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Biennale de Venise

Dominique Moulon — 2026-05-31T10:13:53Z

Le propos apaisant de la commissaire suisso-camerounaise Koyo Kouoh de la 61ᵉ Biennale de Venise, décédée l'an dernier, a été porté par son équipe jusqu'à l'ouverture qui a été troublée par le contexte géopolitique international. Le jury ayant démissionné avant même l'inauguration, la remise des traditionnels Lions d'or a été reportée, et un prix du public a été créé.

Dans les Giardini

S'il est un pavillon national qui a marqué les esprits durant les journées professionnelles, avant que vingt-cinq d'entre eux ne ferment temporairement leurs portes en signe de protestation contre le maintien des pavillons russe et israélien, c'est bien celui de l'Autriche avec la performeuse Florentina Holzinger qui en chorégraphie d'autres. Le nu est de rigueur, comme c'est souvent le cas en art, et la radicalité des performances convoque l'actionnisme viennois du siècle dernier bien que le monde ait bien changé. A l'entrée du pavillon, le battant d'une cloche suspendue est incarné par une performeuse qui violemment sonne le glas avec son corps. Le titre de l'exposition, Seaworld, souligne notre totale dépendance à l'élément liquide. Ainsi l'urine recyclée du public participe à alimenter un cube de verre évoquant l'escapologie car une autre performeuse, équipée d'un détendeur, y est en immersion. Alors qu'une autre fait des tours de scooter des mers à l'intérieur d'une pièce inondée. De telles extravagances – libres d'interprétation bien qu'orientées par le lieu car Venise est réputée pour ses inondations entre autres excès – sont abondamment relayées sur les médias sociaux où le spectacle est permanent.

Florentina Holzinger, Seaworld Venice, 2026

Les murs du pavillon espagnol ont été confiés à Oriol Vilanova qui les a entièrement recouverts de cartes postales. Celui-ci les collectionne de manière compulsive, fréquentant assidûment les marchés aux puces de Barcelone à Bruxelles. Et c'est de façon tout aussi obsessionnelle qu'il les a accrochés en grille, un dispositif de monstration bien connu en art contemporain. Los restos, l'intitulé du pavillon, est teinté d'une forme de nostalgie des cultures populaires longtemps portées par ces objets touristiques « du monde d'avant » par excellence. Le dispositif d'accrochage est intéressant car les cartes postales sont rassemblées par sujet mais aussi par couleur. Comme s'il s'agissait de les traiter globalement en mosaïque sans pour autant que les vues indépendantes ne soient occultées pour qui s'en approche. Il s'agit par conséquent d'une installation aussi conceptuelle qu'immersive dont l'appréhension dépend de la distance d'observation.

Oriol Vilanova, Los restos, 2026

L'artiste australien né au Liban Khaled Sabsabi établit quant à lui un lien entre les Giardini et l'Arsenal en présentant deux installations monumentales : Conference of one's self au pavillon australien et khalil dans l'exposition In Minor Keys de Koyo Kouoh à la Corderie. La première est octogonale et s'expérimente de l'extérieur alors que la seconde est circulaire et se vit de l'intérieur. Leurs parois présentées dans une relative pénombre ont en commun d'avoir été peintes avant d'être augmentées d'images en mouvement projetées, si tant est que les deux textures s'entremêlent. Dans l'un comme dans l'autre lieu, nous sommes encouragés au dialogue et à la sérénité. Ainsi dès l'entrée, le pavillon australien est décrit tel un « lieu dédié à la créativité, à la réflexion et aux échanges » tandis qu'au seuil de l'exposition internationale Koyo Kouoh s'adresse à nous ainsi : « Respirez profondément, expirez, relâchez vos épaules, fermez les yeux ».

