C’est du jazz latino, épisode 47

On pourrait résumer l’histoire du jazz latino en Angleterre par le passage « des bals de salon à la révolution acid jazz ». L’histoire britannique des rythmes latinos n’est pas nouvelle, mais sa fusion avec le jazz revêt un caractère résolument cosmopolite et urbain.

Parmi ses précurseurs, remontant aux années 1940, il convient de souligner le travail de pionnier d’Edmundo Ros. Bien que sa musique fût davantage destinée au grand public (musique de bal et de danse), ce musicien trinidadien, de nationalité britannique et vénézuélienne, installé à Londres, fut celui qui introduisit les rythmes caribéens dans la haute société britannique des années 1950 ; il prépara le public à les découvrir.

Un facteur décisif fut le lien avec le Commonwealth. Après la Seconde Guerre mondiale, l’arrivée d’immigrants des Antilles britanniques amena des musiciens familiers du calypso et des rythmes afro-caribéens, qui commencèrent à se mêler aux musiciens de jazz locaux dans des clubs comme le légendaire Ronnie Scott’s.
Ainsi, nous arrivons à ce que l’on peut appeler son âge d’or, l’émergence de l’acid jazz dans les années 1980 et 1990. Ce fut un tournant. Dans les années 1980, Londres connut une véritable explosion musicale : des DJ de jazz (comme Gilles Peterson) commencèrent à passer des disques de jazz latino des années 1960 (notamment de labels comme Fania et Tico) dans les boîtes de nuit. Cela créa une demande pour des groupes capables de jouer ce son énergique et dansant. Plusieurs figures clés émergèrent dans ce domaine :

– Snowboy & The Latin Section : mené par Mark Cotgrove (Snowboy), ce groupe est sans doute le plus important groupe de jazz latino d’Europe. Snowboy, percussionniste et DJ, s’est consacré à recréer le jazz afro-cubain le plus authentique, imprégné de l’énergie frénétique typique des clubs londoniens.
– Roberto Pla, percussionniste colombien arrivé à Londres dans les années 70, il est considéré comme le parrain de la salsa et du latin jazz au Royaume-Uni. Il a fondé la Latin Jazz Academy, et son orchestre a formé la quasi-totalité des musiciens de la scène actuelle.
– Alex Wilson, pianiste et arrangeur de renommée internationale, a fusionné le jazz latino avec des éléments de musique classique, de gospel et de musique africaine. Son album Inglaterra est un jalon de la scène.
– Incognito, piliers de l’acid jazz et du Brit-funk, a toujours intégré une solide section rythmique latine et des harmonies bossa nova à sa musique, sous l’impulsion de son leader, Jean-Paul « Bluey » Maunick.
– Robin Jones & King Salsa, groupe fondamental qui a contribué à poser les bases du latin jazz dans les clubs londoniens pendant des décennies. Le porte-étendard du cubop britannique a maintenu vivante la flamme du jazz afro-latin grâce à une précision technique étonnante et une approche résolument dansante.

Aujourd’hui, Londres connaît l’une des plus importantes révolutions jazzistiques au monde. Cette nouvelle génération (dont beaucoup sont issus de la diaspora africaine et caribéenne) ne pratique pas le jazz latino comme un genre à part ; il est inscrit dans son ADN.

Ezra Collective en est le parfait exemple. Ce groupe fusionne avec naturel afrobeat, jazz, hip-hop et rythmes latins, remportant le prestigieux Mercury Prize et popularisant ces rythmes.
Nubya Garcia et Moses Boyd, bien que leurs projets relèvent du jazz contemporain, utilisent constamment des percussions afro-cubaines et caribéennes, reflétant l’identité multiculturelle de Londres.
En Angleterre, le jazz latino n’est pas né dans les conservatoires, mais sur les pistes de danse. C’est un genre qui doit sa survie autant aux DJs et aux collectionneurs de vinyles qu’aux musiciens, ce qui lui confère une énergie beaucoup plus urbaine et électrisante qu’ailleurs. Le lien entre l’acid jazz et le jazz latino est l’un des plus fascinants de la musique moderne, brisant l’idée que le jazz se limite à une écoute solennelle et passive. À Londres, l’acid jazz a permis au jazz latino de retrouver sa vocation première : la dance.

