C’est du jazz latino, épisode 49 (Elles 2)

Dans les deux épisodes « Elles », nous observons l’évolution des femmes latines, ainsi que celle des femmes qui, sans être latines, s’identifient à cette culture, et comment notre perception d’elles a également changé. Ces artistes sont des artistes au sens le plus large du terme ; elles excellent non seulement dans la pratique d’un ou plusieurs instruments, mais sont aussi parolièress, arrangeuses, cheffes d’orchestre, fondatrices et leaders de groupes, historiennes, promotrices de la musique et de la culture latines, chercheuses, professeures d’université et productrices. Elles excellent dans des instruments qui, jusqu’à récemment, étaient considérés comme exclusivement masculins : les percussions, les instruments à vent et les cordes. Elles continuent de chanter des chansons d’amour – et pourquoi pas ? – mais il faut y ajouter tout ce qui a été mentionné précédemment.

Cette image persistera probablement encore un certain temps, limitée par le stéréotype de la femme latine créé au début du XXᵉ siècle, avec des figures comme Carmen Miranda et Joséphine Baker, et par l’image de la chanteuse de boléro dépendante de l’affection et de la protection masculine, coiffée de fruits, se déhanchant et menant une vie « débridée ». Voici pourtant la puissante réalité de ces femmes qui révolutionnent le jazz latino, aussi tenaces que puissent être ces images.

Et elles ont accompli tout cela avec une grande intelligence. De même que les musiciens se rencontrent, surmontant les malentendus, le colonialisme, le racisme et toutes sortes de ressentiments nés de l’histoire tumultueuse de la « rencontre » des trois continents bordant l’Atlantique ; les femmes au sein de groupes musicaux ont progressivement appris à nouer un partenariat mutuellement bénéfique avec les hommes, déconstruisant leurs peurs et leurs préjugés, et prouvant ainsi que la musique nous la créons ensembles.
Deuxième épisode du programme dédié à Elles, cette foi aux héritières et révolutionnaires, la nouvelle garde qui fusionne les genres avec une liberté totale.

Yilian Cañizares (1983), violoniste et chanteuse cubano-suisse, Yilian possède un don rare : elle joue et chante simultanément des lignes complexes. Sa musique est une invocation où le jazz contemporain rencontre les rituels Yoruba et la précision classique apprise en Europe. Installée en Suisse, elle collabore avec des maîtres comme Omar Sosa et Chucho Valdés, créant une œuvre spirituelle et cosmopolite.
Son approche est un parfait équilibre : un mélange de santería afro-cubaine, de rigueur classique européenne et de jazz contemporain. Son style musical, empreint d’une dimension cosmopolite, captive le public des festivals européens. Elle incarne la diaspora intellectuelle cubaine. Son album Aguas con Omar Sosa est un joyau de jazz spirituel. La formation d’un trio, entre Sosa et Canizares, avec l’intégration du percussionniste vénézuélien Gustavo Ovalles, produit des merveilles - comme nous le verrons ici.
Née à La Havane, Yilian Cañizares a commencé l’étude du violon dans sa ville natale, suivant la tradition la plus rigoureuse de l’école russe de violon. À seulement 14 ans, elle a obtenu une bourse pour étudier à Caracas, et en 2000, elle s’est installée en Suisse pour terminer ses études au Conservatoire de Fribourg. Peu après, les principaux orchestres de la région ont commencé à la contacter, et une fois installée à Lausanne, elle a collaboré avec divers ensembles pendant six ans. En Suisse, elle a exploré le jazz et a décidé d’emprunter une nouvelle voie musicale, intégrant le chant à sa carrière d’artiste professionnelle. C’est durant cette période qu’elle a décidé de former un quartet avec des musiciens d’Allemagne, du Venezuela et de Suisse (et plus tard de Cuba), et le groupe Ochumare était né. Six mois seulement après sa formation, en 2008, le groupe a remporté le Concours du Festival de Jazz de Montreux. Dès lors, sa carrière n’a cessé de progresser. Ces dernières années, elle a partagé la scène avec Ibrahim Maalouf, Omar Sosa, Youn Sun Nah, Richard Bona, Chucho Valdés, Roberto Fonseca, Dhafer Youssef, l’Orchestre de Chambre de Lausanne et El Comité. Elle est également professeure de violon à l’École de jazz et de musique actuelle de Lausanne (EJMA).
Le succès de ses albums Ochumare, autoproduit et sorti en 2013, suivi d’Invocación, produit par Alê Siqueira, a conforté sa réputation d’artiste novatrice, capable d’explorer et de transcender les frontières musicales. Elle a été nommée « révélation de l’année » par l’hebdomadaire français Le Nouvel Observateur pour sa remarquable virtuosité et son charisme de chanteuse et de violoniste. « Ma musique reflète la richesse et le mélange des cultures que je porte en moi et représente qui je suis : une femme, une Cubaine, une musicienne et une citoyenne du monde », a déclaré l’artiste.
Son deuxième album, Invocación, a atteint le sommet du classement Qobuz – World Music et a ensuite été réédité en édition Deluxe.
Aguas, l’album produit en collaboration avec Omar Sosa, accompagné par sa compatriote Inor Sotolongo aux percussions, est sorti en octobre 2018. Le 15 novembre 2019, son nouvel album Erzulie est sorti, avec sa nouvelle formation, Yilian Cañizares & The Maroons, et dédié à la déesse haïtienne de l’amour et de la liberté, enregistré à La Nouvelle-Orléans,
Son style reflète la variété de ses influences, avec des touches de jazz, de musique classique et de musique cubaine, laissant une large place à l’improvisation. Le magazine français Les Inrockuptibles décrit une orchestration jazz mêlée à des percussions rituelles yoruba. Elle chante en espagnol, en yoruba et en français.
1 Aguas Trio, Omar Sosa(p) Yilian Cañizares(vln) Gustavo Ovalles(per), video 2018.10.4. Good Music Parlor Special Edition.