A l'arsenal

Khaled Sabsabi, Conference of one's self, 2026

Si les pavillons historiques sont rassemblés au sein des Giardini, d'autres plus récents sont installés à l'Arsenal. À l'instar de celui du Chili où il convient de se déchausser pour pénétrer dans la zone quelque peu aseptisée de l'installation Inter-Reality aux multiples éléments. Au centre, une structure polygonale blanche d'allure minimale intrigue le public, alors que la sculpture tout à fait réaliste d'un homme en observant l'intérieur au travers d'un œilleton l'incite à en faire de même. Nous y découvrons le diorama d'un paysage d'apparence bucolique jusqu'à ce que l'on identifie des véhicules militaires. Cette exposition personnelle de Norton Maza en dit long sur les interactions permanentes entre les réalités et fictions de nos environnements médiatiques. Ici, le conteneur ne dit rien du contenu qu'il recèle alors que la représentation tridimensionnelle d'un paysage vraisemblable pourrait tout aussi bien être le théâtre d'une manipulation. On pense inévitablement aux images de conflits dont les gouvernements de pays en guerre nous abreuvent pour orienter nos opinions. Les guerres aujourd'hui se jouent sur tous les fronts et jusque dans l'art.

Norton Maza, Inter-Reality, 2026

Alfredo Jaar, The End of the World, 2023-2024

Ce ne sont pas directement les guerres que considère Alfredo Jaar avec son installation The End of the World présentée dans l'exposition In Minor Keys de l'Arsenal, mais plutôt ce qui bien souvent les cause, à savoir les minerais que se disputent entreprises et États. Il en a sélectionné une dizaine (cobalt, coltan, cuivre, étain, germanium, lithium, manganèse, nickel, platine et terres rares) qu'il documente à l'entrée de l'espace monumental de l'œuvre. Le lieu est littéralement irradié d'une lumière rouge semblable à celle d'une chambre noire, espace de révélation d'hier, sachant que l'artiste chilien a aussi pratiqué la photographie. Tout au fond du décor monochrome qui confère une atmosphère si particulière à cette œuvre environnementale, un petit cube est présenté comme on le fait ordinairement dans les musées. Celui-ci contient les dix matières premières critiques qui y sont assemblées par couches. Certaines d'entre elles étant aussi présentes sur la lune, notre satellite devient le lieu de convoitises en devenir.

Eric Baudelaire, Death Passed My Way and Stuck This Flower in My Mouth, 2026

Autre installation monumentale, tant par le nombre de projections vidéo – cinq alignées en arc de cercle – que par la taille : Death Passed My Way and Stuck This Flower in My Mouth d'Eric Baudelaire, inspirée par la pièce L'Homme à la fleur dans la bouche de Luigi Pirandello. La scène se déroule dans l'immense marché aux fleurs d'Aalsmeer aux Pays-Bas où humains et robots s'accordent dans la gestion mécanisée d‘un vivant périssable. La perfection du ballet mis en place est en totale opposition avec l'aspect éphémère des fleurs coupée. Et que penser du bilan carbone d'une telle entreprise d'un transport globalisé de pétales diversement colorés. Quant aux ouvrières et ouvriers, on les devine tout aussi savamment orchestrés que le sont les chariots autonomes par un système informatique pensé autour d'une unique notion : la productivité. Une organisation qui est en parfaite résonance avec celle de la Biennale de Venise qui a dû acheminer les nombreuses œuvres pour les présenter quelques mois avant de les renvoyer à leurs multiples destinations.

De collections en palais

La Biennale de Venise, c'est aussi l'occasion de visiter les institutions publiques ou privées comme la Collection Pinault qui présente l'exposition monographique Third Person de Lorna Simpson s'inscrivant dans la continuité de celle du Metropolitan Museum of Art de New York l'an dernier. Oscillant entre le photographique et le pictural, l'artiste américaine s'inspire de la culture afro-américaine que les magazines Ebony ou Jet ont archivé par l'image au fil des décennies. C'est ainsi que, dans la boucle vidéo Walk with me, trois visages étrangement recomposés de femmes afro-américaines cohabitent tout en fleurtant avec l'idée d'hybridation. Un collage qui aujourd'hui constitue un acte de résistance par le faire quant à l'immédiateté comme à la perfection des services d'intelligence artificielle générative. Précisons que sa projection, à même l'un des murs de brique de la Punta della Dogana, lui confère une nouvelle matérialité. L'image gagne à la fois en complexité et en texture, deux notions qui sont centrales à l'esthétique de Lorna Simpson.