Dans ce premier épisode consacré au jazz latino en Angleterre, il nous faut, comme dans les précédents, revenir brièvement sur son histoire avant d’aborder le présent.

Edmundo William Ros [1] (Port of Spain, Trinité-et-Tobago, Antilles britanniques, 7 décembre 1910 – Alicante, Espagne, 21 octobre 2011) était un musicien, chanteur et chef d’orchestre, internationalement reconnu pour sa fusion de musiques latino-américaines traditionnelles et modernes. Dans le monde anglophone, on le surnommais parfois le « King of Latin American music. »
Edmundo Ros était le fils de Luisa Urquart, une institutrice vénézuélienne d’origine africaine, et de William Hope-Ross, écossais de naissance, il possédait la double nationalité vénézuélienne et britannique. Ses parents se séparèrent lorsqu’il était très jeune et, en 1927, il s’installa avec sa mère à Caracas, au Venezuela, où il intégra l’École de musique et de déclamation de l’Académie des Beaux-Arts, sous la direction du Maestro Vicente Emilio Sojo. Durant cette période, en pleine dictature du général Juan Vicente Gómez, son intérêt pour la musique s’éveilla lorsqu’il rejoignit la fanfare militaire de Caracas, où il joua de l’euphonium pendant environ quatre ans, et des timbales au sein du tout nouvel Orchestre symphonique vénézuélien, également fondé par le Maestro Sojo. En juin 1937, grâce à une bourse du gouvernement du général Eleazar López Contreras, il partit pour Londres, en Angleterre, afin d’étudier la musique classique et la composition à la Royal Academy of Music. Il revint rapidement à la musique populaire.
En 1939, il forma son propre groupe de rumba, dans le style des Lecuona Cuban Boys d’Armando Oréfiche. En 1941, il se fait connaître avec la chanson The Children of Buddha, enregistrée par Parlophone, et se produit régulièrement à l’élégant club Coconut Grove de Regent Street, fréquenté par de nombreux membres de la haute société et de la famille royale, dont la princesse Elizabeth de Windsor. Durant les deux dernières années de la Seconde Guerre mondiale, les officiers alliés préfèrent la musique de Ros à celle des grands orchestres de Tommy Dorsey ou de Glenn Miller, qui se produisent fréquemment à Londres.
Dès 1946, il possède un club, une école de danse, une maison de disques et une agence artistique. Son orchestre compte alors seize musiciens et il est souvent invité au palais de Buckingham. Son album The Wedding Samba se vend à trois millions d’exemplaires en 1949.
En 1951, il rachète le club Coconut Grove et le rebaptise Edmundo Ros Dinner and Supper Club. L’établissement devient populaire pour son ambiance et sa musique, qui rivalisent avec celles de groupes émergents comme les Beatles et les Rolling Stones, jusqu’à sa fermeture en 1965, la fréquentation ayant chuté suite à la légalisation des casinos à Londres.
En 1975 (à 65 ans), il prit sa retraite et s’installa à Jávea, dans la province d’Alicante en Espagne.
Le 8 janvier 1994, il donna son dernier concert public. Il fut décoré de l’Ordre de l’Empire britannique par Sa Majesté la reine Élisabeth II lors de la promotion de l’an 2000. Il mourut à l’âge de 100 ans le 21 octobre 2011.
1 Summertime, Edmundo Ros & His Orchestra, album Broadway Cha cha, 1960.