Camila Meza (1985), guitariste et chanteuse chilienne installée à New York, elle est l’une des rares artistes à être aussi respectée pour son jeu de guitare (influencé par George Benson) que pour sa voix de soprano. Avec son Nectar Orchestra, elle crée des textures oniriques qui mêlent le jazz moderne et le folklore sud-américain. Elle représente cette nouvelle garde new-yorkaise qui refuse de choisir entre virtuosité technique et émotion pure.
Elle n’est pas seulement chanteuse de jazz ; elle est aussi l’une des guitaristes les plus impressionnantes de la scène new-yorkaise actuelle. Son projet, The Nectar Orchestra, mêle quatuors à cordes et jazz, offrant une interprétation de musique de chambre aux musiques folkloriques chiliennes et latino-américaines.
Elle brise l’idée reçue selon laquelle les femmes dans le jazz latino ne sont que des chanteuses ou des figures de proue ; elle s’affirme par ses compositions et son jeu de guitare virtuose.
Musicalement inspirée par des guitaristes de jazz tels que George Benson et Pat Metheny, et influencée par la musique et le folklore sud-américains, Camila Meza a d’abord étudié avec Jorge Vidal et Jorge Díaz. Se tournant de plus en plus vers Claudia Acuña à partir du milieu des années 2000, elle a évolué sur la scène jazz de sa ville natale, où son premier enregistrement, avec Giovanni Cultrera, Espinoza y Cia (Navidad en Jazz), est sorti en 2005. En 2007, elle a présenté son premier album, Skylark (Stateside).
En 2009, Camila Meza s’est installée à New York pour étudier la guitare à la New School avec Peter Bernstein, Vic Juris et Steve Cardenas. Depuis, elle a également travaillé sur la scène jazz new-yorkaise avec Ryan Keberle (Into the Zone, 2014), Lucas Pino et Fabian Almazan, et dirige son propre octet de jazz, The Nectar Orchestra. Elle a enregistré pour Sunnyside Records l’album Traces (2016, avec Shai Maestro, Matt Penman, Kendrick Scott, Bashiri Johnson, Jody Redhage et Sachal Vasandani), chante en espagnol et en anglais, et a remporté deux Independent Music Awards : celui du Meilleur album de musique contemporaine pour adultes et celui de la Meilleure chanson latine (« Para Volar »).
En 2017, le Camila Meza Quartet s’est produit au Festival Jazzahead. L’année suivante, elle a fait venir Gina Schwarz à Vienne dans le cadre de son projet (Pannonica, Porgy & Bess. Meza a été nommée dans la catégorie « Guitare et chanteuse » comme « Révélation de l’année » par les critiques du magazine Down Beat en 2018.
Nate Chinen a décrit la voix de Meza comme « une combinaison séduisante de légèreté et de profondeur […] qui se marie à merveille avec le tumulte agile d’un groupe de renommée mondiale » dans le New York Times.
2 Kallfu, Camila Meza and The Nectar Orchestra, album Ambar, 2019.

