C’est du jazz latino 05

En 2000, il rejoint Wayne Shorter dans un quartet avec John Patitucci et Brian Blade. Depuis lors, il a beaucoup joué avec le groupe et apparaît sur les quatre enregistrements que Shorter a réalisés pendant cette période : Footprints Live ! (2002), Alegría (2003), Beyond the Sound Barrier (2005) et Without a Net (2013). L’ensemble a reçu le prix de l’Association des journalistes de jazz pour le petit ensemble de l’année à six reprises. Pérez déclare : "Wayne m’a encouragé à écrire ce que j’espère et ce que je souhaite que le monde soit."

En 2003, Pérez a fondé le Panama Jazz Festival avec la mission déclarée d’améliorer la vie des gens grâce à des expériences musicales partagées en tant qu’auditeurs, sur scène et dans les salles de classe. En 2008, le Berklee College of Music a approché Pérez avec l’opportunité de concevoir un programme qui pourrait servir de plate-forme pour son travail d’artiste et d’humanitaire qui pourrait être enseigné à des générations de musiciens doués pour les années à venir. En 2009, il a été nommé fondateur et directeur artistique du Berklee Global Jazz Institute ; un institut de musique créative avec une vision progressive pour développer l’artiste du nouveau millénaire.

Bobby Rodriguez
Né et élevé dans l’est de Los Angeles, légende latine et artiste nominé aux Grammy Awards, Bobby Rodriguez est un trompettiste, un leader dynamique, un interprète charismatique, un artiste, un compositeur/arrangeur doué, un auteur et un éducateur. Il est un conférencier et un clinicien actif qui a consacré sa vie à aider à promouvoir la musique.

Il est actuellement directeur de Latin Jazz Music et Jazz Trumpet à UCLA, UCI et Pasadena City College, directeur de Jazz Adventure et président de Hispanic Musicians Association Inc. Et Rodriguez a passé quatre ans à faire le tour du monde sur le "Love Boat".

Son jeu de trompette fougueux et sensible ainsi que sa capacité particulière à communiquer avec les étudiants et les adultes sont incroyables. Il rend l’apprentissage et la performance amusants. Il est très préoccupé par l’avenir musical des enfants et a consacré sa vie à promouvoir la forme d’art de la musique et à motiver et éduquer les jeunes musiciens.

David Sánchez (né le 9 septembre 1968 à Guaynabo, Porto Rico) est un saxophoniste de jazz portoricain avec six nominations et lauréat d’un Grammy.

Sánchez a commencé la conga à l’âge de huit ans et a commencé à jouer du saxophone ténor à l’âge de 12 ans. Ses premières influences étaient l’afro-caribéen et la danse, mais aussi le classique européen et latin. À 12 ans, Sánchez a fréquenté La Escuela Libre de Musica, qui mettait l’accent sur les études musicales formelles et les styles européens classiques et a été très impressionné par un album de Miles Davis, Basic Miles, mettant en vedette John Coltrane, ainsi que Lady in Satin, un album de 1958 de Billie Holiday avec cordes, arrangé et dirigé par Ray Ellis. Sánchez a envisagé une carrière universitaire en psychologie mais a auditionné à l’Université Berklee et Rutgers. Il a choisi Rutgers parce qu’il a obtenu une meilleure bourse et qu’il était près de New York, ce qui était son objectif. Pendant son séjour à Rutgers, Sánchez a étudié avec Kenny Barron, Ted Dunbar et John Purcell.

