C’est du jazz latino 48

Pendant des décennies, l’histoire du jazz latino a été racontée presque exclusivement d’un point de vue masculin. Pourtant, les femmes n’ont pas seulement été présentes, elles ont aussi joué un rôle fondamental dans l’élaboration de ce genre musical, passant du rôle de chanteuses à celui de dirigeantes d’ensembles, de pianistes et batteuses à la direction musicale. Nous vous présentons ici deux épisodes consacrés aux musiciennes incontournables du jazz latino contemporain.

Ces femmes sont passées du statut d’invitées à celui de directrices musicales qui définissent le son des groupes. Avec elles, nous explorons un territoire fascinant où le jazz latino dépasse la simple clave pour s’enrichir d’une texture plus vaste : jazz folk, avant-garde latine, néoboléro ou jazz de chambre sud-américain. Nous sommes face à des protagonistes qui élargissent les horizons de la musique latine et du jazz, apportant une sophistication sonore remarquable, notamment pour un public international sensible à l’éclectisme.

Ces artistes évoluent aux frontières de l’avant-garde et de l’expérimentation ; elles ne se contentent pas de jouer du jazz latino ; ils inventent de nouveaux langages où la racine latine donne le rythme, mais où l’essence même réside dans l’improvisation. Avec elles, nous comprenons que le jazz latino n’est pas qu’un simple rythme ; c’est une façon d’appréhender le monde à travers n’importe quel instrument, à travers le groupe, à travers la musique.

Dans ce programme et le suivant, nous souhaitons illustrer la transmission intergénérationnelle, la migration et la fusion des sonorités entre les continents bordant l’Atlantique. Deux heures de programmation que nous diviserons en deux thèmes : le premier sera consacré aux architectes du rythme, celles qui ont posé les fondements techniques et théoriques, et le second, le mois prochain, à l’avant-garde, à celles qui repoussent les limites du genre.

Maria Marquez, 1951, Chanteuse vénézuélienne installée en Californie, Maria Marquez incarne une fusion sensuelle entre le boléro, le jazz et la world music. Formée à Berklee, elle s’est imposée sur la scène de San Francisco en revisitant les chants de travail traditionnels (comme le célèbre « Canto de Pilon ») avec des arrangements électroniques et jazz. Son style, souvent comparé à celui d’Astrud Gilberto, se caractérise par une élégance intimiste et une grande richesse harmonique. Productrice méticuleuse, elle collabore avec le percussionniste John Santos pour créer des ponts entre la nostalgie de Caracas et la modernité du jazz de la côte ouest. Ses collaborations avec les musiciens Vytas Brenner et Frank Harris ont également joué un rôle très important dans sa carrière.
Elle a débuté sa carrière musicale adolescente, en chantant en duo avec l’auteur-compositeur-interprète Vytas Brenner à la fin des années 1960 et au début des années 1970, dans son Venezuela natal.
À la fin des années 1970, Brenner allait devenir une figure majeure du rock et de la pop vénézuéliens, fusionnant ces genres musicaux avec le folklore vénézuélien. Vytas est devenu la principale influence de Maria lorsqu’elle a été impressionnée par la facilité avec laquelle il mélangeait la musique folklorique vénézuélienne à des éléments électroniques et modernes. Cette influence l’a profondément marquée ; un événement particulièrement marquant fut l’écoute, ensemble, d’un enregistrement de femmes chantant des mélodies envoûtantes tout en pilant du maïs – le Canto de Pilon.
Au sein du duo Vytas et Maria Fernanda (son nom complet), elle est apparue à la télévision nationale et a participé au deuxième Festival de l’Onda Nueva à Caracas, dirigé par Aldemaro Romero, l’un des plus grands compositeurs de musique populaire vénézuélienne et créateur du style Onda Nueva. Maria est diplômée du Berklee College of Music, où elle a étudié la composition, l’arrangement et la musique de film pendant cinq ans. En 1982, elle obtient son diplôme de musique professionnelle à Berklee et s’installe à San Francisco.
Peu après son arrivée dans la région de la baie, Maria commence à jouer avec la guitariste Joyce Cooling. Cette collaboration enrichissante lui ouvre les portes du jazz et de la musique brésilienne. C’est également à cette époque qu’elle noue une longue amitié et collaboration avec le percussionniste John Santos, une amitié qui donnera lieu à de nombreux moments mémorables sur scène et en studio.
Toujours en 1985, Maria forme une autre alliance qui s’avérera très fructueuse avec le virtuose de la musique électronique, multi-instrumentiste et producteur Frank Harris. Avec Frank, elle a enregistré deux chansons folkloriques vénézuéliennes, « Canto del Pilon » (traditionnelle) et « Campesina » de Juan Vicente Torrealba. Ensemble, ils ont co-arrangé et co-produit ces deux titres mémorables qui allaient s’inscrire dans le tourbillon d’un nouveau mouvement du début des années 1980 : la World Music.
Cet enregistrement a suscité un vif intérêt et les chansons ont figuré sur plusieurs compilations de musique du monde : Potatoes (San Francisco, Ralph Records), All Ears (Los Angeles, ROM Records) et Border Crossings (Israël, Hed Arzi Records). [1]
1 Canto Del Pilón Frank Harris & María Márquez, Canto Del Pilon 45 rpm 1985.

