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Fragments, monuments, défaites

Denis Schmite — 2026-10-30T16:04:01Z

Très tôt, l'Occident a éprouvé une absolue fascination pour le fragment, éclat de ruine, mais la fragmentation est aussi l'un des effets majeurs de la dévastation capitaliste.

Le fragment artistique a son icône : le Torse d'Apollonios dit le Torse du Belvédère [1]. Une boule de muscles, le dos surtout, pas de jambes, ni de bras, des couilles et pas de tête, tout Sapiens en fait, l'homme moderne comme ils disent. Une image de marbre, Héraclès, assis sur la fourrure du lion de Némée, ou Philoctète sur un rocher à Lemnos, la figure majeure de l'Homme, Philoctète, et de son destin tragique, ou bien encore Ajax, son orgueil et sa folie, et qui a traversé l'histoire de l'Art, Michel-Ange, il en a bourré la Sixtine et le tombeau des Médicis, Goya, il l'a inscrit dans ses Désastres, Rodin, lui, il a pillé tout le monde donc Apollonios, Mapplethorpe, il en est tombé raide amoureux, et combien d'autres, de toutes les époques et de tous les horizons.

L'idéal de beauté pour les hommes, quel que soit leur genre, c'est le Torse du Belvédère. C'est pratiquement avec le Torse du Belvédère, donc avec le fragment, que Johann Winckelmann fait démarrer l'histoire de l'Art, le moment où, selon lui, l'artiste prend le relais du poète... selon lui [2]. Le torse du Belvédère est un fragment monumentalisé. « Une esthétique du fragment » alors ? Pas seulement, la ruine du Travail aussi. Selon Jeff Wall, et bien d'autres, le Capitalisme avec sa révolution industrielle et tout ce que cette dernière a induit, machinisme, parcellisation des tâches, division internationale du travail, a fragmenté le corps du travailleur pour ne retenir de lui que ce qui pouvait activement participer à la création de la plus-value. En gros, ce que le Capitalisme a fait subir au Travail et à l'ouvrier, la Photographie, enfant d'une technologie débridée, un peu simpliste parfois, l'a fait supporter à la peinture, celle de l'Académie, en rendant obsolète, désuet, le geste amoureux du peintre et en désidéalisant les corps. Avec la photographie, il ne reste plus aucune place pour Pygmalion et sa Galatée.

Jeff Wall a abordé l'affaire du Torse du Belvédère sur le mode ironique avec une photo de taille modeste en noir et blanc. « Torso » donne à voir un très jeune garçon en sous-vêtements blancs et un peu tâchés, son beau-fils. On ne voit ni ses bras qu'il tient levé, ni ses jambes, mais son torse avec un bout de menton et une bouche que l'on devine rieuse. La série « Torso » de James Welling se compose de grands photogrammes bleus qui flottent mystérieusement et se détachent sur un fond sombre avec la légèreté diaphane de voiles vaporeux, dessinant les contours de corps troublés et troublants, mais invoquant aussi les drapés de la statuaire antique ou ceux de la peinture du Maître de Flemalle, Robert Campin. James Welling est le photographe des spectres et de leurs auras.

La fragmentation, et plus particulièrement celle du corps humain, est au cœur de certaines œuvres marquantes pouvant se rattacher au mode « Grotesque », telle celle de John Coplans. Ses « Body Parts » relèvent à la fois de l'autoportrait, un tantinet masochiste, et de l'auto-cannibalisme, avec une référence constante aux poupées désarticulées et démembrées de Hans Bellmer, l'une des grandes figures du Grotesque contemporain. Critique d'art et directeur d'institutions, John Coplans a consacré une partie de sa vie a photographié des fragments de son corps nu et vieillissant, flasque, enflé ou décharné, sans complaisance aucune, ses bras, ses jambes, son ventre, ses mains, adoptant des poses parfois ridicules, grotesques, le plus souvent extrêmement poétiques, renvoyant à l'histoire de la sculpture et aux origines du Grotesque lui-même [3]. Évidemment, ce thème de la fragmentation, d'éclats de pierre ou de chair, objets de convoitise pour beaucoup, renvoie au désir de morcellement et d'incorporation, en un mot à l'anthropophagie, en tant que fixation au stade oral, ainsi qu'à la séduction, l'Œdipe, et à sa sanction, la castration, deux des fantasmes primitifs qui structurent la vie psychique, avec la représentation de la scène dite primitive, copulation de maman et de papa, l'ensemble étant à la base de la sexualité la plus commune.
Ici, ruine de l'architecture corporelle et défaite de l'Homme !

A l'ère postindustrielle, les panneaux publicitaires et la télévision, « un meuble qui… reminiaturise le corps humain » [4], par rapport au cinéma, ne font qu'éclairer un champ de ruines sur lequel souffle le mauvais vent de l'extorsion effrénée de la plus-value, ruines qui ont pour noms société, ville, famille, personne. Jeff Wall a dressé un monument à cette défaite de la civilisation, de l'humanité et du travail de l'Homme en s'inspirant d'une gravure d'Albrecht Dürer, « Le projet de monument aux paysans vaincus ». Ce monument devait commémorer l'issue tragique et particulièrement sanglante des soulèvements paysans qui ont ébranlé le Saint-Empire Romain Germanique au début du seizième siècle. Un paysan pensif est assis en haut d'une colonne avec une épée plantée en plein milieu du dos. Le fût de la colonne est constitué d'outils agraires et de récipients divers, et à son pied repose un troupeau de bovins et d'ovins. Dürer a ponctué son dessin d'indications de proportions pour la réalisation du monument. Rodin, ce vampire académique, a repris le paysan de Dürer pour son Penseur, mais en le déshabillant et en le vidant de tout son sens politique, en lui retirant l'épée du dos. Pour « The Thinker », un très grand caisson lumineux, Jeff Wall montre un homme pas très âgé assis méditativement sur une colonne faite d'une souche d'arbre, une bordure de trottoir et un parpaing. L'homme est vêtu d'un costume tout simple et porte de forts brodequins usagés et sans lacet. Il a les jambes croisées et soutient son menton de son poing fermé. Une baïonnette ancienne est plantée dans son dos. La colonne réduite et composite est installée sur l'asphalte au milieu d'une route. Au-dessus de l'homme, le ciel bleu est rayé par trois gros câbles électriques et sur la gauche un lampadaire qui sert aussi de panneau indicateur dessine une courbe gracieuse dans l'azur. En contrebas et en arrière-plan, il y a tout d'abord un gros bâtiment industriel et une voie ferrée avec des wagons-citernes qui passe devant, puis une autoroute et des lotissements, et enfin une très grande ville avec des hautes tours telles qu'on en trouve au nord de l'Amérique, Vancouver. Ce paysage est taché de nature, des bouquets d'arbres ici et là, et derrière l'homme on devine un lac ou un bras de fleuve. Le ciel urbain bien que bleu est brouillé de pollution. L'homme assis, pas un paysan mais un ouvrier, ne médite pas sur sa fragmentation mais sur l'échec de ses espoirs de désaliénation et aussi sur son probable déclassement, sur son exclusion d'un monde qui n'est plus à sa mesure. « Le coup de poignard dans le dos, dit Jeff Wall, c'est la « trahison …La pensée sérieuse émerge de la trahison ». « The Thinker, poursuit-il, est un monument imaginaire au désenchantement ». La forêt est détruite pour faire place à des villes tentaculaires et à des usines géantes où presque personne travaille, d'où la souche d'arbre, la campagne est détruite pour construire des routes et des pavillons suburbains standardisés et contrôlés, d'où la bordure de trottoir et le parpaing. Trahison, désenchantement, DÉFAITE !