Il a rejoint l’Orchestre des Nations Unies de Dizzy Gillespie en 1990 et Dizzy est devenu le mentor de Sánchez. Le groupe de Dizzy a visité 27 pays et 100 villes américaines dans 31 États, et a également vu d’autres musiciens notables (Flora Purim, par exemple). Après l’Orchestre des Nations Unies, Sanchez a continué à jouer avec Dizzy jusqu’à la mort de Dizzy en 1993, principalement dans le Trio de Dizzy avec Mike Longo. Depuis lors, il a tourné avec le Philip Morris Super Band, enregistré avec Slide Hampton et ses Jazz Masters, Charlie Sepulveda, Roy Hargrove, Kenny Drew, Jr., Ryan Kisor, Danilo Perez, Rachel Z et Hilton Ruiz, et a dirigé ses propres sessions pour Columbia Records.

Après avoir rejoint Columbia Records, Sanchez a sorti sept albums. En 2005, Sanchez a remporté le Grammy Award du meilleur album de grand ensemble de jazz pour Coral. Enregistré en République tchèque avec l’Orchestre philharmonique de la ville de Prague, Coral comprend un sextuor composé du saxophoniste alto Miguel Zenón, du pianiste Edsel Gomez, des bassistes John Benitez et Ben Street, du batteur Adam Cruz et du percussionniste Pernell Saturnino.

Jesús Valdés Rodríguez, mieux connu sous le nom de Chucho Valdés (né le 9 octobre 1941), est un pianiste, chef d’orchestre, compositeur et arrangeur cubain dont la carrière s’étend sur plus de 50 ans. Membre originel de l’Orquesta Cubana de Música Moderna, il fonde en 1973 le groupe Irakere, l’un des groupes de jazz latin les plus connus de Cuba. Son père, Bebo Valdés, et son fils, Chuchito, sont également pianistes. Marié à Lorena Salcedo depuis 2009. En tant qu’artiste solo, il a remporté sept Grammy Awards et quatre Latin Grammy Awards.

Les premières sessions enregistrées de Chucho Valdés en tant que leader ont eu lieu fin janvier 1964 dans les studios Areíto de La Havane (anciens studios Panart) appartenant au nouveau EGREM. Ces premières sessions comprenaient Paquito D’Rivera au saxophone alto et clarinette, Alberto Giral au trombone, Julio Vento à la flûte, Carlos Emilio Morales à la guitare, Kike Hernández à la contrebasse, Emilio del Monte à la batterie et Oscar Valdés Jr. aux congas. Tout au long des années 1960 et 1970, ce seraient les membres de son combo de jazz, dont la composition changeait souvent, comprenant parfois les bassistes Cachaíto et plus tard Carlos del Puerto, et les batteurs Guillermo Barreto et plus tard Enrique Plá.

En 1967, Chucho et ses compagnons de groupe sont devenus membres fondateurs de l’Orquesta Cubana de Música Moderna, avec de nombreux autres musiciens cubains bien connus. Ce big band all-star soutiendrait des chanteurs comme Elena Burke et Omara Portuondo. En 1973, Chucho et d’autres membres de l’OCMM fondent Irakere, un ensemble qui fait le pont entre le songo et le jazz afro-cubain. Il continuerait simultanément sa carrière solo, signant finalement avec Blue Note Records, ce qui lui a permis d’obtenir une exposition internationale. En conséquence, le travail de Chucho a été acclamé par la critique universelle des médias, remportant sept prix Grammy.

Le père de Chucho, Bebo, qui a atteint un statut légendaire en tant que pianiste et directeur de l’orchestre du Tropicana Club et de l’Orquesta Sabor de Cuba, a fui Cuba en 1960 et n’a plus enregistré de musique avant les années 1990. À la fin des années 1990, Chucho décide de se concentrer sur sa carrière solo et son fils Chuchito le remplace en tant que pianiste/directeur d’Irakere. Chucho et Bebo ont parfois joué ensemble jusqu’à la mort de ce dernier en 2013. Depuis 2010, Chucho se produit avec un groupe d’accompagnement connu sous le nom de Afro-Cuban Messengers.

Chucho a passé une grande partie de son temps à enseigner aux jeunes générations, soit dans son pays natal de Cuba à l’Ecole Nationale de La Havane (avec de nombreux musiciens célèbres comme Herbie Hancock), soit ailleurs.