Sheila E. (Sheila Escovedo) [2], 1957, Percussionniste prodige et fille de Pete Escovedo, Sheila E. a grandi dans une famille de musiciens d’élite. Protégée de Tito Puente et collaboratrice légendaire de Prince, elle a fusionné le funk, la pop et les rythmes latins pour devenir une superstar mondiale avec des titres comme « The Glamorous Life ». Au-delà de son image de sex-symbol des années 80, c’est une musicienne virtuose qui a brisé les plafonds de verre pour les femmes batteuses. Survivante d’abus sexuels, elle utilise aujourd’hui sa notoriété pour lutter contre la maltraitance infantile via sa fondation Elevate Hope, tout en continuant de collaborer avec les plus grands noms de la musique.
Bien qu’elle soit surtout connue pour sa collaboration avec Prince, ses racines sont profondément ancrées dans le jazz latino. Sa maîtrise des timbales et des congas est légendaire.
Sheila Cecilia Escovedo (Oakland, 12 décembre 1957), est une batteuse et chanteuse américaine. Elle a grandi dans la région de la baie de San Francisco. Aînée d’une famille de quatre enfants, elle est la fille de Pete, percussionniste de Carlos Santana, et de Juanita Escovedo. Dès son plus jeune âge, elle a côtoyé des musiciens de renom : ses oncles (Coke, Alejandro et Mario Escovedo) travaillaient également dans l’industrie musicale, et son parrain était Tito Puente. À cinq ans, elle se produisait déjà aux côtés de son père, et à dix-sept ans, elle collaborait avec des artistes tels que Billy Cobham, Lionel Richie, Diana Ross, Marvin Gaye et Natalie Cole. Cependant, à l’âge de cinq ans, elle a été victime d’abus sexuels de la part d’un voisin. Sheila Escovedo n’a révélé cette expérience qu’en 2015, lors de la publication de son autobiographie.
En 1977, elle sortit son premier album avec son père, Solo Two. En 1978, à la fin d’un concert, elle rencontra Prince, qui, impressionné par son talent artistique, l’aborda et lui annonça une future collaboration, qui se concrétisa quelques années plus tard. Durant cette période, elle sortit deux albums et participa aux tournées de l’artiste de Minneapolis, d’abord en première partie (Purple Rain), puis comme membre à part entière du groupe après la séparation de The Revolution.
Sheila E., cependant, ne se limitait pas à faire partie de l’entourage de Prince. Elle a joué dans le film de Michael Shultz, Krush Groove, véritable manifeste de la culture hip-hop à l’aube de sa popularité. La chanteuse est également passée du funk-soul au rap, s’essayant même au breakdance.
En 1985, elle a participé à USA for Africa aux côtés de 44 autres stars de la pop, sous la direction artistique de Quincy Jones. Ce n’était que le début d’un long engagement dans le travail social, qui, les années suivantes, la verra lutter contre la maltraitance infantile et fonder la fondation Elevate Hope en 2001.
Après la fin de sa collaboration et d’une brève relation avec Prince en 1989, elle se lance dans une carrière solo, toutefois freinée par des problèmes physiques aux membres supérieurs, aux épaules et aux jambes, causés par sa posture lors de nombreux concerts.
Après sa convalescence, elle collabore avec de nombreux artistes, dont Beyoncé, Phil Collins et Ringo Starr. En 2006, elle se produit aux Brit Awards. L’année suivante, elle se réconcilia définitivement avec Prince, une relation qui dura jusqu’à sa mort en 2016.
2 Anacaona, Sheila Escovedo & Friends, album Bailar Instrumentals, 2025.