Daniela Padrón (1987) Violoniste vénézuélienne basée à Miami, elle a réussi le pari fou de faire dialoguer Jean-Sébastien Bach avec les rythmes des plaines vénézuéliennes (Bach to Venezuela). Multi-nommée aux Latin Grammys, elle a remporté le prix en 2025 avec l’album Joropango. Ancienne membre du groupe Gaêlica, elle navigue avec une aisance déconcertante entre le rock, la world music et le répertoire académique.
Son expérience de musicienne, englobant les genres académiques, folk, rock et jazz, lui permet d’évoluer avec maîtrise dans le domaine qui les réunit tous : le jazz latino. En ce sens, nous ne doutions pas qu’il nous offrirait de nouveaux joyaux.
Daniela Padrón (Caracas, 20 mai 1987) est une violoniste, arrangeuse, professeure et compositrice vénézuélienne installée aux États-Unis.
Daniela Padrón a commencé sa formation musicale à l’École de musique expérimentale Manuel Alberto López de sa ville natale. Bien qu’elle ait étudié le piano et le violon durant cette période, elle s’est finalement consacrée à ce dernier. Adolescente, elle intègre un groupe de rock, une expérience qui, selon elle, lui permet de mettre en valeur son talent dans un contexte différent et la conduit à être invitée à jouer du violon avec le groupe vénézuélien Gaêlica. En tant que membre de ce groupe, elle reçoit en 2013 sa première nomination aux Latin Grammy Awards dans la catégorie Meilleur album folk pour son travail sur l’album Luz, una navidad celta en Venezuela (Lumière, un Noël celtique au Venezuela).
En 2012, elle décide de s’installer aux États-Unis. Installée à Miami, elle dirige d’abord un orchestre d’enfants et travaille comme professeure de musique. Au milieu des années 2010, elle retrouve le musicien César Muñoz et fait son retour sur la scène musicale. En 2016, elle sort son premier album solo, intitulé Bach to Venezuela, qui propose des compositions de Johann Sebastian Bach revisitées avec des rythmes vénézuéliens.
Après avoir partagé la scène avec des artistes tels que Willie Colón, Soledad Bravo, Cristian Benítez et Frank Quintero, il a enregistré en 2022 l’album Ella avec la pianiste et arrangeuse cubaine Glenda del E, produit par Julio Bagué et Larry Coll. L’album a reçu une nomination aux Latin Grammy Awards pour le meilleur album instrumental.
3 Popurrí de Merengues, Daniela Padrón, album Daniela Padron + 58, 2020.

