intitulé Pedro Iturralde Quartet featuring Hampton Hawes est enregistré en une seule journée de février 1968, entre 3 et 6 heures du matin, après un concert au Whisky Jazz, avec Howard Barrow comme producteur et le journaliste et critique musical Juan Claudio Cifuentes comme témoin. L’enregistrement a eu lieu dans les studios Hispavox de Madrid, mais la société décide de ne pas le publier. Il est donc resté inédit durant plusieurs années, jusqu’à ce que les labels Blue Note et Fresh Sound Records le sauvent en 1986 pour une édition internationale, alors que Hawes lui-même est déjà décédé. Hispavox le réédite en CD en 1997.
En 2014, Pedro Iturralde publie un nouvel album, Entre amigos, avec son quatuor le plus récent, composé de Richie Ferrer, Mariano Díaz et Carlos Carli, dans lequel il passe en revue les enregistrements de toute sa carrière et y joint de nouvelles chansons. Malgré son âge avancé, il continue à jouer dans des clubs et des festivals d’Espagne et, le 14 juillet 2019, il a donné un concert à Madrid pour célébrer son 90^e anniversaire.
6. « Homenaje a Granados » (Remastered 2015), Pedro Iturralde, album Jazz Flamenco vol. 1 y 2, 1996.
 
Joan Albert Amargós i Altisent, compositeur et clarinettiste espagnol (né à Barcelone 1950). Il compose des œuvres de chambre et symphoniques ainsi que de la musique pour le cinéma, le théâtre, la danse et la télévision. Arrangeur et orchestrateur de renom, il est aujourd’hui l’un des musiciens espagnols les plus réputés.
Joan Albert Amargós est le petit-fils du compositeur Joan Altisent i Ceardi. Il a étudié la musique au Conservatorio Superior de Música del Liceo (dont il est actuellement le conseiller artistique du département de jazz et de musique moderne). Ses premières œuvres remontent à 1969. Il est le fondateur du groupe Música Urbana, avec lequel il enregistre deux albums.
En 1983, il compose le Concert populaire, créé l’année suivante au Palacio de la Música Catalana par l’orchestre municipal de Barcelone sous la direction d’Albert Argudo. En 1999, le Concert pour clarinette et orchestre –avec l’Orchestre de la radiotélévision espagnole, dirigé par Tamás Vásáry et le clarinettiste Isaac Rodríguez, précédemment créé par Walter Boeykens et l’Orquesta del Teatre Lliure – a été joué au Théâtre Monumental de Madrid.
Son opéra de chambre Eurídice (Eurídice y los pupteres de Caronte) pour mezzo-soprano et baryton accompagnés de violon, violoncelle, contrebasse et bandonéon et sur un livret de Toni Rumbau a été créé le 2 juillet 2001 au Convento de los Ángeles de Barcelona avec Claudia Schneider et Cristina Zavalloni comme mezzos et Marc Canturri et Enric Martínez-Castignani comme barytons. Amargós a lui-même dirigé l’Orchestre de Barcelone 216 pour l’occasion, ayant la charge de la scénographie, José Menchero, de la mise en scène, Luca Valentino, de la manipulation des marionnettes par le librettiste, Toni Rumbau.
7. « Tango Catalia », Joan Albert Amargos, Montserrat Gascon and Xavier Coll, album Tangos and Habaneras for Flute and Guitar, 1996.
 