Cindy Blackman Santana, 1959, Batteuse virtuose naviguant entre le jazz et le rock, Cindy Blackman s’est fait connaître mondialement en accompagnant Lenny Kravitz pendant plus d’une décennie. Formée par Alan Dawson et profondément influencée par Tony Williams, elle possède un jeu puissant et technique qui lui a valu d’être classée parmi les meilleurs batteurs de l’histoire par Rolling Stone. Depuis 2010, elle est un pilier de l’orchestre de Carlos Santana, qu’elle a épousé sur scène. Sa spiritualité (foi bahá’íe) et sa maîtrise des polyrythmies font d’elle une figure centrale de la fusion moderne, capable de diriger ses propres ensembles de jazz tout en remplissant des stades.
Sa collaboration avec Santana n’éclipse en rien sa carrière ; c’est la rencontre de deux musiciens expérimentés, où chacun donne le meilleur de lui-même.
Cynthia Marie « Cindy » Blackman est née le 18 novembre 1959 à Yellow Springs, dans l’Ohio, aux États-Unis. Sa mère et sa grand-mère jouaient de la musique classique, et son oncle était vibraphoniste. Lors d’une fête, elle a été impressionnée par le batteur du groupe et, à l’âge de trois ans, elle a demandé une batterie. Finalement, à sept ans, elle a reçu une batterie jouet.
Elle a commencé ses études à la Hartt School of Music de l’Université de Hartford et s’est intéressée au jazz grâce à la collection de disques de son père. Elle a acquis sa première batterie professionnelle à l’âge de 14 ans.
Après son arrivée à New York en 1982, suite à ses études au Berklee College of Music de Boston auprès d’Alan Dawson, elle fut prise sous l’aile d’Art Blakey à l’âge de 23 ans. Elle le considère comme son plus grand maître, bien qu’elle n’ait jamais reçu de cours formels de sa part. Leur relation était si profonde que Blakey l’appelait « sa fille ». Elle a également étudié auprès d’autres grands noms tels qu’Elvin Jones, Tony Williams et Max Roach.
À New York, elle commença à travailler comme artiste de rue avec Wallace Roney, son compagnon de l’époque. De cette période, elle se souvient : « Nous avions une voiture que mon frère m’avait donnée, un énorme pick-up Ford. Nous n’avions pas d’appartement. Mais nous transportions nos affaires dans cette voiture », ce qui les obligeait à alterner leurs heures de sommeil et le temps passé dans la voiture, de peur de se faire voler leurs biens, notamment leurs instruments. Ils commencèrent également à jouer dans de petits bars, mais toujours sans domicile fixe.
Elle s’est progressivement fait un nom, mais c’est en 1993, lorsqu’elle a reçu un appel de Lenny Kravitz à Los Angeles, que sa carrière a véritablement décollé. Leur premier grand succès ensemble fut la chanson et le clip de « Are You Gonna Go My Way ». Ce qui devait être une collaboration de deux semaines s’est transformé en une collaboration de 18 ans au sein du groupe du musicien.
À la fin des années 1990, elle a enregistré avec son propre groupe, Telepathy, et ils ont sorti la vidéo pédagogique Multiplicity en 1997. « Pour moi, le jazz est la forme de musique la plus aboutie, de par la créativité qu’il exige », déclare Blackman.
Elle a enregistré plusieurs albums de jazz sous son nom et a collaboré avec Pharoah Sanders, Sonny Simmons, Ron Carter, Sam Rivers, Cassandra Wilson, Angela Bofill, Buckethead, Bill Laswell et Joe Henderson. Blackman est mariée au célèbre guitariste Carlos Santana depuis décembre 2010.
3 Everybody’s Dancin’, Cindy Blackman Santana, album Give the Drummer Some 2020.