George Shearing (Londres, 13 août 1919 – 14 février 2011) était un pianiste et compositeur de jazz anglais. Son style musical embrassait les genres pré-hard bop : swing, bop et cool jazz ; il s’est également aventuré de manière significative dans le jazz latino. Fidèle à une approche traditionnelle du jazz, Shearing a dirigé l’un des groupes de jazz les plus populaires des années 1950 et jusqu’au milieu des années 1960 : un quintette original composé de piano, vibraphone, guitare électrique, basse et batterie.
Le style de Shearing (qu’il appelait « mains liées », basé sur des accords parallèles) a été influencé par le travail du pianiste Milt Buckner avec le groupe du vibraphoniste Lionel Hampton, par la section de saxophones de l’orchestre de Glenn Miller et par le King Cole Trio. On perçoit également l’influence de grands pianistes de boogie-woogie et de musiciens classiques tels que Fats Waller, Earl Hines, Teddy Wilson, Erroll Garner, Art Tatum et Bud Powell. Bien entendu, il a aussi été très admiré et suivi par de nombreux musiciens.
Dans les années 1950, il créa le célèbre style Shearing Block, qui consistait à jouer la mélodie par blocs harmoniques. La note mélodique était accompagnée par les trois autres notes de l’accord à la main droite, tandis que la main gauche doublait la mélodie.
Shearing contribua également à l’essor des petits ensembles de jazz afro-cubain dans les années 1950. C’est ainsi que Cal Tjader fit ses débuts dans le jazz latino en jouant avec Shearing, qui comptait parmi ses musiciens des joueurs de congas tels que Mongo Santamaría, Willie Bobo et Armando Peraza.
En tant que compositeur, Shearing est surtout connu pour les standards « Lullaby of Birdland », « Conception » et « Consternation ». George Shearing fut également l’un des accompagnateurs les plus réputés du chanteur Mel Tormé.
2. Mambo With Me, The George Shearing Quintet, album Latin Escapade, 1957.

Kenny Graham (né Kenneth Thomas Skingle le 19 juillet 1924 à Londres ; décédé le 17 février 1997 à Londres) était un musicien de jazz britannique (saxophone, clarinette, flûte, arrangeur) et compositeur, l’un des pionniers du jazz moderne dans les îles Britanniques. Il explora les rythmes afro-cubains dès son plus jeune âge et composa parfois dans un style proche de celui de Duke Ellington.
Enfant, Graham joua d’abord du banjo, puis se concentra sur le saxophone en do majeur et le saxophone. Il jouait du saxophone alto avant de passer au ténor. Il étudia le génie civil avant de rejoindre le Reub’s Sunshine Band. En 1942, il travailla dans l’orchestre de Billy Smith et, plus tard, sous le pseudonyme de « Tex Kershaw », joua avec Johnny Claes dans une tentative infructueuse d’échapper au service militaire. Après quatre ans dans l’armée, il joua avec Jiver Hutchinson, Ken Turner (1946), Nat Temple (1947), Roy Dexter, le Feldman Club Band (1947), et avec Fred Stanley et Nat Gonella (1948). Il joua ensuite avec Ronnie Pleydell, Russ Allen, Victor Feldman (1949), Roy Bradley et Harry Klein (1950). En avril 1950, il fonda les Afro-Cubists, avec lesquels il partit en tournée et enregistra plusieurs albums salués par la critique. Malgré leur succès artistique, le groupe ne fut pas initialement viable financièrement. Il joua donc dans d’autres formations, notamment (au saxophone baryton) avec Jack Parnell ; Il réalisa également des arrangements pour Ted Heath et Humphrey Lyttelton. Malade, il fut dans l’incapacité de se produire à partir de 1958. Il composa alors de plus en plus de pièces pour Lyttelton, telles que « One Day I Met an African », « Adagio for David » et « No Lady, No Tears ». Il dirigea également des séances d’enregistrement pour Big Bill Broonzy et Josh White. Dans les années 1960, il commença à travailler comme compositeur de musique de film ; certaines de ses œuvres furent utilisées dans la série télévisée « Bob l’éponge ». Il composa la suite orchestrale « Les Travaux d’Hercule » pour la BBC. Par la suite, il se retira définitivement de la musique.
3 Piña Colada, Kenny Graham’s Afro-Cubists, album Mango Walk-Pina Colada, 1951.