Yissy García (1987) Véritable prodige de la batterie, Yissy est la fille de Bernardo García (cofondateur d’Irakere). Après avoir fait ses armes avec les groupes féminin Anacaona et Maqueque, elle a lancé Yissy & Bandancha, un projet pionnier qui fusionne le jazz avec des rythmes urbains. Elle représente l’élite de la nouvelle scène cubaine, collaborant aussi bien avec Omara Portuondo qu’avec Jane Bunnett (gagnant un prix Juno au passage). Elle est l’une des rares artistes à avoir réussi le pari du financement participatif pour son album Última Noticia, prouvant son esprit entrepreneurial autant que musical.
Sa connaissance approfondie de la tradition et son audace en matière d’innovation déconstruisent l’opposition apparente entre les deux.
La batteuse et compositrice Yissy García est l’une des artistes les plus respectées de la nouvelle génération particulièrement prometteuse de musiciens cubains. Considérée comme la percussionniste la plus en vue de l’île et l’une de ses interprètes les plus dynamiques et novatrices, elle excelle dans l’art de fusionner percussions et batterie, puisant son inspiration dans la musique folklorique et populaire cubaine, ainsi que dans le jazz et le funk contemporains.
Yissy García s’est produite sur de nombreuses scènes, tant au niveau national qu’international (États-Unis, Canada, Japon, Australie, France, Espagne, Argentine, Chili, Uruguay), et a collaboré avec des artistes de renom tels que Dave Matthews, Esperanza Spalding, Joshua Bell, Omara Portuondo et Carlos Varela. Le magazine Tom Tom (trimestriel new-yorkais consacré aux percussions féminines) l’a décrite comme la réponse cubaine à Terri Lyne Carrington, et Jazz Times comme « une étoile montante ». Depuis 2012, elle dirige Bandancha, un quintette très novateur qui mêle jazz latin, funk, hip-hop et musique cubaine. Leur premier album, Última Noticia (2015), a été salué par la critique.
García et son groupe se sont produits dans certaines des salles les plus prestigieuses des États-Unis, notamment lors d’une session mémorable au Tiny Desk Concert de NPR (mai 2018), ainsi qu’au Lincoln Center, au Kennedy Center, au Los Angeles Music Center et au SXSW à Austin, au Texas.
García est également membre du célèbre groupe féminin Maqueque, composé de huit musiciennes et fondé par la saxophoniste canadienne Jane Bunnett. Maqueque a remporté le prix Juno du meilleur album de jazz de groupe de l’année (2014) avec son premier CD, Jane Bunnett and Maqueque. Leur album Oddara (2017) a reçu une nouvelle reconnaissance, étant nominé aux Grammy Awards dans la catégorie Meilleur album de jazz latin.
Elle a récemment restructuré Bandancha, abandonnant le DJing au profit de percussions cubaines plus traditionnelles, et a présenté leur nouveau son au prestigieux festival Circulart 2018 (marché de la musique indépendante latino-américaine).
Deux singles (« Arroz con mango » et « Arrollando ») sont prévus et un EP de nouveaux titres sortira début 2019. [1]
4 Mr. Miller, Yissy Garcia & Bandancha, album Ultima Noticia, 2018.

Linda Briceño (Ella Bric), (1988) Trompettiste, chanteuse et productrice, elle est entrée dans l’histoire en 2018 en devenant la première femme à remporter le prix de « Productrice de l’année » aux Latin Grammys. Formée à El Sistema au Venezuela, elle a été adoubée par Wynton Marsalis pour sa maturité musicale exceptionnelle. Sous son alter-ego Ella Bric, elle repousse les limites de la production pop-jazz moderne.
Voici l’appréciation de Marsalis : « Elle possède un excellent sens du rythme et une sonorité remarquable, mais surtout, elle a une compréhension profonde des concepts et des idées musicales. Son jeu est d’une profondeur incroyable. On l’a ou on ne l’a pas, et il est très rare qu’une personne aussi jeune le possède à ce point. »
À seulement 24 ans, Linda possède déjà un palmarès impressionnant, fruit de nombreuses années d’expérience : trompettiste, chanteuse, directrice de big band et compositrice. Wynton Marsalis, musicien de renom et directeur musical du Jazz at Lincoln Center, exprime son admiration pour Linda : « Elle possède un sens aigu du rythme et une sonorité exceptionnelle, mais surtout, elle a une compréhension profonde des concepts et des idées musicales. Son jeu est d’une profondeur incroyable. C’est un don inné, et il est très rare qu’une personne aussi jeune le possède à ce point. » Le talent de Linda dépasse toutefois le cadre de sa carrière musicale et la propulse vers un rôle de leader social. En 2012, le Forum économique mondial l’a nommée « Young Global Shaper » en reconnaissance de son travail de musicienne et d’entrepreneuse visant à développer des stratégies d’autonomisation pour les jeunes artistes, notamment les musiciens, afin qu’ils puissent faire valoir leurs droits en tant qu’individus créatifs et en tant que collectif en Amérique latine. À 10 ans, Linda participe à sa première production musicale en studio, Tocando Tierra, produite par le label aujourd’hui disparu Latin World. Elle y partage le studio avec des artistes tels qu’Alex Acuña, Paquito D’Rivera, Armando Manzanero, Béla Fleck, Don Grusin, Abraham Laboriel, Ary Barroso, Pedro Esutache et Roger Nichols, entre autres. Elle est la plus jeune artiste de l’enregistrement. En 2010 et 2011, elle est invitée à plusieurs reprises à se produire en soliste avec l’Orchestre symphonique de Miami et l’Orchestre Simón Bolívar, sous la direction d’Arturo Sandoval et de Paquito de Rivera. En 2012, elle fait une apparition spéciale avec le Jazz at Lincoln Center Orchestra, sous la direction de Wynton Marsalis, devenant ainsi la première Vénézuélienne à jouer avec ce célèbre orchestre. Pour son premier album, elle a été nominée dans plusieurs académies dans la catégorie « Meilleure nouvelle artiste ». [2]
5 11, Linda Briceño Ft Ella Bric & The Hidden Figures, single, 2018.