Rebeca Mauleón, 1962, pianiste, auteure et pédagogue de premier plan, elle est une autorité mondiale en matière de salsa et de jazz afro-caribéen. Son ouvrage Salsa Guidebook est devenu la « bible » des musiciens du genre. Au cours de sa carrière, elle a collaboré avec des légendes telles que Tito Puente, Carlos Santana et Cachao. En plus de ses albums solo acclamés, elle est une cheffe d’orchestre dynamique et la directrice pédagogique de SFJAZZ. Son style « viscéral » au piano et son expertise musicologique font d’elle une passerelle indispensable entre la tradition caribéenne et l’enseignement académique du jazz aux États-Unis.
Américaine d’origine latine, elle est bien plus qu’une simple interprète : elle est la pédagogue du genre. Sans elle, une grande partie de la théorie actuelle du jazz latino n’aurait jamais été documentée.
Mauleón est née à Santa Monica, en Californie. Elle a débuté sa carrière professionnelle à l’adolescence comme interprète et artiste d’enregistrement, collaborant avec de nombreux musiciens de divers genres musicaux. Elle a écrit plusieurs textes et articles sur l’histoire des musiques latines et caribéennes, dont le Salsa Guidebook.
Depuis le début de la vingtaine, elle s’est produite et a enregistré avec des figures emblématiques des scènes latine et jazz, notamment Tito Puente, Carlos Santana, Cachao, le joueur de congues Carlos « Patato » Valdés, Armando Peraza, Giovanni Hidalgo, Joe Henderson, Sheila E., Steve Winwood, Michael Nesmith et bien d’autres. Elle est également l’une des rares femmes à diriger des orchestres de jazz afro-caribéen.
Ses albums solo – Round Trip, Latin Fire et Descarga en California – ont figuré dans le top 10 des classements de l’industrie musicale latine. Elle s’est produite dans de nombreux festivals de musique nationaux et internationaux, notamment le Women in Jazz Festival au Kennedy Center de Washington D.C., ainsi que les festivals de jazz de Monterey et de San Francisco.
Directrice musicale de l’ensemble Planet Drum de Mickey Hart, Mauleón a donné des concerts à travers les États-Unis, notamment à Woodstock en 1999. En 2001, elle a reçu le prix Meet the Composer New Residencies Award et a également été boursière du Sundance Composers.
Elle est professeure de musique latino-américaine, caribéenne et de jazz, ainsi que de composition, et a enseigné dans plusieurs universités à travers le monde. Elle a également été consultante musicologique pour National Geographic. Mauleón a été nommée directrice pédagogique de SFJAZZ en 2011.
Le style puissant de Rebeca au piano et sa direction musicale dynamique ont été qualifiés de « viscéral » (Billboard Magazine) et de « fougueuse » (Utne Reader). La critique l’a saluée comme « l’une des cheffes d’orchestre les plus en vogue de la musique latine actuelle » (Allmusic).
4 Serenata Rítmica, Rebeca Mauleón, album Descarga En California, 2006 .