Charles Edward Haden (6 août 1937 - 11 juillet 2014) était un contrebassiste de jazz américain, chef d’orchestre, compositeur et éducateur dont la carrière a duré plus de 50 ans. À la fin des années 1950, il était l’un des membres fondateurs du révolutionnaire Ornette Coleman Quartet.

Haden a révolutionné le concept harmonique du jeu de basse dans le jazz, il a cultivé la gravité de l’instrument comme personne d’autre dans le jazz, il est un maître de la simplicité, ce qui est l’une des choses les plus difficiles à réaliser. Sa nouvelle approche, faisant évoluer une façon de jouer qui parfois complétait le soliste et parfois se déplaçait de manière indépendante. À cet égard, tout comme ses prédécesseurs les bassistes Jimmy Blanton et Charles Mingus, Haden a aidé à libérer le bassiste d’un rôle strictement d’accompagnement pour devenir un participant plus direct à l’improvisation de groupe. En 1969, il forme son premier groupe, le Liberation Music Orchestra, avec des arrangements de la pianiste Carla Bley. Dans les années 1980, il forme son groupe, Quartet West. Haden a également souvent enregistré et joué en duo, avec des musiciens dont le guitariste Pat Metheny et le pianiste Hank Jones.

Né à Shenandoah, Iowa. Sa famille était exceptionnellement musicale et se produisait à la radio sous le nom de Haden Family. À l’âge de 14 ans, Haden s’est intéressé au jazz après avoir entendu Charlie Parker et Stan Kenton en concert. Une fois qu’il s’est remis de son combat contre la polio, il a commencé sérieusement à se concentrer sur le jeu de la basse.

En 1957, il fréquente le Westlake College of Music à Los Angeles. Ses premiers enregistrements sont réalisés cette année-là avec Paul Bley, Art Pepper et Hampton Hawes. En mai 1959, il enregistre son premier album avec le Ornette Coleman Quartet, le séminal The Shape of Jazz to Come. Plus tard cette année-là, le Quatuor a déménagé à New York, les débuts de leur jazz unique, libre et avant-gardiste. En 1960, des problèmes de drogue le poussent à quitter le groupe de Coleman. Il est allé en réadaptation autonome en septembre 1963 dans les maisons Synanon de Santa Monica et de San Francisco, Californie. C’est à l’époque où il était à Synanon House qu’il a rencontré sa première femme, Ellen David. Ils ont déménagé dans l’Upper West Side de New York où leurs quatre enfants sont nés : leur fils, Josh, en 1968, et en 1971, leurs filles triplées Petra, Rachel et Tanya. Ils se sont séparés en 1975 et ont ensuite divorcé.

Haden a repris sa carrière en 1964, travaillant avec John Handy et Denny Zeitlin’s Trio, avec Archie Shepp. Il a également travaillé à la pige de 1966 à 1967. Il enregistre avec Roswell Rudd en 1966, et retourne dans le groupe de Coleman en 1967. Haden est devenu membre du Keith Jarrett Trio et de son American Quartet de 1967 à 1976 avec le batteur Paul Motian et le saxophoniste Dewey Redman. En 1970, Haden a reçu une bourse Guggenheim pour la composition musicale sur la recommandation de l’éminent chef d’orchestre Leonard Bernstein. Haden a fondé son premier groupe, le Liberation Music Orchestra, LMO, en 1969, en collaboration avec Carla Bley. Leur musique était très expérimentale, explorant à la fois les domaines du free jazz et de la musique politique. Le premier album se concentrait spécifiquement sur la musique de la guerre civile espagnole qui avait fortement inspiré Haden. Également inspiré par la turbulente Convention nationale démocrate de 1968 à Chicago.