À son retour en Russie soviétique, après un séjour au Bauhaus de Dessau où il avait rédigé son testament, Kazimir Malevitch réalise des peintures qui sont à concevoir comme une longue déploration sur le corps du petit peuple des campagnes, un requiem avec thème supro-naturaliste. Le « Supro-naturalisme » est un terme qu'il avait forgé pour désigner l'alliage qu'il venait de fabriquer à partir du Suprématisme et du naturalisme à la russe, le Néo-primitivisme, qu'il avait amplement pratiqué à ses débuts. Ici, les « couleurs formées » du Suprématisme sont toujours présentes mais plaquées sur des silhouettes clairement identifiables par leur géométrie, jeunes filles, femmes, hommes, vieillards, bien que sans traits faciaux franchement marqués. Pour faire court, Malevitch revenait à la figuration au démarrage d'une époque particulièrement brutale, celle de la « dékoulakisation », préludant à l'ouragan liquidateur.
Des motifs anciens sont repris de paysans, membres tubulaires et blouses aux reflets métalliques, se rendant aux champs ou travaillant dans les champs, femmes et hommes machines, puis les traits faciaux s'effacent totalement et les bras pendouillent le long de troncs raidis, les outils sont abandonnés, les corps anonymes s'alignent bien droits comme devant un mur, ou une fosse, et les torses suprématistes s'offrent telles des cibles foraines. Il y a beaucoup de personnages isolés et comme dans l'attente d'on craint de savoir quoi. « Sensation d'un homme emprisonné », « Pressentiment complexe », titres tragiques !

Et puis, il y a cet homme qui se met à courir, éperdument, sur des bandes de couleurs, blanc, jaune, blanc, vert, noir, rouge, mélange de vert, de jaune et de bleu. Derrière lui, deux maisons sans fenêtres ni porte, une blanche et une rouge, avec des bouts de barrière, et entre les deux maisons une épée dégoulinante de sang comme suspendue sur un fond de ciel de pluie parcouru de nuages aux contours blancs. Et il court, il court cheveux blancs et barbe au vent le vieil homme noir vêtu de vert et de blanc, mais les couleurs ne signifient plus grand chose dans l'univers chromatique de Malevitch, il court au point de dépasser une grande croix rouge, tout coincé qu'il est entre le nouvel ordre socio-criminel et les croyances absurdes, car la croix, sanguinolente elle aussi, plantée sur son chemin, n'est certainement pas une croix suprématiste ni celle d'une religion d'amour, l'arbre de vie, il court le vieux pour échapper à tout ce désordre spirituel sous une pluie battante et par un sale temps de cruauté, un de plus, « Sensation de danger ». C'est un peu comme si le paysan vaincu et pensif d'Albrecht Dürer, était enfin descendu de sa colonne agraire et avait rejeté loin derrière lui la lame qui lui transperçait le dos pour fuir absolument son époque et le monde abominable des Hommes de tous les présents.

Défaite ! Sur un trottoir de Vancouver il y a un homme jeune qui déambule. Il s'arrête parfois de marcher, s'adossant à un mur, ou à un panneau publicitaire à grosses lettres, tout en rigolant intérieurement, puis il repart le visage grave, plongé dans ses pensées violentes. La colère est loin de s'être dissipée, la provocation et sa riposte sont encore vives, du sang a coulé de son nez, le col de son manteau et sa poitrine en sont éclaboussés, ses mains sont égratignées. « Man in Street », un double portrait tout en intériorité sauvage, après la bagarre.
Deux hommes se battent sur un autre bout de trottoir par une nuit sale de Vancouver. Leurs corps sont enchevêtrés, l'un dessus et l'autre dessous, tels les lutteurs d'Eadweard Muybridge qui ont tant inspiré Francis Bacon, artistiquement et sexuellement. « A Fight on the Sidewalk ». Les murs sont signés d'énormes tags agressifs, sombres éclaboussures de la brutalité du trottoir ou projections de la volonté rageuse des combattants, gestualité cruelle, Action painting de la rue carnassière, Street Art de cannibales.

Il s'agit ici d'une image de totale tension, regard de l'homme qui assiste à la lutte, un comparse, esprit du tag obscur, émanation de la hargne batailleuse, tendu vers la masse « cambouineuse » des visages indiscernables, torsion jusqu'à la rupture des corps enchevêtrés, tachés du blanc des poings durcis, tension créée par la confrontation des matériaux grossiers de la rue, pavage de briques rouges ou dallage de granit, rideau de fer piqué de rouille, pierres mal dégrossies des murs ou carreaux de plâtres souillés par les tags. Image de la lutte des classes aussi, le bourgeois aux souliers fins et au pantalon à pli dessous, le sous-prolétaire en jeans crasseux et à longue tignasse dessus. Renversement de l'ordre existant « désastreux ».
Défaite ! « Dead Troops Talk », la conversation des troupes mortes ! Une vision d'horreur après l'embuscade tendue à une patrouille de l'Armée rouge du côté de Moqor, en Afghanistan, durant l'hiver 1986. Faux reportage de guerre mais vraie peinture d'Histoire. Un montage digital énorme dans un caisson lumineux gigantesque. Des morts partout sur la terre et la rocaille, des tôles tordues, des trous d'obus. Les blessures sont effroyables, des moitiés de visage emportées, des éviscérations, des membres carbonisés. Les soldats morts attendent que l'on vienne les ramasser et qu'on les conduise dans un au-delà meilleur. Ils discutent entre eux, certains plaisantent et se font des blagues, d'autres encore traumatisés refusent d'ouvrir les yeux, ou tout simplement se reposent. Les Afghans, qui ont déjà récupéré leurs armes, fouillent dans leurs sacs abandonnés à la recherche d'une bonne affaire. Jeff Wall évoque Le radeau de la méduse en parlant de ce tableau-photographique, mais ce pourrait être, encore, une variation du Déjeuner sur l'herbe, sans déjeuner et sans herbe. C'est la violence de l'Histoire, la violence qui frappe les soldats-esclaves.