Luciana Souza, (São Paulo, 14 juin 1966), formée à Berklee, Luciana Souza est l’une des chanteuses de jazz les plus respectées de sa génération. Nommée plusieurs fois aux Grammy Awards, elle excelle dans l’art du duo voix-guitare, explorant les racines brésiliennes avec une précision et une clarté émotionnelle rare. Sa polyvalence lui permet de briller aussi bien dans le répertoire classique que dans le jazz contemporain ou les hommages intimistes, comme son projet sur Chet Baker. Pour elle, la musique est une question de contraste et de silence, une philosophie qu’elle partage sur scène avec le guitariste Romero Lubambo.
Si le Brésil était un monde à part, en fait il ne l’est pas, Luciana serais le lien avec les autres mondes. Lauréate de Grammy Awards, elle a collaboré avec Herbie Hancock. Son talent pour chanter sans paroles (comme s’il s’agissait d’un instrument à part entière) élève le jazz brésilien au rang d’art quasi transcendantal.
Luciana Souza est une chanteuse et compositrice de jazz brésilienne. Fille de la poétesse Tereza Souza et du chanteur, compositeur et guitariste Walter Santos, elle a grandi à São Paulo. Elle est titulaire d’une licence en composition de jazz du Berklee College of Music de Boston et d’un master du New England Conservatory of Music.
Elle a débuté sa carrière à l’âge de trois ans en enregistrant des jingles publicitaires. Elle a également travaillé dans le domaine de la musique classique européenne. Se concentrant sur le répertoire brésilien, elle le réinterprète sur les albums Brazilian Duos (2001) et Duos 2 (2005), deux albums voix-guitare. Son album suivant, Norte e sul/North and South (2003), réunit des classiques brésiliens et américains.
Elle a été nommée trois fois aux Grammy Awards dans la catégorie Meilleure chanteuse de jazz, en 2002, 2003 et 2005. Elle a joué et enregistré avec des musiciens et compositeurs de jazz de renom. Elle enseigne actuellement à la Manhattan School of Music. Elle est mariée au producteur de musique Larry Klein. Elle a enregistré un duo avec Walter Becker en 2008 pour l’album Circus Money, produit par Larry Klein.
En 2012, la chanteuse a sorti Duos III, un album de standards brésiliens accompagnés à la guitare, à propos duquel elle déclare : « C’est le son avec lequel j’ai grandi et celui dans lequel je me sens le plus à l’aise. La beauté de la voix et de la guitare réside dans le fait qu’il s’agit de deux instruments acoustiques. On dispose d’une multitude de possibilités sonores, mais aussi du silence. Et je trouve cela intéressant ; il faut tenir compte de ce vide. Je pense que c’est fondamental en musique, car c’est le contraste. »
Sur son album suivant, elle s’est attaquée à l’interprétation des chansons de Chet Baker, accompagnée par un trio. Cet album, The Book of Chet, également sorti en 2012, lui a valu une nomination aux Grammy Awards dans la catégorie Meilleur album vocal de jazz. Souza dit de la musique de Chet : Elle vous oblige à vous y plonger. Elle suspend tout. Elle invite à l’immobilité, comme la belle poésie, et C’était une âme profondément tourmentée. Beaucoup d’entre nous le sommes, même si nous ne sommes peut-être pas aussi perdus. Et lorsqu’il chante, il révèle cette vulnérabilité, cette fragilité qui sommeille en chacun de nous. Pour moi, cela évoque quelque chose de très particulier : la souffrance de celui qui transmet le message, son expérience de l’amour, de la perte, et de tout ce qui se trouve entre les deux.
Elle se produit presque toujours avec le guitariste Romero Lubambo.
5 Sim ou Não, Luciana Souza, album Storytellers, 2020.