En 1971, alors qu’il était en tournée avec le Quatuor Ornette Coleman au Portugal (à l’époque sous une dictature fasciste), Haden dédia une interprétation aux révolutionnaires anticolonialistes des colonies portugaises du Mozambique, de l’Angola et de la Guinée. Le lendemain, il a été détenu à l’aéroport de Lisbonne, emprisonné et interrogé par la DGS, la police secrète portugaise. Il n’a été libéré qu’après qu’Ornette Coleman et d’autres se soient plaints à l’attaché culturel américain, et il a ensuite été interrogé aux États-Unis par le FBI sur son choix de dévouement.

Haden a décidé de former l’OMT au plus fort de la guerre du Vietnam, par frustration qu’une si grande partie de l’énergie du gouvernement ait été dépensée pour la guerre, alors que tant de problèmes internes aux États-Unis, ont été négligés. L’album de 1982 du LMO, The Ballad of the Fallen, a de nouveau commenté la guerre civile espagnole ainsi que l’implication des États-Unis en Amérique latine. En 1990, l’orchestre revient avec Dream Keeper, inspiré d’un poème de Langston Hughes, pour commenter le racisme aux États-Unis et l’apartheid en Afrique du Sud. En 2005, Haden a sorti le quatrième album du Liberation Music Orchestra, Not in Our Name, une protestation contre l’invasion et l’occupation américaines de l’Irak.

En 1982, Haden a créé le programme d’études de jazz au California Institute of the Arts de Valence, Santa Clarita. Haden a été honoré par la Los Angeles Jazz Society en tant que "Jazz Educator of the Year" pour son travail éducatif dans ce programme. En 1984, Haden rencontre la chanteuse et actrice Ruth Cameron. Ils se sont mariés à New York et tout au long de leur mariage, Ruth a géré la carrière de Haden et a coproduit de nombreux albums et projets avec lui.

En 2001, Haden a remporté le Latin Grammy Award du meilleur CD de jazz latin pour son album Nocturne qui contient des boléros de Cuba et du Mexique. En 2003, il a remporté le Latin Grammy Award de la meilleure performance de jazz latin pour son album Land of the Sun. Haden a réuni à nouveau le Liberation Music Orchestra en 2005, avec en grande partie de nouveaux membres, pour l’album Not In Our Name. L’album traitait principalement de la situation politique contemporaine aux États-Unis.

En 2008, Haden a coproduit, avec sa femme Ruth Cameron, l’album Charlie Haden Family and Friends : Rambling Boy. En 2009, le réalisateur suisse Reto Caduff a sorti un film sur la vie de Haden, intitulé Rambling Boy. Il a été projeté au Telluride Film Festival et au Vancouver International Film Festival en 2009.

En 2012, Haden a été récipiendaire du NEA Prix ​​des maîtres de jazz. En 2013, Haden a reçu le Grammy Lifetime Achievement Award. En 2014, Haden a été décoré Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres par le ministère français de la Culture. Haden est décédé à Los Angeles le 11 juillet 2014, à l’âge de 76 ans. Une cérémonie posthume en son honneur a eu lieu au French Cultural Services en janvier 2015, à New York, où sa femme Ruth a reçu la médaille.

Comme on peut le voir, chacune de ces biographies se développe dans le cadre de l’horizon esthétique dans lequel elles se forment et qu’elles contribuent à former et à entretenir : l’art de la musique, spécifiquement le jazz latino ; la beauté qu’ils créent avec leurs compositions et leurs performances ; la philosophie contenue dans la réflexion que le genre a suscitée, sur l’identité et le fait d’être latino, la migration, le colonialisme, la libération, le post-colonialisme, le multiculturalisme, les textes dédiés nettement au jazz latino, etc. ; eux-mêmes, leurs pairs, leurs modèles, constituent des modes de vie exemplaires qui s’inscrivent dans une tradition, une tradition qui n’exclut pas des innovations et des changements constants.