Le réalisme magique autorise les morts à s'absorber dans leurs pensées, à méditer sur les raisons de leur défaite, car il y a toujours défaite, même quand il y a victoire. Trop de désillusions vécues, trop de souffrances endurées et trop de morts !
Tout ceci me renvoie bien des années en arrière. Je ne conserve du Nord Pakistan qu'un magma d'images et d'impressions, comme un fondu enchainé totalement désordonné et un faisceau d'idées encore confuses. Des villes gigantesques et énervées, Peshawar à l'ouest et Lahore à l'est, une nature sauvage et somptueuse car hors dimensionnement. J'ai toujours dans les oreilles le rugissement de l'Indus qui se déchainait dans des cañons larges et profonds et au fond des yeux des montagnes majestueuses dont le moindre des sommets culminait à plus de 5000 mètres. Et puis les Hommes !... Vendeurs de dromadaires dans les foires aux bestiaux de villages improbables, petit peuple animiste noyé dans un océan d'Islam [5]et qui entretenait scrupuleusement les terrasses agricoles façonnées dans des temps immémoriaux, paysans heureux qui exhibaient fièrement des pommes de terre énormes nées de semences fournies par la FAO, Raja de Punial nostalgique de la Grande Bretagne, de chevaux anglo-arabes et de parties de polo, caravaniers conduisant quelques chameaux massifs et surchargés sur des chemins menant en Chine, forgerons martelant les lames d'énormes poignards qui seront ensuite fixées à des chaines avec lesquelles les chiites se flagelleront pour commémorer le martyr d'Hussein...
Ce n'est là qu'un brouillard de mélancolie hors d'âge entaché d'exotisme, me dira-t-on.
NON ! Ces images à l'exotisme involontaire masquent une réalité impitoyable. Le Pakistan est un pays détestable marqué au fer rouge par une dictature double, à la fois religieuse et militaire, ravagé par la corruption, et à la solde des États-Unis.
À cette époque, un an après la prétendue embuscade de Moqor, tel l'Indus du fond de ses cañons, la guerre rugissait aux frontières du Pakistan. À l'ouest, à seulement une pincée de kilomètres de Peshawar, les troupes des seigneurs de la guerre afghans et les groupes islamistes dont les Talibans, desquels les États-Unis finançaient les madrassas et l'armement, affrontaient les Soviétiques. Un jour, on nous avait amenés jusqu'à la passe de Khyber, « trait d'union » entre les deux pays et site où les Britanniques avaient essuyé l'une des pires défaites de leur histoire. Khyber servait de base arrière aux combattants. Il y avait des gens partout et toute une effervescence autour des échoppes qu'on avait installées là dont pas mal d'ateliers qui fabriquaient ou réparaient des armes. Autant dire qu'on ne s'est pas trop attardés dans ces parages !
À l'Est, sur notre route pour rejoindre Lahore, nous avions croisé un petit groupe armé conduit par deux hommes d'un certain âge qui discutaient âprement et en toute probabilité tactique avant de grimper pour affronter en altitude l'armée indienne.
L'Afghanistan a été victorieux dans toutes ses guerres et pourtant sa défaite est totale et le conflit du Cachemire entre le Pakistan et l'Inde est possiblement éternel !

Dans cette « Allégorie du temps (la vie humaine) » [6], Guido Cagnacci, à qui elle est attribuée, donne à voir la Beauté tenant dans une main les fleurs fragiles de la vie, dont celle d'un pissenlit dont les graines sont susceptibles de se disperser au moindre souffle, et de l'autre un sablier, ustensile classique des Vanités, tout en posant son coude sur un crâne côtoyant deux bougies fumantes et sur le point de s'éteindre. Éros et Thanatos, pulsion de vie et pulsion de mort réunies ! La Beauté élève son regard vers une sorte d'auréole mais qui est en fait un serpent qui se mord la queue, l'Ouroboros.
La vie de l'Homme, celle de chaque humain, est un serpent temporel qui se mord la queue.
Rien dans cette vie sans queue ni tête ne saurait avoir de sens !

[1] Apollonios d'Athènes est un sculpteur du I^er siècle avant notre ère et le « Torse du Belvédère » est l'unique œuvre dont on est assuré qu'elle soit de lui parce que signée.

[2] Johann Wincklemann (1717-1768) est considéré comme étant le premier historien de l'Art, si on ne retient pas Giorgio Vasari trop italien sans doute pour les Allemands, et le fondateur de l'archéologie moderne.

[3] Voir la définition du « Grotesque » dans mon texte « Jeff Wall face à l'Art conceptuel ».

[4] Tous les propos de Jeff Wall sont tirés des « Essais et Entretiens 1984-2001 (ENSBA-2001).

[5] Les Kalash, qui ne sont plus que quelques milliers, vivent de l'agriculture et de l'élevage dans trois vallées au nord-ouest du Pakistan.

[6] Huile sur toile vers 1650.

Huitième Voyage

Alain Keler — 2026-10-01T19:45:26Z

En 2003 j'ai obtenu une bourse par l'organisation 3P pour travailler sur la complexité du problème israélo-palestinien. J'avais souvent été en Israël et dans les Territoires palestiniens, d'abord il y a très longtemps à titre personnel, puis professionnellement, pour les agences Sygma, puis Gamma et le magazine Géo. Voici des extraits du journal que je tenais presque quotidiennement, j'écrivais tous les soirs en rentrant à mon hôtel, sans voir les images, le travail étant fait en argentique.