Victor Stanley Feldman (Edgware, Angleterre ; 7 avril 1934 – Woodland Hills, Los Angeles, Californie ; 12 mai 1987) était un multi-instrumentiste de jazz anglais, jouant du piano, du vibraphone, de la batterie et des percussions.
Il a commencé sa carrière professionnelle dès son plus jeune âge et s’est rapidement fait un nom sur la scène jazz britannique. Feldman a émigré aux États-Unis au milieu des années 1950, où il a continué à travailler dans le jazz et comme musicien de studio avec divers artistes pop et rock.
Feldman est né à Edgware le 7 avril 1934. Enfant prodige, il s’est fait remarquer dès l’âge de sept ans, étant « découvert ». Il était issu d’une famille de musiciens. Son père fonda le Feldman Swing Club à Londres en 1942, où il mit en valeur les talents de ses enfants. Feldman commença à se produire très jeune : De 1941 à 1947, il joua de la batterie dans un trio avec ses frères ; à neuf ans, il commença le piano et, à quatorze ans, le vibraphone. Il apparut dans des films tels que King Arthur Was a Gentleman (1942) et Royal Theater (1943). En 1944, il fut présenté lors d’un concert du Glenn Miller Band sous le nom de Krupa Kid, en référence au batteur Gene Krupa. Il joua également dans la comédie musicale Piccadilly Hayride.
Son professeur de batterie, Carlo Krahmer, l’encouragea à jouer du vibraphone. En tant que vibraphoniste, il joua dans le sextet de Ralph Sharon, puis dans l’orchestre de Roy Fox. Son style au vibraphone était clairement influencé par Milt Jackson. Feldman était un percussionniste remarquable, mais c’est en tant que pianiste et vibraphoniste qu’il excellait véritablement. Avant de quitter le Royaume-Uni pour travailler aux États-Unis, Feldman a enregistré avec l’orchestre et le quintette de Ronnie Scott de 1954 à 1955, participant ainsi au lancement de la carrière d’autres musiciens de jazz britanniques importants, tels que Phil Seamen et Hank Shaw. En 1955, il a émigré aux États-Unis et a décroché son premier emploi au sein du groupe de Woody Herman Herd. Les années suivantes, il a continué à faire des allers-retours entre le Royaume-Uni et les États-Unis. Il a ensuite brièvement joué avec Buddy DeFranco. Dès 1958, il dirigeait son propre groupe sur la côte ouest américaine, avec notamment le légendaire bassiste Scott LaFaro. La même année, il a enregistré l’album The Arrival of Victor Feldman, avec LaFaro et Stan Levey à la batterie. Il a enregistré avec de nombreux musiciens de jazz de l’époque, dont Benny Goodman, George Shearing, Cannonball Adderley et Miles Davis. Avec Davis, il a joué du piano sur l’album Seven Steps to Heaven (1963), qui comprend des performances mémorables ainsi que ses propres compositions. Miles Davis a invité Feldman à rejoindre son groupe en exclusivité, mais Feldman a décliné l’offre, préférant la stabilité du travail en studio aux tournées. Sa collaboration avec Shelly Manne sur Black Hawk (1959) illustre parfaitement son apport distinctif aux solistes, un élément clé du hard bop.
En 1957, Feldman s’est installé définitivement à Los Angeles, se spécialisant comme musicien de studio dans l’industrie du disque. Il a collaboré avec de nombreux artistes, dont Frank Zappa en 1967, Steely Dan et Joni Mitchell dans les années 1970, et Tom Waits et Joe Walsh dans les années 1980. On peut largement entendre son style au vibraphone sur la bande originale de l’émission télévisée The Music of Peter Gunn, avec une musique d’Henry Mancini.
Feldman est décédé à son domicile de Los Angeles. À 53 ans, suite à une crise d’asthme.
4 Poinciana, Víctor Feldman, album Latinsville !, 1959.

Robin Jones, figure emblématique de l’histoire de la samba au Royaume-Uni (né Ernest Robin Jones à Pune, en Inde, le 4 novembre 1934 – décédé le 3 juillet 2019), fut l’un des pionniers les plus influents des musiques afro-latines au Royaume-Uni.
Il fut l’un des premiers membres de la London School of Samba. Il donna son premier concert à Covent Garden en avril 1984 et participa la même année au premier défilé historique du carnaval de Notting Hill. Il fut le lien entre la LSS et les débuts de la musique latine au Royaume-Uni dans les années 1980. Il était percussionniste, choriste, compositeur et professeur, et membre du Roy Young Band en 1971 et 1972. Avec ce groupe, il a accompagné Chuck Berry sur l’enregistrement live de « My Ding-a-Ling », qui a atteint la première place des charts des deux côtés de l’Atlantique. On le retrouvait souvent comme musicien de studio aux studios Top of the Pops à Londres, où était diffusée l’émission télévisée hebdomadaire à succès.
Il était le leader et fondateur du sextet King Salsa, dont le son mêlait salsa, musique latine et jazz. Il a sorti plusieurs albums, dont Latin Underground, Afro-Cuban Sounds et Latin Jazz : Denga/El Maja.
En tant que musicien de studio, il a enregistré avec de nombreux artistes et a participé à plusieurs enregistrements de M People, Dr. John, Pet Shop Boys, Matt Bianco, Basia, Miriam Stockley et Elton John. À partir des années 1980, il a enseigné à de jeunes percussionnistes et, malgré plusieurs crises cardiaques et une opération, il est remonté sur scène. [2]
5 Denga, Robin Jones, album Latin Jazz : Denga and El Maja, 2011.