Nella (Marianella Rojas) (1989) Originaire de l’île de Margarita, Nella a conquis le monde avec une voix imprégnée de « fioritures » andalouses et de folklore vénézuélien. Propulsée par le producteur Javier Limón et le film Everybody Knows, elle a remporté le Latin Grammy de la « Meilleure nouvelle artiste » en 2019. Son style est une fusion unique entre la mer des Caraïbes et le flamenco espagnol.
En otra vida, est le troisième album de l’artiste vénézuélienne, une œuvre qui nous plonge dans un univers de talent exceptionnel, porté par un concept créatif à la fois original et savoureux. Nella rend hommage aux grands noms de la musique latino-américaine à travers des reprises de chansons emblématiques, s’entourant d’artistes de différentes générations, notamment des compositrices.
Marianella Rojas (née le 3 novembre 1989), connue sous le nom de Nella, est une chanteuse vénézuélienne originaire de Porlamar, sur l’île Margarita, au Venezuela.
Rojas est diplômée du Berklee College of Music et a remporté un Latin Grammy Award dans la catégorie « Meilleure nouvelle artiste » en 2019. Le single « Voy », extrait de son premier album créé en collaboration avec Javier Limón, a été sélectionné parmi les 54 meilleures chansons de 2019 par le New York Times. Début 2020, elle a signé avec le label Sony Music Latin et a sorti son deuxième album studio, *Doce margaritas*, en 2021.
Elle a quitté son île natale pour Caracas, le Canada et les États-Unis afin de poursuivre des études musicales. Elle est diplômée du Berklee College of Music, où elle a rencontré le compositeur, musicien et producteur Javier Limón. Admiratrice de la chanteuse Buika, elle a également commencé à interpréter de la musique andalouse.
En 2018, elle a été invitée à chanter et à jouer dans le film « Everybody Knows » du réalisateur iranien oscarisé Asghar Farhadi. Elle y a interprété plusieurs chansons composées spécialement pour le film par Limón. Sa voix a également résonné au Festival de Cannes, le film ayant été choisi pour l’ouverture de l’événement.
L’année suivante, elle a entrepris la tournée mondiale « Me Llaman Nella », présentant un nouveau spectacle mêlant musique du film « Everybody Knows » et chants folkloriques vénézuéliens. Sa tournée l’a menée sur les scènes du Venezuela, du Panama, du Mexique, des États-Unis, d’Espagne et d’Angleterre.
En 2019, elle s’est produite lors de la cérémonie des Latin Grammy Awards avec Alejandro Sanz, Greecy et Aitana, et a remporté le prix de la Révélation de l’année.
Son premier album rencontre un succès international et son premier single, « Voy », est sélectionné parmi les 54 meilleures chansons de 2019 par le New York Times. Quelques mois plus tard, elle se produit au John F. Kennedy Center for the Performing Arts à Washington D.C., à l’occasion du Mois de l’héritage hispanique de 2019, où elle rend hommage à la force du peuple vénézuélien.
En mars 2020, Nella signa avec Sony Music Latin. Elle sortit son deuxième album, Doce Margaritas, en 2021. On y retrouve les voix de Pedro Capó et du groupe C4 Trío.
En avril 2024, elle sortit une reprise de la chanson « Cien Años » d’Omara Portuondo, en collaboration avec le chanteur dominicain Yendry. Ce titre a servi de premier single extrait de son troisième album studio, *En Otra Vida*, sorti un mois plus tard, en mai 2024. L’album comprend dix reprises, dont *Con los Años Que Me Quedan* de Gloria Estefan, *Me Voy* de Julieta Venegas et *Te Espero Sentada* de Shakira. Outre Yendry, Nella collabore avec Paula Arenas, GALE, maye et Nicole Zignago.
Sa musique mêle le folklore de son pays natal à des sonorités contemporaines et à une forte influence andalouse, le tout interprété avec un style vocal personnel et expressif.
6 Como la Marea, Nella & C4 Trío, album Doce Margaritas, 2021.