Vendredi 4 novembre 2005

Aujourd'hui, c'est le dixième anniversaire de la mort de Itzhak Rabin. Le soleil n'est pas au rendez-vous. La météo annonce de la pluie pour cet après-midi.
Je vais à Tel-Aviv.
Devant le monument qui lui a été dédié, en bas de l'escalier qu'emprunta Ytzhak Rabin après son discours, un homme joue de l'accordéon, accompagné par quelques personnes qui chantent son morceau préféré, « Shir Ha-reut », la chanson de l'amitié. Une jeune femme, appuyée sur son vélo se recueille (it's my grief), perdue dans ses pensées en écoutant la musique qui s'échappe de l'endroit où le premier ministre israélien fut assassiné. Trois drapeaux israéliens dressés devant le monument sont en berne. Il n'y a pas beaucoup de monde. Je crois que la célébration officielle aura lieu le 12 novembre, avec la participation de Bill Clinton.
Un peu plus loin, on peut lire le texte du dernier discours :

« Allow me to say, I am also moved, I want to thank each and everyone of you who stood up here against violence and for peace. This government which I have the privilege to lead together with my friend Shimon Peres decided to give peace a chance, a peace that will solve most of the problems of the state of Israel.
I was a military man for 27 years, I fought as long as they were no prospects for peace. Today I believe that there are prospects for peace, great prospects. We must take advantage of it for the sake of those standing here, and for the sake of those who do not stand here. And there are many among our people. I have always believed that the majority of the people want peace and are prepared to take risks for it.

And you here, by showing up at the rally, prove it, along with the many who didn't make it here, that the people truly want peace and oppose violence. Violence is undermining the very foundations of Israeli democracy. It must be condemned, denounced, and isolated. This is not the way of the state of Israel.

Controversies may arise in a democracy, but the decision must be reached throught democratic elections, just as it happened in 1992, when we were given the mandate to do what we are doing, and to continue to do it.

I want to thank from here the president of Egypt, the king of Jordan and the king of Marocco, whose representatives are present here, conveying their partnership with us on the march toward peace. But above all- the people of Israël- who have proven, in the 3 years this government has been in office, that peace is attainable, a peace that will provide an opportunity for a progressive society and economy. Peace exists first and foremost in our prayers. Peace is what the jewish people aspire to, a true aspiration.

Peace entails difficulties, even pain. Israël knows no path devoid of pain. But the path of peace is preferable to the path of war. I say this to you as one who was a military man and minister of defense, and who saw the pain of the families of IDF soldiers. It is for their sake and for the sake of our children and grandchildren that I want my government to exert every effort, exhaust every opportunity to promote and to reach a comprehensive peace.

This rallt must send a message to the israeli public, to the jewish community throughout the world, to many in the arab world and in the entire world, that the people of Israël want peace, support peace, and for that, I thank you very much. » *

A 17 h 30, il n'y a plus personne. Dans le bassin qui jouxte la municipalité, à une trentaine de mètres de l'endroit où Rabin a été tué, deux jeunes filles hilares retirent de l'eau un parapluie rouge complètement pourri.

* Discours de Itzhak Rabin en français
Tel-Aviv, 4 novembre 1995
« Permettez-moi de dire que je suis profondément ému. Je souhaite remercier chacun d'entre vous, qui êtes venus ce soir manifester contre la violence et pour la paix. Ce gouvernement, dont j'ai le privilège d'être à la tête, avec mon ami Shimon Peres, a décidé de donner une chance à la paix - une paix qui résoudra la plupart des problèmes d'Israël.
Pendant 27 ans, j'ai été un soldat. Tant qu'il n'y avait aucune chance pour la paix, j'ai combattu. Je crois qu'aujourd'hui, il existe une chance pour la paix, une grande chance. Nous devons en profiter, pour tous ceux qui sont présents ici, et pour tous ceux qui sont absents, et ils sont nombreux.
J'ai toujours pensé qu'une majorité du peuple aspirait à la paix et était prête à prendre des risques pour elle. En venant ici ce soir, vous démontrez, ensemble avec de nombreux autres qui ne sont pas venus, que le peuple désire sincèrement la paix et s'oppose à la violence. La violence s'attaque à la base de la démocratie israélienne. Elle doit être condamnée et isolée. Ce n'est pas la voie de l'État d'Israël. Dans une démocratie, il peut y avoir des désaccords, mais la décision finale sera tranchée par des élections démocratiques, comme celles de 1992 qui nous ont donné un mandat pour faire ce que nous faisons, et pour continuer dans cette direction.
Je voudrais dire que je suis fier du fait que des représentants des pays avec lesquels nous vivons en paix soient présents avec nous ce soir, et continueront à l'être : l'Égypte, la Jordanie et le Maroc, qui nous ont ouvert la route vers la paix. Je voudrais remercier M. le président de l'Égypte, le roi de Jordanie, et le roi du Maroc, représentés ici ce soir, pour avoir été des partenaires dans notre route vers la paix. Mais, plus que tout autre chose, depuis un peu plus de trois ans que ce gouvernement est en place, le peuple israélien a prouvé qu'il est possible de faire la paix, que la paix ouvre la porte à une économie et à une société meilleures, que la paix n'est pas seulement une prière. La paix est d'abord dans nos prières, mais elle constitue aussi l'aspiration du peuple juif, une aspiration sincère à la paix.
La paix a des ennemis qui tentent de nous atteindre, pour torpiller le processus de paix. Je voudrais dire sans détour que nous avons trouvé chez les Palestiniens aussi un partenaire pour la paix : l'OLP, qui était notre ennemi, et qui a cessé de s'impliquer dans le terrorisme. Sans partenaires pour la paix, il ne peut y avoir de paix. Nous exigerons qu'ils accomplissent leur part du travail, comme nous accomplirons la nôtre, pour la paix, afin de résoudre l'aspect du conflit israélo-arabe le plus complexe, le plus long, et le plus chargé en émotions : le conflit israélo-palestinien.
Il s'agit d'un parcours semé de difficultés et de douleur. Pour Israël, il n'est pas de chemin qui soit sans douleur. Mais la voie de la paix est préférable à celle de la guerre. Je vous dis cela en tant qu'ancien soldat, en tant que ministre de la Défense qui connaît la douleur des familles des soldats. Pour elles, pour nos enfants, et dans mon cas, pour mes petits-enfants, je veux que ce gouvernement exploite chaque ouverture, chaque occasion de promouvoir et de parvenir à une paix totale. Même avec la Syrie, la paix sera possible.
Cette manifestation doit envoyer un message au peuple israélien, au peuple juif partout dans le monde, au monde arabe et en fait au monde entier : le peuple israélien veut la paix, il soutient la paix. Pour tout cela, je vous remercie. »

Toutes les photographies de l'article © Alain Keler / MYOP

MYOP
Alain Keler : Rétrospective
Arles Les Rencontres de la Photographie 2026
Les Douches Municipales
Jusqu'au 04 octobre 2026
9 h 30 - 19 h 00

Publication : Alain Keler, Éditions Delpire, 2026.