Roberto Pla (né le 13 février 1947) est un percussionniste et chef d’orchestre colombien installé à Londres. Timbalero de formation, il est reconnu pour sa contribution à la scène musicale latine au Royaume-Uni. Il a notamment tourné avec Carlos « Patato » Valdés, Alfredo Rodríguez et Adalberto Santiago.
Roberto Pla est né à Barranquilla, sur la côte atlantique nord de la Colombie, une région tropicale riche en musique et en folklore. Enfant, il a étudié les percussions avec Pompilio Rodríguez, alors l’un des percussionnistes les plus réputés du pays. En 1964, il s’installe à Bogotá, la capitale, et devient musicien de studio très demandé, collaborant avec certains des meilleurs orchestres. Entre 1968 et 1978, il joue de la batterie avec l’Orchestre de Lucho Bermúdez, le big band phare de Colombie et une véritable institution nationale, avec lequel il effectue des tournées en Amérique latine et aux États-Unis, enregistre de nombreux albums et apparaît chaque semaine à la télévision colombienne.
En 1979, Pla quitte la Colombie pour New York, où il devient percussionniste de studio spécialisé dans la salsa, travaillant notamment avec l’Orquesta La Tradición. En 1980, attiré par la scène pop européenne, il s’installe à Londres. En 1984, il est l’un des membres fondateurs de la London School of Samba, la première école de samba créée au Royaume-Uni. En 1986, Roberto Pla a fondé son propre orchestre de 12 musiciens de renom, le Roberto Pla Latin Ensemble, qui s’est depuis produit à de nombreuses reprises dans des festivals européens et des émissions de télévision. Parmi les artistes avec lesquels il a joué et tourné figurent le groupe pop espagnol Radio Futura et les géants du rock Motörhead (avec lesquels il a fait une apparition dans le film « Eat the Rich »). Durant l’été 1993, il a tourné en Europe avec le groupe de rap US 3 (Blue Note Records), le chanteur des Fania All Stars, Adalberto Santiago, et Azuquita. En 1998, il a tourné en Europe avec Sidestepper et les Newyorican Poets. En 2010, Pla a collaboré avec le Jazz at the Lincoln Center Orchestra, dirigé par Wynton Marsalis, au Barbican Centre de Londres.
En 1996, le groupe a participé à la tournée Salsa Legends, avec notamment Azuquita comme chanteur invité, ainsi qu’Alfredo Rodríguez au piano, Justo Almario au saxophone ténor et Steve Turre au trombone. Parmi les autres musiciens latins que le Latin Ensemble a accompagnés au Royaume-Uni et en Europe, on compte Cheo Feliciano, Marvin Santiago, Tito Allen, Pedro Arroyo et Tito Gómez.
En avril 2012, le groupe a célébré son 25e anniversaire par un concert à l’Assembly Hall d’Islington et a remporté son premier prix LUKAS pour l’ensemble de sa carrière et sa contribution à la communauté latine au Royaume-Uni. En juin 2013, Roberto Pla et son Latin Ensemble étaient en tête d’affiche de la scène « Glasto Latino » du festival de Glastonbury et ont remporté leur deuxième prix LUKAS du « Concert de l’année » au printemps 2014. En août 2017, Roberto Pla s’est produit au Royal Albert Hall en tant qu’invité spécial de l’émission « BBC Prom 57 : Swing No Fin », dirigée par Claire Teal et Guy Barker.
6 Finlandson, Roberto Pla And His Latin Ensemble, album Right On Time !, 1995.