Lorna Simpson, Walk with me, 2020

Le Palazzo Franchetti compte parmi les palais vénitiens à ne pas manquer. Parmi les expositions qui y sont présentées, Rage Bait d'Eva & Franco Mattes est organisée par la Fondation Autotelic. Actif depuis le milieu des années 1990, le duo n'a de cesse de scruter l'internet pour y extraire des idées et des formes afin de les magnifier en centre d'art ou galerie. Aussi, rien de surprenant à ce que la figure du LOL cat revienne fréquemment dans leur travail. Comme c'est le cas avec les sculptures en situation de Cursed Cat qui ponctuent le parcours de l'exposition. A l'origine de cette série : la photographie Getty Images de 2008 documentant une fusillade avec au premier plan un chat noir qui, selon la superstition, porte malheur. Modifié numériquement dans sa posture, le félin réapparait une dizaine d'années plus tard pour enfin devenir un mème en Russie, puis à l'international. C'en est ainsi de l'internet – plus encore dans sa version sociale – et de l'art qui opèrent tel des amplificateurs de phénomènes sociétaux. C'est aussi vrai pour cette 61ᵉ Biennale de Venise, plus politique que jamais.

Eva & Franco Mattes, Cursed Cat, 2025

Biennale de Venise : https://www.labiennale.org
Seaworld Venice : https://www.seaworldvenice.at
Khaled Sabsabi : https://khaledsabsabi.com
Norton Maza : https://www.nortonmaza.com
Alfredo Jaar : https://alfredojaar.net
Éric Baudelaire : https://baudelaire.net
Collection Pinault : https://www.pinaultcollection.com
Lorna Simpson : https://lsimpsonstudio.com
Autotelic Foundation : https://autotelic-foundation.org
Eva & Franco Mattes : https://0100101110101101.org

D'œuvres en Fondation

Dominique Moulon — 2024-06-02T08:31:16Z

C'est dans le cadre de la Biennale de Venise que Bernar Venet présente des œuvres historiques à la Biblioteca Nazionale Marciana. Dans le même temps, sa fondation du Muy, dans le Var, rouvre au public à l'occasion de son dixième anniversaire pour une nouvelle saison estivale, entre autres actualités à Saint-Denis, Arles, en Turquie et Chine.

C'est avec une œuvre conceptuelle que l'exposition Bernar Venet – 1961... Looking Forward de la Biblioteca Nazionale Marciana commence. Datant de 1961 et intitulée Gravier Goudron, cette installation sonore est composée d'une brouette et du magnétophone avec lequel l'artiste a enregistré le son de la roue au contact des granulats semblables à ceux de cette performance reconstituée. Pas véritablement musical, le son n'a pas non plus été composé. Bernar Venet l'a anticipé en acceptant le résultat granulaire qui a échappé à son contrôle. Jusqu'à présent, l'essentiel de son œuvre a consisté à déplacer les lignes entre détermination et indétermination. Il en est ainsi pour le Tas de charbon qu'il a aussi reconstitué à Venise dans une taille différente de celle de l'original de 1963, eu égard à la fragilité des œuvres environnantes du Titien, de Tintoret ou de Véronèse. A chaque réactivation de ce qu'il convient encore de qualifier de performance, l'œuvre se métamorphose selon la configuration des lieux. On pourrait donc aussi la considérer générative tant elle s'émancipe des règles préétablies par l'artiste. Ajoutons que la rugosité du charbon rompt avec la tendance minimaliste de l'art avec laquelle il a tant dialogué.

Bernar Venet, Installation aléatoire de points, 2013

acier oxycoupé, dimensions variables.

Bernar Venet, 6 Arcs : Perception Intérieur / Extérieur, 2023

acier corten, dimensions variables.