Ibeyi (Lisa-Kaindé & Naomi Díaz) (1994), sœurs jumelles, si leur mère, Maya Dagnino, est née en France d’un père vénézuélien et d’une mère tunisienne, leur père était le percussionniste cubain Anga Díaz, membre du groupe Buena Vista Social Club. Leur musique est une expérience spirituelle où les chants ancestraux en langue yoruba rencontrent la soul, le R&B et le hip-hop. Naomi assure le rythme (cajón, batá) tandis que Lisa-Kaindé est au piano et au chant. Leur univers mystique, qui rend hommage à la Santería, a séduit jusqu’à Beyoncé (apparition dans Lemonade). Elles incarnent une modernité chorale et percutante, traitant de sujets profonds comme le racisme et l’identité.
Ibeyi (Lisa-Kaindé et Naomi Díaz), bien que leur musique penche davantage vers le downtempo et la néo-soul, leur utilisation du cajón et des chants yoruba dans un contexte moderne constitue une forme de « jazz spirituel latin » qui captive le public.
Ibeyi est un groupe de musique électronique formé en 2013 à Paris. Il s’agit du projet des sœurs franco-cubaines Lisa-Kaindé et Naomi Díaz. Leur nom, Ibeyi, signifie « Jumelles » en yoruba. Elles sont les filles du célèbre percussionniste cubain Miguel Angá Díaz. Influencées par les cultures cubaine et française, leur musique mêle électro et trip-hop, créant un son à la fois altruiste et moderne. Ibeyi est considéré comme un groupe culte. Leurs chansons sont en yoruba, en anglais et en espagnol.
Elles ont connu le succès avec des singles tels que « Ghosts », « River » et « Stranger/Lover », et ont sorti leur premier album éponyme en 2015.
Le duo est influencé par des artistes comme Kate Bush, The Roots, James Blake et Nina Simone. Leurs textes explorent les thèmes de la Santería et du syncrétisme.
7 River, Ibeyi (Lisa-Kaindé & Naomi Díaz), album Ibeyi, 2015.

Andrea Motis (1995) Révélée très jeune au sein du Sant Andreu Jazz Band de Barcelone, Andrea est une multi-instrumentiste (trompette, sax) et chanteuse à la voix cristalline. À seulement 15 ans, elle enregistrait déjà ses premiers standards. Sa carrière a pris une dimension internationale avec son album chez Impulse ! (Emotional Dance) et des collaborations prestigieuses avec Yo-Yo Ma. Elle chante avec une aisance déconcertante en catalan, anglais et portugais, mêlant la rigueur du swing à la douceur de la bossa nova.
Andrea Motis (née le 9 mai 1995) est une trompettiste, chanteuse, saxophoniste et compositrice de jazz espagnole qui chante en catalan, espagnol, portugais et anglais.
Dès l’âge de sept ans, Motis a suivi une formation musicale à l’École municipale de musique de San Andreu (Barcelone). En 2007, à douze ans, elle a commencé à jouer dans le Sant Andreu Jazz Band, dirigé par le professeur et musicien Joan Chamorro.
En 2010, à quinze ans, elle a enregistré un album de standards de jazz, « Joan Chamorro Presents Andrea Motis », avec la participation de Bobby Gordon. En 2012, elle a enregistré un deuxième album, « Feeling Good ».
Du 1er au 4 novembre 2015, Motis (trompette, saxophone, chant), Chamorro (basse, saxophone ténor) et Josep Traver (guitare) ont assuré la première partie de l’Orquesta Buena Vista Social Club lors de leurs concerts de la tournée « Adiós » à Boston et à New York. Lors de ces concerts, Omara Portuondo a interprété « Dos Gardenias » en rappel, en duo avec Motis.
Motis a fait ses débuts chez une grande maison de disques avec l’album « Emotional Dance » (Impulse !, 2017). En 2019, elle a sorti « Do outro lado do azul », un album composé de chansons brésiliennes et de ses propres compositions.
En 2021, Motis, Mike Mossman et le WDR Big Band Cologne ont produit « Colors & Shadows ». « Loopholes » (2022) est un album du quintette éponyme que Motis codirige avec son mari, Christoph Mallinger, chordophone de jazz autrichien.
8 Matilda, Andrea Motis, album Emotional Dance, 2016.