GLADYS

GLADYS — 2026-10-01T19:32:09Z

Artiste inclassable, GLADYS n'a cessé d'inventer des espaces nouveaux où le réel se mêle à la fiction. Ses premières images en noir et blanc explorent un monde où se côtoient souvenirs d'enfance, paysages imaginaires et récits poétiques… Que l'on s'attarde sur les photographies de ses premiers voyages au Maroc et en Égypte, la Méditerranée tient une place particulière dans le travail de GLADYS. Le festival Photographie Besançon présente une sélection de ses travaux, des débuts aux années 1990.

Pour toutes les photographies de l'article, ©donation GLADYS, Ministère de la Culture, Médiathèque du Patrimoine et de la Photographie.

En 2021, GLADYS a fait don de son œuvre photographique à l'État qui est actuellement conservée par la Médiathèque du Patrimoine et de la Photographie (MPP) au fort de Saint-Cyr. Une partie des tirages de GLADYS numérisés sont disponibles sur la base de données Mémoire, accessible par la Plateforme ouverte du patrimoine - POP
(https://www.pop.culture.gouv.fr/gallery/63aedd9a758d8d0b26ff1b71)

GLADYS
Festival Photographie Besançon - Grain d'Pixel
Exposition du 3 au 25 octobre 2026
Galerie de l' Ancienne Poste - 98 Grande Rue - 25000 Besançon

GLADYS, 2024, éditions Contrejour.

(DÉ)GÉNÉRÉ(E)S

Nicolas Havette — 2026-07-30T12:21:53Z

Quarante-deux artistes aux pratiques parfois contradictoires partagent une même méfiance envers les récits trop simples. Présentées sous la forme d'un vaste cabinet de curiosités contemporain sous le commissariat de Nicolas Havette, les images se répondent, se contredisent parfois, se contaminent souvent. Retour sur une exposition du Off à Arles, qui était présentée en juillet dans la maison d'enfance de Lucien Clergue.

En 1937, le régime nazi présentait l'exposition Entartete Kunst : « Art dégénéré ». Le mot désignait ce qui devait être rejeté : les formes impures, les imaginaires réfractaires, les artistes qui échappaient à l'ordre esthétique et politique. Près d'un siècle plus tard, le terme n'a rien perdu de sa violence. Il continue de circuler, parfois sous d'autres noms. Chaque époque invente ses catégories, ses exclusions, ses normes du visible. Chaque époque décide quelles images rassurent et quelles images dérangent. Les périodes brunes s'affirment rarement tout de suite par les autodafés. Elles commencent par le classement des corps, des récits et des images.

Nous vivons dans une période où les discours affirment une simplification désirable. Les identités se cristallisent, les récits se ferment, les nuances deviennent suspectes, les lignes sont droites, l'organique ne résiste plus à la rigidité des normes. Les algorithmes privilégient ce qui ressemble déjà à ce que nous connaissons. Le doute devient un défaut, la complexité : un obstacle.

De cette sensation, Nicolas Havette a lancé un appel à participation sous le titre : (DÉ)GÉNÉRÉ(E)S.
Non pour rejouer une histoire connue, mais pour interroger ce que pourrait être, aujourd'hui, une photographie dégénérée. Une photographie qui refuse de se tenir tranquille. Une photographie qui déborde de son cadre, contamine les catégories, trouble les certitudes.

Une quarantaine d'artistes ont été retenus pour la singularité de leur démarche et la pertinence avec laquelle ils interrogent les mutations contemporaines. Tous ont accepté de se retrouver sous cette bannière volontairement provocatrice, conscients que certains mots méritent parfois d'être retournés contre leur propre histoire. Ce qui réunit ces artistes n'est ni une esthétique commune ni une génération. Leurs pratiques sont parfois contradictoires. Elles utilisent l'archive, le document, la fiction, le collage, l'installation, l'image vernaculaire, l'intelligence artificielle ou les procédés photographiques les plus divers. Mais toutes partagent une même méfiance envers les récits trop simples. Le commissariat devient ici un acte de montage. Les œuvres ne sont pas réunies pour illustrer un thème mais pour produire des écarts et des collisions.

Présentées sous la forme d'un vaste cabinet de curiosités contemporain, les images se répondent, se contredisent parfois, se contaminent souvent. Entre « dégénéré » et « généré », quelques lettres seulement semblent avoir disparu. Peut-être est-ce précisément dans cet écart minuscule que se joue aujourd'hui une partie de notre rapport aux images. Systèmes économiques et des imaginaires collectifs, cette proximité agit comme un trouble.

Que reste-t-il de l'auteur ? Que reste-t-il du réel ? Que reste-t-il de notre désir de produire des images lorsque le monde en déborde déjà ? (DÉ)GÉNÉRÉ(E)S ne cherche pas à répondre à ces questions. L'exposition préfère ouvrir un espace où elles puissent encore résonner, où elle puise un territoire de contaminations, où elle lève le rideau sur une assemblée d'images indociles.

"Dégénéré(e)s" ne se contente pas de convoquer le spectre d'un art qui pourrait être ostracisé, elle résonne avec l'ombre de la banalité du mal, telle que l'a perçue Hannah Arendt. Car, au cœur de ces mécanismes, il y a un processus insidieux : celui par lequel, jour après jour, nous, censeurs ordinaires, accumulons des silences, des jugements, des refus. Ce n'est pas l'exception qui devient la norme, c'est la somme invisible de toutes nos censures individuelles, chaque fois qu'on détourne les yeux, chaque fois qu'on stigmatise ce qu'on ne comprend pas. Et c'est là, dans cette accumulation, que naissent les exclusions, les étiquettes posées sur l'altérité. Ainsi, l'art « dégénéré » n'est pas seulement un objet déchu, c'est un miroir qui renvoie, comme un écho, notre propre aveuglement face à ce qui dépasse notre entendement. Et c'est là, dans ce dialogue troublant, que l'exposition devient un acte de conscience, une invitation à déceler, dans chaque regard qui juge, l'écho d'une banalité qui pourrait, demain, devenir monstrueuse.