Ce qui saisit immédiatement dans les gigantesques parcs de sa Fondation, au Muy, dans le Var, c'est la monumentalité de ses œuvres. Tout comme celle des sculptures de ses amis, car l'artiste est aussi collectionneur. On y découvre ses créations en acier Corten que la rouille permet de dater, orange pour les plus récentes, plus sombres pour les plus anciennes. Elles sont issues de différentes séries : Points, Lignes, Lignes indéterminées, Angles, Arcs et Effondrements.

Bernar Venet a une relation des plus physique avec les matériaux de ses œuvres dont les titres sont strictement descriptifs, entre mathématique et géométrie, littéralement algorithmique. Les Points ont l'allure de sections de colonnes dont l'érosion aurait altéré les cannelures évoquant des troncs d'arbres qui, pétrifiés, seraient là pour l'éternité. Les Lignes qui s'élancent vers le ciel nous apparaissent d'une légèreté pourtant incompatible avec le matériau qui les compose. Quant aux Lignes Indéterminées, elles résultent de combats que l'artiste a menés avec elles à haute température en aciérie. Et il y a les Arcs ou les Angles qui sont posés ici et là, en groupe, comme autant de collaborations avec les lois de la physique dont la gravité est la principale alliée. Nombre de ces installations se terminent en Effondrements, quand l'artiste, usant d'engins de chantier, en fait basculer une composante pour que les autres, en cascade, réorganisent l'ensemble. L'aléatoire devient alors la règle qui prime sur le contrôle de l'artiste, premier spectateur de telles sculptures se réalisant à grand fracas dans l'extrême violence d'un instant qui fait immédiatement place à la contemplation.

Bernar Venet, 5 Lignes indéterminées, 2009-2015

acier roulé, 2,60 x 2,55 x 2,55 m.

Bernar Venet, Désordre vertical : 20 Arcs, 2018

acier corten, dimensions variables.

Cette année, c'est Jérôme Sans qui propose une exposition monographique au sein de l'espace de la galerie de la fondation. Il se souvient avoir été hébergé à New York par Bernar Venet tout comme ce dernier l'avait été auparavant par Arman dès son arrivée aux États-Unis. Le commissaire a choisi l'artiste Stefan Brüggemann dont l'exposition Inside Out est annoncée par une porte miroitante dès l'arrivée dans un des parcs de sculptures. Il s'agit d'une entrée qui s'ouvre sur l'espace extérieur au sein duquel elle est présentée. Au-delà de cette incongruité, l'extrême perfection de son revêtement en miroir l'intègre parfaitement à l'environnement qu'elle reflète si magnifiquement. Elle convoque ainsi le surréalisme dont la Belgique fête le centième anniversaire, un pays qui a su accueillir l'Arc Majeur, sur l'autoroute E411, l'une des œuvres emblématiques de Bernar Venet. Et force est de reconnaître que s'il est un sentiment qui l'emporte au Muy, c'est celui de l'étonnement face à tant créations qui, chacune, s'émancipe diversement du réel.

Stefan Brüggemann, Outdoor, 2016

acier inoxidable, 235 x 240 x 25 cm, courtoisie de l'artiste et Hauser & Wirth.

Bernar Venet, Diffémorphisme, 2022

acrylique sur toile, 236 x 190 cm.

Il y a aussi l'usine où l'œuvre de Bernar Venet se poursuit, sans omettre les appartements qui ordinairement ne se visitent pas, mais où les pièces du maître de maison côtoient celles d'artistes majeurs des XX^e et XXI^e siècles. Cela permet de comprendre très précisément où Bernar Venet se situe artistiquement. C'est dans ce contexte que l'on découvre quelques créations récentes, parmi lesquelles des pièces de la série Difféomorphisme récemment présentée à la galerie Perrotin de Paris. Il s'agit de textes scientifiques portant sur des déformations de topologies qui, appliquées numériquement à ces mêmes textes, en complexifient davantage la lecture. Ces théories portent en elles les déformations dont l'artiste, littéralement, libère les énergies contenues. La mathématique omniprésente dans le travail de Bernar Venet est ici sous-jacente, tant aux théories qu'expriment les textes qu'aux algorithmes qui les déforment.