Rita Payés (1999) Également issue de l’école de Joan Chamorro, Rita Payés a fait du trombone un instrument d’une sensualité rare. Sa voix, qualifiée d’« angélique » par NPR, et son jeu de trombone se marient parfaitement dans des répertoires allant du jazz à la bossa nova. Elle travaille souvent en famille, notamment avec sa mère guitariste Elisabeth Roma. Son album Como la piel (2021) l’a imposée comme une compositrice incontournable, capable de faire pleurer son public par la profondeur de ses interprétations.
Rita Payés Roma (née en 1999) est une tromboniste, chanteuse et compositrice espagnole de jazz et de bossa nova. Rita Payés est née à Vilassar de Mar dans une famille de musiciens. Sa mère, Elisabeth Roma, est guitariste classique, et son père et son frère sont trompettistes. Elle est diplômée de trombone jazz de l’Escola Superior de Música de Catalunya.
À l’âge de treize ans, Rita Payés intègre le Sant Andreu Jazz Band, dirigé par Joan Chamorro, où elle commence à chanter aux côtés d’Andrea Motis, Magalí Datzira, Alba Armengou et Eva Fernandez. À quinze ans, elle sort son premier album.
En 2019, Payés sort Imagina, en collaboration avec sa mère. Toutes deux partent en tournée en Europe pour promouvoir l’album. En collaboration avec le pianiste italien Massimo Faraò, Payés enregistre deux albums à New York en 2019 : My Ideal avec Scott Hamilton et In New York.
Le 16 avril 2021, Payés sort son album Como la piel, fruit d’une nouvelle collaboration avec sa mère, Roma, son compagnon, Pol Batlle, et ses frères Eudald et Pere. L’album est élu meilleur album latin de l’année 2021 par NPR Music. Le titre Nunca vas a comprender, une composition originale, est plébiscité par l’équipe de NPR Music, qui qualifie sa voix d’« angélique ». Deux mois plus tard, elle reçoit le prix Alícia 2021, décerné par l’Académie catalane de musique, qui récompense les jeunes talents.
En juin 2021, Payés et Roma ont présenté leur répertoire au JazzBaltica de Timmendorfer Strand, en Allemagne, lors d’un concert qui a impressionné la critique Angela Ballhorn par leur jeu simple et touchant. Au cours de cet été, ils ont également donné un concert au festival de jazz INNtöne dans l’Innviertel, en Autriche, qui a ensuite été diffusé par la station de radio autrichienne Ö1.
En août, Payés a rencontré le WDR Big Band pour deux concerts intitulés « Le trombone espagnol » à Cologne. Aux studios ColorsxStudios de Berlin, en Allemagne, Payés et Batlle ont enregistré leur nouveau single « Vida » dans le cadre de l’émission A Colors Show.
Lors de la 36ᵉ cérémonie des Goya à Valence en 2022, Payés a interprété « Te venero » avec C. Tangana lors d’une émission télévisée en direct sur Radiotelevisión Española. Son troisième album studio, De camino al camino, est sorti dans le monde entier le 12 juillet 2024.
9 El Marabino (Antonio Lauro), Rita Payés et Elisabeth Roma, album Como la piel, 2021.

Grâce à ces femmes exceptionnelles, les frontières entre le jazz, la pop, la musique classique et les traditions folkloriques s’estompent, non pas pour se fondre dans un mélange indistinct, mais pour donner naissance à une nouvelle synthèse : le jazz latino.
Nous espérons que cet épisode vous a plu et vous invitons à nous rejoindre dans le prochain C’est du jazz latino.