Texte et photographies de l'exposition : Nicolas Havette

Image d'ouverture : © Roger Ballen - © Lilie Pinot - ©Bruno Privat - ©Dune Varela

Exposition (DÉ)GÉNÉRÉ(E)S
ouverte du mercredi au dimanche de 15h à 20h jusqu'au 26 juillet 2026
20 rue Genive, Arles

Avec Pepe Atocha / Roger Ballen / Jacques Bastide / Zoé Borie / Jean-Christian Bourcart / Alexa Brunet / Francesco Canova / Matthew Casteel / Myriam Chastagnier / Denis Darzacq / Frédérique Daubal / Tristan Deboise / Léa Devenelle / Frédéric Fornini / Jordan Horion / Chia Huang 黃迦 / Françoise Lambert / Marthe Lazarus / Maude Lecrivain / Stéphane Lenthal / Adrien Limousin / Clara Montrieul / Matthias Olmeta / Ayline Olukman / Fabienne Paradeis / Lilie Pinot / Pablo E. Piovano / Marion Pons / Adeline Praud / Bruno Privat / Kaelis Robert / Valentin Valia Russo / Myriam Santos / Neckel Scholtus / Vladimir Seleznev / Jean-Philippe Tacher / Luc Texier / Lou Thiebaut / Isabelle Vaillant / Dune Varela

L'espace entre nous

Alain Nahum — 2026-07-30T12:16:31Z

Dans le cadre de la célébration du bicentenaire de la photographie, Le BAL présente une exposition sur la collection de Michael Wilson, une traversée dans l'une des plus importantes collections photographiques privées au monde de douze mille pièces qui s'égrènent du 19ᵉ siècle à nos jours.
Michael Wilson est connu comme producteur de films pour avoir produit l'ensemble des films de la saga James Bond, depuis il consacre sa vie à la photographie avec sa femme Jane Wilson.

« Entrer dans une collection », dit Diane Dufour directrice du BAL, « c'est toujours un peu s'infiltrer sans cadre en territoire inconnu, dans le royaume d'un autre. C'est concevoir les photographies qui la composent comme des fragments épars d'un puzzle ». Michael Wilson avec lequel Diane Dufour est liée de longue date lui a donné carte blanche pour construire une grande traversée photographique sous son regard bienveillant.

Michael Wilson

Producteur et collectionneur

L'exposition propose de montrer un parcours de 120 images, des tirages d'époque souvent peu vus, afin de faire raisonner et rebondir la notion de « l'Espace entre nous ». Un espace entre des photographes connus et inconnus dont l'exposition explore le lien parfois trouble, parfois lumineux, toujours instable, qui unit à leurs sujets ces 45 photographes :

Lola Álvarez Bravo	Manuel Álvarez Bravo	Bravo Bill Brandt
Josef Breitenbach	Horace Bristol	Esther Bubley
Elinor Carucci	Mark Cohen	John Coplans
Gregory Crewdson	Imogen Cunningham	Bruce Davidson
Rineke Dijkstra	Walker Evans	Leonard Freed
Lee Friedlander	David Goldblatt	John Gutmann
Birney Imes	Graciela Iturbide	Sarah Jones
André Kertész	Chris Killip	Dorothea Lange
Sergio Larraín	Richard Learoyd	Danny Lyon
Robert Mapplethorpe	Roger Mayne	Susan Meiselas
Tina Modotti	Daidō Moriyama	Nicholas Nixon
Alexander Rodchenko	August Sander	Tomoko Sawada
Chris Shaw	Aaron Siskind	Graham Smith
Louis Stettner	Issei Suda	Yutaka Takanashi
Shōji Ueda	Weegee	Francesca Woodman

John Gutman. Haussement d'épaule, 1935

Shoji Ueda, Auto portrait à minuit, 1950

Ce qui fait la subtilité de cette exposition c'est qu'il n'y a pas de classement thématique, pas de classement chronologique, pas de classement par auteur. L'exposition est centrée sur le portrait, la figure humaine et sur la distance entre le sujet et le photographe. Il s'agit de faire rebondir cette relation triangulaire si particulière entre le photographe, le sujet ou l'objet photographié et le spectateur-regardeur. L'écrivain Bertrant Schefer accompagne les images par des textes qui ponctuent l'exposition.

Nicolas Wilson, 1947

André Kertez - Sans titre

portefolio « Souvenir Hongrois » 1914-1924

À l'intérieur de chaque image s'inscrit une histoire. Il est clair que la position, la sensibilité de chacun des photographes représentés est différente. Et cela s'affirme suivant les limites que chacun se donne dans sa pratique, sur la manière d'affirmer son point de vue, sur la place et l'espace qu'il accorde au sujet et à la part de mystère qu'il lui octroie. Sans oublier la part d'interprétation et de liberté laissé au regardeur.

Les 120 photographies présentées dessinent toute une gamme de relations, d'affirmations et de distances. Affirmant les points de vue singuliers des cinquante-trois photographes avec leurs critères esthétiques, éthiques, ou politiques et leurs stratégies à l'œuvre. Mais existe-t-il pour chaque photographe, chaque sujet, chaque situation, une distance juste ?
À chacun de se faire son idée et de répondre à cette énigme. « Les photographies sont d'inépuisables invitations à la déduction, à la spéculation et aux fantasme », comme dit Susan Sontag.

Dans cette belle traversée photographique et cette diversité d'approches, ce qui compte avant tout, c'est l'image elle-même et ce qu'elle transmet. Et comment agit notre regard, notre pensée face à la diversité des réponses et des expériences qui nous sont offertes.