Enfin, il y a les peintures génératives de la série Event sur laquelle l'artiste travaille actuellement. Elle s'inscrit dans la continuité des Angles et Effondrements. Bernar Venet en a déterminé les règles qui ont par la suite été codées sous la forme de scripts inscrits dans la blockchain. Il pratique ici le lâcher prise, plus encore qu'il ne l'a jamais fait puisque l'activation des algorithmes se fait sans sa participation. C'est-à-dire que les compositions sont strictement computationnelles, jusqu'à la détermination des couleurs ou textures procédurales qui convoquent la granularité de ses dessins au pastel gras.

À suivre : une vente NFT est prévue avec Sotheby's, entre autres événements à venir.

Bernar Venet, Série EVENT, 2024

création générative, impression numérique, dimensions variables.

Image d'ouverture : Bernar Venet, Brouette et magnétophone utilisés pour la composition, Gravier, Goudron, 1961.

Biennale de Venise : https://www.labiennale.org
Bernar Venet Studio : https://www.bernarvenet.com
Venet Foundation : https://www.venetfoundation.org
Galerie Perrotin : https://www.perrotin.com

Laure Molina

Laure Molina — 2024-06-02T08:25:24Z

Laure Molina a présenté trois performances lors du vernissage de la Biennale de Venise 2024, consistant à iriser plusieurs canaux par la libération de pigments naturels et de composés chimiques sans aucun danger pour la biodiversité et l'environnement. L'artiste s'inspire de l'acte du pionnier environnemental Nicolas Garcia Uriburu, qui avait coloré le Grand Canal en vert en 1968.

Pour dénoncer la pollution, Laure Molina multiplie, modernise et revisite l'activisme écologique en posant la question : où en est l'écologie depuis le geste marquant d'Uriburu, et comment percevons-nous son évolution ?

Revendications

Laure Molina est avant tout une artiste engagée luttant contre les guerres, de plus en plus fréquentes dans le monde actuel, mais également pour davantage de rapidité quant aux prises de décisions gouvernementales portant sur l'écologie et le développement durable. De par son origine paternelle (pied-noir espagnol), Laure Molina a également un fort attachement à la défense des minorités au travers de son art. C'est donc tout naturellement que, lors de ses différentes performances artistiques, elle porte un message fort au public vénitien et à tous les internationaux présents pour la Biennale de Venise.

« Je supporte leurs guerres depuis des décennies, ils supporteront ma guerre de couleurs en trois actes. La première revendication, c'est le rouge pour toutes les victimes innocentes des guerres, je demande l'arrêt des guerres ! Je suis moi-même fille d'immigrée de guerre, je sais que la blessure se communique entre générations et détruisent cœurs et vies entières. N'est-ce pas là, l'origine du terrorisme ? Cette biennale porte en elle, ces immigrations sur la terre depuis le début de l'histoire humaine ! Stop ! »

« L'orange pour toutes les cultures natives du monde qui ont été conquises trop violemment et qui n'ont pas pu partager leurs clés, je demande qu'elles soient valorisées, surtout celles du Nouveau Monde et de l'Australie, dont certaines informations essentielles devraient être intégrées dans l'éducation des enfants occidentaux ! Le statement sur ce projet est multiple et me semble correspondre à la complexité du monde, que j'identifierai par la couleur du jaune, pour toutes les contradictions en lien à l'environnement. Il y a le traditionnel vert lié à l'écologie, repris par nos chères ONG. Il y a aussi une revendication quant au positionnement de l'artiste et de la culture dans la société, qu'on peut identifier en bleu. Quel serait le violet ? Peut-être l'appropriation et le positionnement du public qui était présent lors de la performance, quant à l'environnement et l'écologie ! Je souhaite que toutes les consciences se transforment et qu'on guérisse les blessures des guerres. Culture de l'irisation, officiel ! »