Né à Manresa en 1959, Ramon Escalé est chef de chœur, pianiste, compositeur et arrangeur avec une longue carrière.
Il a collaboré à plusieurs reprises dans différents domaines musicaux, en ce qui concerne le gospel avec des artistes tels que Donald Lawrence, Smokie Norkful, Daniel Thomas, Linda Tillery & the Cultural Heritage Choir, Andrea Encinas, Isaac Cates, Lurine Cato, Trey McLaughlin and The Sounds of Zamar, Safari Children’s Choir, Monica Bernassola, Jason Taylor et Rosemary Cosby ; en ce qui concerne le latin jazz, il a collaboré avec Barcelona Big Latin Band & Chucho Valdés, Omara Portuondo, Paquito d’Rivera, Jerry González, Lucrecia, Telva Rojas, José Luís Cortés « El Tosco » ; il a également collaboré dans d’autres styles.
Tout au long de sa carrière, il a donné près de 300 ateliers, principalement en Catalogne mais aussi dans toute l’Espagne, au Portugal, en France, en Italie, en Suisse, en Sardaigne, aux USA, en Angleterre, au Kenya et en Ouganda… qui lui ont permis d’expérimenter et de mûrir une pédagogie spécifique pour transmettre toute l’énergie du gospel, en l’adaptant à la sonorité et à l’idiosyncrasie des chœurs et des chanteurs.
Il dirige actuellement les chorales Barcelona Gospel Messengers, Esclat Gospel Singers (Manresa), Goizargi Gospel Choir (Euskadi) et Cor Gospel del Conservatori del Liceu (Barcelone). Il est producteur et directeur du One Heart Festival (1^re édition 2019, 2^e édition 2022, 3^e édition 2023) et directeur musical du Campus Gospel Rajadell dans ses 16 éditions.
Parmi ses nombreux prix, il a obtenu, le prix de l’Association des musiciens de jazz 2001 ; le prix du Meilleur chef d’orchestre de Big Band ; le prix 2002 de l’Association des musiciens de jazz ; le prix du Meilleur chef d’orchestre de Big Band ; le prix Enderrock du meilleur album de jazz 2013 « Pavana Club » Barcelona Big Latin Band ; le Prix Enderrock du meilleur album de jazz 2017 « Be Here Now, George Harrison Tribute » Barcelona Gospel Messengers.
Escalé déclare : « Je suis un musicien, au sens le plus large du terme, je me sens un musicien, spécialisé dans la diversité, bien que j’aie finalement trouvé une musique chargée de spiritualité, le gospel, qui comble mes préoccupations musicales et personnelles. Mon souhait est de la rapprocher du monde entier, de contribuer à projeter son message universel et d’aider à assumer le rôle essentiel de la musique dans nos vies, non seulement en tant que consommateurs passifs, mais en tant qu’éléments actifs 100% ».
8. « Tenora Mediterrània », Jordi Molina et Ramon Escalé, album Mosaic. Música Per a Tenora I Piano, 1999.
 
Marc Miralta, batteur et percussionniste espagnol (né à Barcelone 1966). Il commence à jouer de la batterie à l’âge de 7 ans. À 12 ans, il reçoit l’enseignement du batteur Pau Bombardó. Il étudie les percussions classiques et joue également des tablas hindous, du cajon flamenco et du vibraphone.
Il a étudié à l’école de musique Zeleste (CDMBR) de Barcelone (1980-1984), au Conservatoire municipal de musique de Barcelone (1982-1989), à l’Atelier de musique de Barcelone (1984-1990) et au Berklee College of Music de Boston (États-Unis) (1990-1993).
Il s’est produit dans des festivals et clubs de jazz en Europe, en Amérique du Nord, en Amérique centrale, en Amérique du Sud, en Asie, au Moyen-Orient et en Afrique, avec des musiciens tels que Pat Metheny, Gary Burton, Wynton Marsalis, Steve Lacy, Paquito D’Rivera, Tete Montoliu, Art Farmer, George Garzone, Jerry Bergonzi, Mark Turner, Joshua Redman, Perico Sambeat, Chano Domínguez, Gerardo Núñez et Esperanza Fernández, La Compañía de Flamenco de Carmen Cortés, Israel Galván, Jorge Pardo…
Il a joué avec des ensembles de styles musicaux variés, dont la musique classique avec le Jeune Orchestre européen du marché commun (ECYO), dirigé par Claudio Abbado, avec l’Orquesta Simfònica del Vallès et avec l’Orquesta Simfònica de Barcelona et Nacional de Catalunya.
Il a été professeur de batterie au Taller de Músics de 1986 à 1990 et a donné des cours de batterie à San Sebastián, Cadix, Sedaví, Granollers, Igualada, Zarautz, Rousse (Bulgarie), Langnau (Suisse), Séville, etc. Depuis 2005, il est professeur de batterie et de vibraphone au Conservatori Superior del Liceu de Barcelone.
9. « Bésame Mucho », Marc Miralta, album New York Flamenco Reunion, 2000.