Danny Lyon. Joueurs de dominos, Wall Unit

Wall Unit, département pénitentiaire du Texas. 1968

Michael Wilson

Producteur et collectionneur

Diane Dufour

directrice du BAL et curatrice de l'exposition

Image d'introduction >
Tomoko Sawada Les débuts No.31 1997
Juste une horloge
Juste un chiffre
Une horloge vue de l'intérieur ?
Une horloge vue de l'extérieur ?
Je suis moi

L'ESPACE ENTRE NOUS
Exposition au Bal jusqu'au 3 janvier 2027.
6, impasse de la Défense 75018 Paris
www.le-bal.fr

Des murs derrière les mots

Éric Poindron et Pol Lujan — 2026-07-04T19:55:56Z

des mots morts derrière les murmures

Les murs n'ont pas d'oreille, les murs ont des yeux
Les passants portent des horloges baudelairiennes de sous leurs paupières de poussière
Entre deux briques un cœur rouillé pousse comme une herbe hors-saison
Les murs respirent à voix basse et cachent dans leurs fissures des oiseaux SDF
Un couple traverse les mots tenant entre leurs mains un morceau de ciel oublié.
La ville déplie ses ailes de pierre sous les pas des vivants.
Les fenêtres regardent les hommes qui essaient de voler dans leur sommeil.
Sur les façades les mots griffonnés rêvent encore de leur premier cri.
Les amants échangent des constellations invisibles au coin des rues fatiguées.
Les briques habillent les siècles de silence et quelques éclats de rire s'échappent des balcons déserts.
Chaque ombre transporte un jardin public dans son cabas trouée.
Les lettres peintes sur les murs se prennent pour des nuages bavards.
Des mains se frôlent et la ville vacille d'une tendresse soudaine.
La rue avale le jour et recrache des actrices de trottoir.
Au milieu du béton, les vivants inventent encore des printemps impossibles.
Et la rue couverte d'affiches et de rêves, continue d'écrire son futur sur les murs.
Un ange boite alors Lautréamont passe à sa place.
Les vivants ont des bancs publics et les murs ont des yeux

Les féministes dans la rue

Céline Bonnarde — 2026-07-04T19:54:38Z

Quand les femmes et les minorités de genre descendent dans la rue, c'est pour défendre leurs droits, toujours remis en question, pour dénoncer les violences qu'iels subissent.
Au mois de mai 2026, 54 féminicides ont déjà eu lieu selon le collectif NousToutes en France. Le rapport 2026 sur les LGBTphobies de SOS Homophobie révèle que 1771 cas ont été recensés en France en 2025.

Que ce soit à l'occasion de la Journée internationale pour les droits des femmes, le 8 mars, ou lors des manifestations contre les Violences sexistes et sexuelles, au mois de novembre, les féministes marchent, crient, scandent, défilent, chantent, pour dire qu'iels ne lâcheront rien…qu'iels continueront le combat tant qu'il le faudra.

Marche Arthur Batut

Nicolas Fremiot — 2026-07-04T19:53:49Z

Un propos anti-carte-postale et anti-mythologique qui va à l'encontre de la communication dont nous abreuvent continuellement les diverses institutions des métropoles.

« Je veux aller à pied à travers les paysages. En tant que tel, ils n'existent pas. Ils sont d'abord des perceptions et le fruit de l'intervention de l'Homme. Trop souvent, nous nous contentons de les faire défiler à toute vitesse, immédiatement consommés. Combien de territoires, de « pays » sommes-nous conduits à traverser en bus, TER, en tram, en train, en voiture, y sommes-nous vraiment et que voyons-nous ? Au lieu d'habiter le monde, nous finissons par habiter des lieux fonctionnels : voitures, immeubles, bureaux, centres commerciaux... Tel que « le corps n'est plus qu'un paquet en transit, un pion bougé de case en case ; il ne se meut pas, il est mu » pour citer Rebecca Solnit (L'art de marcher).

Inexorablement, je traverse à pied les paysages, pour mieux aller à leur rencontre, m'en imprégner, les saisir et les restituer avec mon regard. Cette DÉ(s)MARCHE(s) s'inscrit dans la lignée de photographes tels que Hamish Fulton, Richard Long ou le groupe Stalker qui créent des œuvres grâce et à partir de leurs déplacements dans la nature ou en milieu urbain.

Depuis 2004, conjointement aux marches iliennes, j'ai entrepris de construire des parcours continentaux pour traverser la diversité du territoire français, en poursuivant une recherche artistique sur la perception du paysage quotidien.

L'exposition « La marche Arthur Batut » est un projet réalisé dans le cadre d'une résidence artistique itinérante. Pendant 29 jours, sur 400 km, j'ai traversé à pied les départements du Tarn, de l'Aude et des Pyrénées-Orientales pour aller sur les traces du photographe Arthur Batut, inventeur de la photographie au cerf-volant.

J'ai construit un parcours photographique et prosaïste. Le projet s'articule sur une dimension centrale, celle de l'autre. J'implique activement, à divers niveaux et sous diverses formes, les habitants de la région. Comment prétendre accéder à la découverte-perception d'un paysage-territoire sans la rencontre avec celles et ceux qui le façonnent et l'habitent ? À chaque étape, j'ai été hébergé chez l'habitant, d'autres sont venus marcher avec moi.

« La Marche Arthur Batut » est aussi un regard sur les lieux où vivent et travaillent les gens, une manière de questionner la construction des territoires et l'effacement des frontières historiques qui séparaient, jadis, les grandes villes de ses campagnes. »

exposition
du 2 juillet au 29 août 2026
Maison des Mémoires
53, rue de Verdun - Carcassonne

Les autos-tamponneuses

Marc Corigliano — 2026-07-04T19:37:48Z

Le jour où mon oncle jean est mort un manège d'autos-tamponneuses est venu s'installer sous sa fenêtre.