Roger Beaujolais, né Roger Downham le 22 novembre 1952 à Harrogate, dans le Yorkshire, en Angleterre, est un musicien autodidacte. Il débute son parcours musical au piano et à la batterie, jouant brièvement cette dernière dans un groupe de rock. Passionné par de nombreux musiciens de jazz jouant de divers instruments, il ne commence à s’intéresser sérieusement au vibraphone qu’à 24 ans. À 28 ans, il donne son premier concert avec cet instrument et, depuis 1973, il se consacre pleinement à la musique professionnelle. L’un de ses premiers groupes est le Beaujolais Band, qui propose un mélange captivant de salsa et de bop, à l’apogée du hard bop. Depuis, on l’a régulièrement entendu diriger son propre quintette et le groupe d’acid jazz Vibraphonic, ainsi que co-diriger le quartet Theo Travis/Roger Beaujolais. Il a également collaboré fréquemment avec le groupe de jump jive populaire Chevalier Brothers, qu’il a cofondé au début des années 1980. Parmi les autres membres du groupe figuraient Ray Gelato (saxophone), Maurice Chevalier (guitare), Clark Kent (basse) et John Piper (batterie). Avec ce groupe, Beaujolais a enregistré et tourné à l’international tout au long des années 1980, se produisant dans de nombreux festivals de jazz majeurs. Parmi les nombreux musiciens et groupes avec lesquels Beaujolais a joué et enregistré, on compte des artistes de jazz contemporain, de musique latine et de pop tels que Robin Aspland, Butterfield 8, Guy Chambers, Winston Clifford, Mary Coughlan, D-Influence, Simon Thorpe, Roland Perrin, Fairground Attraction, 4 Hero, Slim Gaillard, Ed Motta, Mark Nevin, Tommaso Starace, Mark Lockheart, Minika Green, Tony Rémy, Pete Lewinson, Davide Mantovani, Kirsty MacColl, Dave Lewis, Jim Hart, Masami Tsuchiya, Robert Plant et Paul Weller. Il a également participé aux rééditions des albums « Spirit Level » et « Great Spirit » de Tim Richards. Parallèlement à son activité de musicien, Beaujolais a enseigné le vibraphone jazz au Trinity College of Music de Londres. [3]
7 Ain’t No Sunshine, Roger Beaujolais and The Beaujolais Band, album Mind How You Go, 1990.

Benn Clatworthy, né à Hastings en 1955 et ayant grandi dans le sud de Londres, est un saxophoniste ténor et le petit-fils de Gertrude Lawrence, vedette de la scène des années 1930. À dix-neuf ans, il commence à étudier avec Ronnie Scott, qui le recommande au Berklee College of Music de Boston. Installé à Los Angeles, Clatworthy est une figure incontournable des clubs de la ville depuis vingt ans et a collaboré avec des artistes tels que Cedar Walton, Lionel Hampton, Johnny « Hammond » Smith et Jimmy Cleveland. Son dernier album, Let’s Face the Music (Maestro, 2000), illustre parfaitement sa philosophie : « Si la musique ne suscite pas d’émotions, elle n’a que peu de valeur. »
Ben Clatworthy, saxophoniste ténor de jazz moderne véritablement impressionnant, s’est fait connaître grâce au regretté Ronnie Scott. Bien que britannique, Ben réside actuellement en Californie, où il s’est imposé comme un talent de premier plan. Si toutes ces années à Los Angeles semblent avoir peu influencé son élocution, son jeu de saxophone ténor a acquis de fortes caractéristiques américaines, notamment un son personnel et incisif, ainsi qu’une vaste palette émotionnelle allant de la tendresse d’une ballade à des torrents d’agressivité maîtrisée à une vitesse vertigineuse. (Chris Lee)
… « Dispersant les notes dans la salle avec une éloquence délicieusement sèche et incisive, à une vitesse fulgurante. » (John Fordham)
Figure incontournable des clubs de Los Angeles depuis 1980, Ben Clatworthy a d’abord été fortement influencé par John Coltrane à la fin des années 1950, mais il a adouci son son et l’a parfois rapproché de celui de Warne Marsh, avec des accents de Sonny Rollins. Il a fait ses débuts discographiques en 1990 avec l’album Thanks Horace (sur lequel figure également la pianiste Cecilia Coleman) chez Discovery, et en 1995, il a sorti While My Lady Sleeps sur son propre label (avec Cedar Walton en invité). [4]
8 Bossa Mia, Benn Clatworthy, album Clatworthy Music, 2010.