L'irisation de l'eau comme procédé artistique

L'irisation est un phénomène physique, optique et scientifique inspirant l'industrie, l'artisanat et l'art. On évoque l'irisation quand une surface change de couleur, quand il y a effet miroité. L'irisation est la production le plus souvent d'arc-en-ciel apparaissant sur la surface de certains corps. Son étymologie latine est en lien avec le mot « iris », qui signifie arc-en-ciel. L'iris est aussi un composant essentiel de l'œil et confirme le positionnement de l'irisation comme phénomène autant physique que plastique, inscrit à la base de la vision, en quelque sorte responsable de tout ce qui est visuel. L'irisation sous-tend une complexité optique, elle est le résultat d'interactions imbriquées entre la lumière et la structure de la surface à laquelle elle est exposée. Les effets de couleur peuvent varier en fonction de l'angle de vue, de l'éclairage et d'autres facteurs environnementaux, créant ainsi des moments de grande admiration, de splendeur et de beauté éphémère.

L'irisation est devenue le dénominateur visuel de tout le travail artistique de Laure Molina, depuis son retour en Europe en 2004, entre l'étape 4 et 9. Il y a dix étapes en tout.
« L'irisation représente en premier lieu un rêve, que je faisais étant enfant. Ce rêve se répétait, et parfois, je l'imaginais. Je quittais le monde matériel et physique et j'évoluais dans des pièces colorées. Ce rêve, je l'ai retrouvé dans les légendes des cultures natives que j'ai pu approcher, comme les Blackfeet en Amérique du Nord, j'ai même retrouvé l'irisation chez les aborigènes. Il a fallu presque quinze années de recherches et de développement d'une vingtaine de séries avant que la culture de l'irisation émerge. Mettre en relation l'irisation avec la culture permettrait d'envisager une identité de même nature, mais qui laisserait l'espace pour varier et évoluer dans son expression, comme les couleurs de la peau qui créent les différentes communautés et cultures qui peuplent la terre. L'irisation pourrait être l'étendard visuel de ce qu'est la Déterritorialisation dont parle Gilles Deleuze. Il l'évoque en donnant l'exemple de la diaspora, des mouvements de la population à travers le monde, des personnes qui emportent avec eux leur culture, leurs langues, leurs traditions dans de nouveaux contextes, comme le mouvement de la longueur d'onde qui, dans le monde physique, donne une couleur, un composant ».

Une prise de risque artistique

Après une première performance artistique le 17 avril 2024 sur le pont Giardini della Biennale, Laure Molina et son principal partenaire, ont été interpellés lors de la dernière représentation par les forces de police locales aux alentours du pont dell'Accademia après avoir libéré les différents flux de couleurs dans le Grand Canal de Venise. Une arrestation sans aucune conséquence judiciaire puisque l'artiste détenait avec elle un registre complet des différents pigments et composés chimiques utilisés, justifiant ainsi d'une totale inoffensivité environnementale. Il est également important de souligner que Venise est une terre historique de prise de risques artistiques et de revendications environnementales En effet outre le facteur du contexte de la biennale idéale pour exposer son œuvre, l'artiste a également choisi Venise, car la cité des Doges est en proie à de fréquentes montées des eaux, conséquence directe du réchauffement climatique et d'un tourisme de masse venu par paquebot.

Retrouvez l'intégralité des visuels et des vidéos des performances via les liens suivants :
Acte 1 - 17 avril 14h, pont du jardin de la biennale – version intégrale https://youtu.be/h1MZ6MeR4T8
Acte 1 - Version courte https://youtu.be/LrSY6Fj5u2Y?si=CJMWYFpR3vipb9mJ
Acte 2 - 19 avril 15h – Pont du Grand Canal - https://youtu.be/mgXYYcQ3VLM
Acte 3 – entre le 15 et 19 avril - Arsenal https://youtu.be/U3QfpdlE71k