Mon Oncle était aveugle, mais nul autre que lui ne savait à ce point glisser les unes dans les autres des coquilles vides de moules et les disposer en un demi-cercle parfait dans son assiette, sous nos yeux médusés.
Il fait nuit.
Les auto-tamponneuses sont rangées les unes à côté des autres, bâchées pour leur sommeil. Le grincement strident d'un camion poubelle se fait entendre.
J'ai le nez collé à la vitre.
Derrière moi, dans l'obscurité de l'appartement, une pendule hache menue le temps.
Mon oncle est couché sur son lit, tout habillé, comme s'il s'apprêtait à sortir (il ne lui resterait qu'à enfiler ses chaussures et à mettre sa casquette).
C'est la première fois que je vois un mort. J'ai failli écrire c'est la première fois que je vois mon oncle mort.
Ce n'est déjà plus lui. Bien que sa montre posée sur la table de nuit continue de donner l'heure.
Alors qu'il fait encore jour une employée des pompes funèbres passe. Elle me demande de l'accompagner.
Le cou de mon oncle est enflé comme s'il avait un goitre.
Avant même que je comprenne ce qu'elle fait cette femme me prend la main. Je résiste un peu. Elle me dit n'ayez pas peur. Et elle enfonce un de mes doigts dans la peau du cou de mon oncle, en m'expliquant que ce n'est là qu'une simple rétention d'eau.
Elle me dit encore, cela peut s'étendre assez vite sur tout le corps, il ne faudrait pas trop attendre de temps pour l'inhumation.
Pour passer la nuit ma tante m'a laissé la petite chambre qui sert de débarras et s'est aménagée un lit à même le sol dans la salle à manger, près de l'aquarium brillamment éclairé.
A peine endormi, j'entends un cri. Je me lève précipitamment. La chambre de mon oncle est éclairée.
Ma tante est là, debout en robe de chambre, penchée sur lui, en larmes, tremblante, à baragouiner je ne sais quoi.
Je la convaincs de retourner se coucher. Mais elle veut que je reste un peu auprès d'elle.
Je m'assois à ses côtés à même le sol. Mes yeux sont à la hauteur de l'aquarium. Sa clarté m'éblouit.
Soudain, elle se redresse brusquement et s'agrippe à moi. Je tente de la repousser, de me défaire de ses bras qui m'enserrent.
Je vois son corsage entrouvert, sa poitrine encore belle. Je vois dans ses yeux qu'elle voit ce que je vois et je comprends que c'est ce qu'elle veut.
Je vacille, et je pense que je vais basculer en avant. Mais au même moment mon attention est attirée par les poissons exotiques, par l'insouciance avec laquelle ils évoluent dans l'aquarium.
Dans la seconde qui suit, je réalise que j'ai oublié d'éteindre la lumière dans la chambre de mon oncle et je sens sous moi les doigts de ma tante se relâcher.
Je vois sa tête retomber sur l'oreiller.
Je vois ses yeux se fermer.
Je la vois s'endormir en ronflant.
Je me lève pour éteindre cette lumière dont mon oncle — ce mort qui ne peut plus vivre — n'a plus besoin et retourne dans ma chambre. Je n'ai plus sommeil.
Je regarde dehors, avec la sensation au bout des doigts du jeton offert à la fente des auto-tamponneuses.

Exposition collective à l'Atelier Cinq
Avec René Jacobs, Bernard Plossu, Michel Lozano, Marc Corigliano
LA VIE EST DIFFÉRENTE, Marc Corigliano
du 3 au 11 juillet 2026, 10h-20h, galerie l'Atelier Cinq, Place Voltaire (locaux du PCF), Arles.
Vernissage dimanche 5 juillet à 18 heures.
Signature du livre « La vie est différente » par Marc Corigliano, le vendredi 10 juillet à 19 heures.

Événements à l'Atelier Cinq du 3 au 10 juillet : CLIQUEZ ICI

De la neutralité en politique

Jean-Marie Baldner — 2026-07-04T19:27:00Z

Les faits. La veille du vernissage, le 13 mai 2026, à l'Alliance Française de Botafogo (Rio de Janeiro, Brésil), l'exposition la « Petite Encyclopédie Sociopolitique Illustrée du Brésil Contemporain » d'Andrea Eichenberger, est annulée et démontée.
Raison : L'Alliance Française, en tant qu'institution culturelle et association brésilienne est tenue à une stricte neutralité politique et ne peut maintenir l'exposition d'un travail artistique comportant « des prises de position politiques explicites sur la vie politique brésilienne et des acteurs politiques nommément cités ».

Les faits posent plusieurs questions. Pourquoi programmer l'exposition d'un travail artistique dont on sait, par des présentations précédentes — 2021, festival Fictions Documentaires de Carcassonne ; Festival international de photographie et d'arts visuels de Covilhã (Portugal) ; festival FestFoto de Porto Alegre (Brésil) ; festival Photaumnales —, qu'il ouvre à un débat politique ? En programmant une exposition, qui engage un travail spécifique de l'artiste, de la commissaire d'exposition et de toutes les personnes qui participent à son accrochage, ne s'engage-t-on pas, juridiquement et moralement, à mener le projet jusqu'au bout ? En régime démocratique, y compris dans un contexte diplomatique international, qu'est-ce que la neutralité politique ?

Tout en prenant acte de la violence que manifestent les faits, cette dernière question vaut peut-être d'être examinée avant d'aborder le contenu du travail de l'artiste. Dans le domaine politique, puisque c'est ce qui est en jeu — L'Alliance française, ONG culturelle, a, entre autres, pour mission de « promouvoir la diversité et le dialogue entre les cultures » —, comme dans le domaine axiologique, la neutralité ne signifie pas le refus du débat, des recherches et des opinions contradictoires mais le refus d'en adopter une ou de lui donner une valeur supérieure aux autres sous prétexte d'un contexte politique. Dans le domaine culturel, l'artiste est libre de ses questionnements et de leur mise en image dans la limite de son inscription dans les lois et les valeurs démocratiques et de leur respect. L'exposition est source d'un dialogue où peuvent être développées toutes les argumentations contradictoires et l'honneur revient à l'institution qui l'accueille d'en être le vecteur.

Revenons-en à l'exposition. Elle est le résultat d'un travail artistique réalisé en collaboration avec des chercheurs de différentes disciplines. Ce travail rassemble des photographies d'objets, de gestes et d'éléments de la vie quotidienne brésilienne qui ont acquis une connotation politique au cours de dix années (2013-2023). Que voyons-nous ? Sur fond blanc, des images de coxinha (pâte farcie au poulet), de mortadelle, du maillot auriverde de la Seleção, d'un couteau, du lava jato (nettoyeur haute pression)…, autant de mets et d'objets qui ont pris au Brésil, ces dernières années, valeur de symboles et sont le sujet de débats où s'animent des oppositions politiques virulentes qui dérivent quelquefois vers la violence. Faut-il pour autant exclure l'artiste qui met en scène cette symbolique de la société brésilienne ? Ce qui semble faire problème, c'est que ces images sont accompagnées de textes rédigés par divers scientifiques, historienne, anthropologue, chercheuse en art et langages, architecte-urbaniste... qui creusent « le dessous des images ». D'implicite le sens porté par l'image s'ouvre à l'explicite sans pour autant dénier à celles et à ceux qui les regardent leur liberté d'imaginaire et d'interprétation. Là se trouve la neutralité sans le risque de tomber dans une novimage qui dispenserait de toute pensée spéculative et de toute contestation.

Article initialement publié le 25 mai 2026 dans la revue d'art La Critique.Org.
Avec l'aimable autorisation de LaCritique.org et de Jean-Marie Baldner.

@eichenberger.andrea
www.andreaeichenberger.com

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