Les difficultés que cet horizon peut avoir à se maintenir se situent dans le contexte socioculturel. Les pays d’Amérique latine et des Caraïbes, en raison de leur instabilité politique et économique, ont généré une diaspora considérable, y compris celle de leurs musiciens, critiques et publics. Il est heureux, en ce sens, que ce genre musical se soit mondialisé, si bien que ses interprètes trouvent souvent refuge dans d’autres horizons.

Dans un contexte où la lutte pour la survie est fondamentale, la satisfaction des besoins élémentaires d’éducation, de nourriture, de médecine, de transport, de loisirs, etc., remet en question la différence entre l’art et le non-art, le beau et la laideur, et donc l’existence d’un horizon esthétique. Un contexte où ces besoins sont couverts est différent, et, s’il y a confusions en ce sens, art-pas art, beauté-laideur, c’est plutôt à cause de l’élargissement du champ de l’art, à l’artification-désartification constante des œuvres, des techniques, des événements.

Il arrive aussi que cet horizon soit détruit ou entravé par l’hypertrophie d’un autre élément du social : le religieux, l’ethnique, le politique, l’idéologique, le techno-scientifique, l’économique, le narcotique, qui fait que le monde de l’art, l’éducation elle-même, soit perçue par les personnes démunies, compulsivement démunies, comme quelque chose de superflu, un luxe. Dans ces contextes, il n’y a pas de place pour les modèles de vie exemplaire, l’admiration qu’ils provoquent et le lien esthétique qu’ils génèrent. Le public, sans le stimulant de l’éducation esthétique, finit par reproduire les dogmes, l’intégrisme, le chauvinisme ou le crime organisé. Dans ces contextes, les divergences de jugement ne se règlent pas par le débat ou la discussion, mais par les armes, l’asservissement, la disparition, l’exil.

Pourtant, lorsque ces quatre éléments de l’horizon esthétique établissent un pacte contraignant, comme dans l’Europe du XVIIIe siècle, la relation entre eux est toujours agonique, non irénique, elle se caractérise par une dispute permanente qui génère des tableaux en constante recomposition. Mais ce dynamisme, ces conflits ne sont pas essentialisés ou individualisés, car les liens entre les parties sont plus importants que les particularités, la dispute ne perd pas, en général, son caractère symbolique ; les parties n’ont pas l’intention de gagner, de vaincre et éliminer l’autre mais de persuader, les relations entre elles sont plus importantes que leurs particularités.

Or, ce caractère à dominante symbolique s’éloigne à la fois de l’effectivité du monde réel et de l’impossibilité du monde idéal, il occupe un espace intermédiaire. Cela ne veut pas dire qu’il ignore l’efficacité et l’idéal, il ne fait qu’assumer des idéaux qui veulent et peuvent devenir réalité et ne se contente pas d’une réalité sans splendeur.

En revanche, l’horizon esthétique, comme la démocratie, n’est pas acquis une fois pour toutes, ses composantes peuvent s’égarer : le beau peut être absorbé par l’hédonisme et la vanité ; l’art est fortement poussé à devenir un pur business dans la société contemporaine ; l’approche philosophique de l’art, de la beauté et de l’échange symbolique peut être ancrée dans le scientisme et l’érudition ; les modes de vie exemplaires risquent de devenir de simples looks.

L’horizon esthétique se nourrit de l’opposition, du rapport agonique entre ses parties (qui n’exclut pas la reconnaissance et l’admiration, au contraire), tant que ce rapport n’est pas pénétré d’intégrisme, d’autoritarisme, de dogmes, de contraintes identitaires. Ses ennemis aujourd’hui sont plutôt dans la dissolution de l’irénisme, dans l’inertie du consumérisme, dans la montée du marché comme seule instance de légitimation.

Face à ces ennemis, les parties doivent établir un pacte au-dessus de la pluralité et des querelles, un pacte marqué par la recherche de la perfection, d’une grandeur évaluée par la concurrence, les épreuves et le défi.