Anat Cohen, 1975, Clarinettiste et saxophoniste d’origine israélienne basée à New York, Anat Cohen est la « Reine de la clarinette » moderne, élue meilleure instrumentiste par les critiques de DownBeat depuis plus d’une décennie. Elle a su intégrer les influences du choro brésilien et des rythmes latins à son langage jazz, créant un son chaleureux et virtuose. Nommée plusieurs fois aux Grammy Awards, elle dirige le Anat Cohen Tentet et collabore fréquemment avec ses frères. Sa capacité à faire de la clarinette un instrument central du jazz contemporain, avec une joie expressive contagieuse, a revitalisé l’image de cet instrument sur la scène internationale.
Bien qu’israélienne, elle est considérée comme l’une des plus grandes interprètes de choro (précurseur du jazz au Brésil) à la clarinette. Son talent pour l’improvisation sur des rythmes sud-américains est stupéfiant.
Anat Cohen (Tel Aviv, 1975) est une clarinettiste, saxophoniste et cheffe d’orchestre israélienne installée à New York. Anat Cohen a commencé par jouer de la clarinette et du saxophone, et en 1996, elle intègre le Berklee College of Music. Elle a également enregistré avec ses frères Avishai Cohen (trompette) et Yuval Cohen (saxophones alto et soprano).
Son premier album, Place & Time, avec la participation de Jason Lindner, Ben Street, Jeff Ballard et Avishai Cohen, est sorti en 2005 chez Anzic Records. Son dernier album, Luminosa, avec la participation de Jason Lindner, Joe Martin, Daniel Freedman et d’autres invités, est sorti en 2015, également chez Anzic Records.
Anat Cohen se produit régulièrement et a participé à de nombreux festivals de jazz prestigieux. En 2007, elle a remporté les prix « Révélation de l’année » et « Clarinettiste de l’année » décernés par la Jazz Journalists Association. Elle a également été élue Clarinettiste de l’année de 2008 à 2011. De 2012 à 2015, elle a été nommée « Multi-instrumentiste à vent de l’année » par la Jazz Journalists Association. Elle a reçu de nombreux prix Down Beat dans différentes catégories, notamment la première place dans la catégorie « Révélation » pour les saxophones ténor et soprano et la clarinette. Le 12 juillet 2013, elle a reçu le prix Paul Acket du North Sea Jazz Festival Rotterdam, remis par la Fondation BNP.
6 Mumurando, Anat Cohen and Trio Brasileiro, album (Alegria da Casa, 2016.

Sofia Rei, 1976, Mezzo-soprano argentine basée à New York, elle est une figure de proue du jazz expérimental. Collaboratrice de John Zorn et Bobby McFerrin, elle utilise l’électronique pour triturer les formes folkloriques d’Amérique du Sud (Argentine, Pérou, Colombie). Elle est également une pédagogue influente au Berklee College of Music.
Elle explore les frontières du folklore sud-américain (chacarera, zamba argentine, rythmes andins) à travers des boucles, des sonorités électroniques et une technique vocale jazz impeccable. Ses collaborations témoignent de son engagement envers l’avant-garde. Elle fait le lien entre le jazz new-yorkais et le cœur profond des Andes.
Sofia Eugenia Koutsovitis, connue sous le nom de Sofia Rei, est une chanteuse, compositrice, productrice et pédagogue argentine. Mezzo-soprano de formation classique, elle puise son inspiration dans les musiques folkloriques sud-américaines, le jazz, la pop, la musique classique contemporaine et la musique électronique. Chantant en espagnol, en anglais et en portugais, sa voix a été décrite par le Boston Globe comme possédant « une voix ample et voluptueuse, une maîtrise parfaite des rythmes latino-américains et une connaissance encyclopédique des formes folkloriques d’Argentine, du Pérou, de Colombie et d’Uruguay ». Née et élevée à Buenos Aires, elle réside à New York depuis 2005.
Deux de ses albums ont remporté l’Independent Music Award du meilleur album dans la catégorie World Beat. Elle a collaboré avec John Zorn, Bobby McFerrin, Marc Ribot et Maria Schneider.
Elle est cofondatrice d’El Colectivo Sur, un collectif artistique new-yorkais qui vise à promouvoir la musique sud-américaine et à rassembler des communautés diverses. Elle organise son programme phare, le New York City South American Music Festival. Elle enseigne aux Global Initiatives du Berklee College of Music, y compris le programme itinérant Berklee Latino dirigé par Oscar Stagnaro et Javier Limón.
7 La Llorona, Sofia Rei, album De Tierra y Oro, 2011.