Dave Betts, né en 1957, a collaboré avec de nombreux musiciens, de Peter Gabriel au pianiste de jazz Jason Rebello, et avec des compositeurs de renom tels que David Fanshawe (African Sanctus). Son style unique lui permet de jouer simultanément de plusieurs instruments de percussion, et ses performances en direct sont empreintes d’énergie et de multiples couches de rythmes latinos. Betts s’est forgé une réputation grâce à ses interprétations rythmiquement riches et énergiques qui repoussent les limites du jazz contemporain. Parallèlement à sa carrière artistique, il est également un pédagogue respecté, enseignant les percussions dans des institutions prestigieuses du Royaume-Uni, telles que le King’s College de Taunton et la Sherborne School.
Le Dave Betts Quintet, quintette de jazz latin et de funk, a été formé en 2000 pour mettre en valeur les compositions originales du batteur Dave Betts. Le groupe navigue avec aisance entre musique latine, jazz et funk, privilégiant des rythmes entraînants, des solos captivants et des mélodies accessibles. Ils ont quatre albums à leur actif, dont un album live enregistré au Ronnie Scott’s. Leur cinquième album, These Times, sorti au printemps 2015, met en vedette le saxophoniste ténor australien Brandon Allen. [5]
9 Alhambra, Dave Betts Quintet, album Straight Ahead, 2010.

Snowboy, né le 3 juillet 1961, est un musicien de jazz, critique musical et percussionniste. Snowboy (littéralement « le garçon des neiges ») est le nom de scène de Mark Cotgrove, mixeur et musicien de jazz latino. DJ depuis l’âge de 17 ans, il fut DJ résident au Goldmine, un club qui diffusait de la musique noire : jazz, funk et soul, après sa période Latin Fusion. Il s’acheta alors des congas.
Musicien autodidacte, Mark utilise le nom de scène Snowboy, un personnage de West Side Story qu’il interprétait avec une troupe de théâtre amateur à l’âge de 18 ans. Il sortit son premier single, un morceau go-go funk avec une face B rap, When Snowboy’s Rocking the Mike.
Il collabora ensuite avec Chris Sutton, sortant trois singles et un album chez Polydor, mais sans grand succès. Snowboy s’associa plus tard au musicien tex-mex Flaco Jiménez et sortit un single de latin jazz, « Mambo Teresa ». Il sortit également un single solo, « Ritmo Snowbo », avec en face B une reprise du standard de jazz « A Night in Tunisia » interprétée par Jackson Sloan (dont le premier album avait été produit par Snowboy).
Son professeur de percussions l’engagea comme percussionniste au sein du groupe King Salsa. Le pianiste n’était autre que Danny White, du groupe Matt Bianco, où sa compagne Basia chantait. Il enregistra et partit en tournée avec Matt Bianco et Basia, après quoi cette dernière lança une carrière solo internationale. Le groupe Coldcut contacta Snowboy pour leur single « Stop This Crazy Thing ». Il découvrit la chanteuse Lisa Stansfield, membre de Coldcut, et devint son percussionniste en studio et sur scène.
En 1988, avec son projet acid jazz The Freedom Principle, Snowboy sortit House of Latin, un morceau de latin house qui se classa dans les charts dance britanniques. Il sortit également un album solo, Ritmo Snowbo. Il accompagna le James Taylor Quartet et le chanteur Noel McKoy sur leurs deux singles solo, dont « Give Me The Sunshine », qui atteignit la 51ᵉ place des charts britanniques. Snowboy a sorti deux albums solo, Descarga Mambito et Somethings Coming, en 1994, qui ont atteint la 11ᵉ place du classement UK Independent Hit-Parade.
En 2008, il a sorti l’album Comunicación. Il a fondé le groupe funk The Perceptions, qui a sorti l’album Introducing… The Perceptions. Il a également collaboré au magazine Blues and Soul et, en 2008, a publié le livre From Jazz Funk & Fusion to Acid Jazz –The History of the UK Jazz Dance Scene Snowboy figure dans le *Who’s Who of Latin Music*. [6]
10 In the Wee Small Hours of the Morning, Snowboy & The Latin Section, album Descarga Mambito, 2013.