Clarice Assad, 1978, Compositrice nommée aux Grammy Awards, pianiste et chanteuse, Clarice Assad est une force créative sans frontières. Elle mêle classique, jazz et world music avec une inventivité fascinante. Au-delà de ses 70 compositions pour des institutions comme le Carnegie Hall, elle s’engage socialement à travers son programme pédagogique VOXploration, qui explore la voix et l’improvisation. Polyglotte et polyvalente, elle collabore avec des artistes de tous horizons (Bobby McFerrin, Yo-Yo Ma), utilisant la musique comme un outil de connexion humaine et de justice sociale, tout en restant l’une des voix les plus originales du Brésil contemporain.
Fille de Sergio Assad (des célèbres Frères Assad), elle est une pianiste, arrangeuse et compositrice au talent exceptionnel. Sa spécialité est la musique classique contemporaine. Elle peut diriger un orchestre symphonique puis se lancer dans un jazz brésilien endiablé.
Clarice Assad, née Clarice Vasconcelos da Cunha Assad Simão (née le 9 février 1978 à Rio de Janeiro), est une chanteuse, compositrice, orchestratrice et arrangeuse brésilienne-américaine.
Influencée par la culture populaire brésilienne, le romantisme, les musiques du monde et le jazz, elle est l’une des compositrices brésiliennes les plus jouées de sa génération. Elle est issue d’une famille de musiciens : son père, le guitariste Sergio Assad, son oncle, le guitariste Odair Assad, et sa tante, l’auteure-compositrice-interprète Badi Assad.
Clarice Assad se produit professionnellement depuis l’âge de sept ans. Elle est titulaire d’une licence de musique du Chicago Musical College et d’un master de composition de l’Université du Michigan. Elle a été nommée aux Latin Grammy Awards en 2009.
8 Nada Será Como Antes, Clarice Assad, album Window to the World, 2022.

Anne Paceo, 1984, Batteuse et compositrice française, Anne Paceo a grandi en Côte d’Ivoire, ce qui a forgé son approche organique et chantante du rythme. Triple lauréate des Victoires du Jazz, elle dirige des groupes aux noms évocateurs (Circles, Bright Shadows). Sa batterie ne se contente pas de marquer le temps ; elle raconte des histoires, fusionnant jazz, pop et musiques du monde dans une esthétique lumineuse et sans frontières.
Bien que son style soit un amalgame de nombreuses influences, cette batteuse française a exploré des rythmes du monde entier et collaboré avec des musiciens qui intègrent la syncope latine et africaine au jazz français contemporain.
En 1994, elle commence sa carrière de batteuse en France et, en 1998, elle joue avec Stéphane Kochoyan au festival Les Enfants du Jazz à Barcelonnette. Les années suivantes, elle collabore avec des artistes tels que Kenny Garrett, Ravi Coltrane et Dianne Reeves. Au début des années 2000, elle part en tournée avec différents groupes de funk, soul, jazz et rock, et en 2003, elle étudie avec Sunny Murray. À partir de 2005, elle joue dans le groupe du guitariste Christian Escoudé, participant à ses albums Catalogne et Joue Brassens : Au bois de mon cœur (2011).
À partir de 2005, Paceo étudie au Conservatoire de Paris. En 2008, elle sort son premier album avec son trio Triphase, sur le label Laborie Jazz, et se produit ensuite dans des festivals comme Jazz à Vienne et Jazzahead. En 2010, elle part en tournée avec l’European Jazz Orchestra et, en 2011, elle joue au festival Traumzeit de Duisbourg.
En 2012, Paceo a travaillé avec son propre quintette, composé d’Antonin-Tri Hoang, Pierre Perchaud, Leonardo Montana et Stéphane Kerecki, puis, à partir de 2016, avec le quartet Circles. En 2020, ce groupe comprenait Julien Lourau (saxophone ténor), Isabel Sörling (chant) et Tony Paeleman (piano) au New York Winter Fest. Depuis 2019, elle tourne principalement avec son sextet Bright Shadows. Elle a également participé à des projets tels que Myanmar Meets Europe, qui a donné lieu à l’album live Fables of Shwedagon, et avec le Norrbotten Big Band.
En 2006, elle a remporté plusieurs concours de jeunes musiciens, dont le premier prix avec son groupe Triphase lors du Festival Saint-Germain-des-Prés. En 2009, elle a reçu le Django d’Or en tant que « nouveau talent musical ». En 2011, elle a reçu le prix Les Victoires du Jazz dans la catégorie « Révélation française de l’année » (Prix Frank Ténot) ; en 2016 et 2019, elle a été « Artiste de l’année » aux Victoires du Jazz.
9 Calle Silencio, Anne Paceo, album Bright Shadows, 2019.