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Au mur de La chambre claire

Chong Jae-Kyoo 정 재규 — 2026-05-31T09:59:23Z

Le titre de l'ouvrage de Roland Barthes sur la photographie, « La chambre claire. Note sur la photographie », peut être compris à partir de sa relation avec la camera obscura (p.164). C'est à partir même de ce titre que j'ai pu trouver l'intitulé de mon propre travail d'interprétation relevant de la « photo plasticienne ». En effet, mes travaux de « photo plasticienne » peuvent, au sens littéral, être directement exposés sur les murs d'une « chambre claire ». La galerie, le musée ou l'espace privé où s'expose une forme plastique deviennent ainsi l'opposé de la « chambre noire ».

Si les textes d'interprétation de Roland Barthes [1] portant sur vingt-cinq photographies, ainsi que ces photographies elles-mêmes, furent présentés au public sous la forme du livre, mon point de départ, quant à lui, se situe au-delà des limites de la compréhension et de l'expérience de la photographie telles qu'elles s'élaborent à travers l'acte de lecture de cet ouvrage. Autrement dit, j'ai entrepris un travail d'interprétation plastique, visuelle et perceptive de ces vingt-cinq photographies, afin d'ouvrir, dans les galeries, les musées ou les espaces privés — c'est-à-dire dans des lieux opposés à la « chambre noire », où les formes plastiques sont exposées — la possibilité d'une expérience perceptive plastique et picturale de l'image photographique.

Chong Jae-Kyoo

« p.9, Daniel Boudinet : Polaroïd, 1979 / p.35, Alfred Stieglitz : Le terminus de la gare à chevaux (New York, 1893) / p.43, Koen Wessing : Nicaragua, L'armée patrouillant dans les rues, 1979/ p.45, Koen Wessing : Nicaragua, Parents découvrant le cadavre de leur enfant, 1979 », photo sur papier, découpage/collage, 90 x 64 cm, 2024

À propos du mode de prise de vue

La différence entre une interprétation textuelle et une interprétation plastique-perceptive ne saurait être réduite à une simple distinction de genre entre littérature et arts plastiques. En particulier, en résonance avec l'intérêt et la compréhension, à la fois techniques et philosophiques, que suscite aujourd'hui la physique quantique, j'ai voulu tenter une possibilité transgénérique à travers le rapport d'« intrication plasticienne » [2]. Dès lors, ce livre de Roland Barthes, son texte et les vingt-cinq photographies qu'il contient sont devenus, pour moi, le point de départ d'une nouvelle expérience de perception photographique.

À cette fin, j'ai commencé par photographier la forme extérieure de la couverture du livre, puis j'ai pris, dans l'ordre, les pages où les photographies apparaissent, en suivant leur succession comme on suit le fil d'une lecture. Je maintenais les pages du livre de la main gauche tandis que je photographiais de la main droite. En raison de l'épaisseur du volume, j'ai également utilisé, sur la table de travail de l'atelier, un récipient d'eau pour soutenir les pages, ainsi qu'une règle en plastique pour les maintenir en place.

Chong Jae-Kyoo

« p.173, André Kertész : Piet Mondrian dans son atelier, Paris, 1926 », photo sur papier, découpage/collage, 90 x 64 cm, 2024

Principe de composition plastique et transformabilité à travers la structure répétitive de la composition Studium plasticien : Punctum plasticien

L'écriture explicative et interprétative de Roland Barthes, déployée à partir de la seule image photographique, a également pu entrer en relation avec mon propre travail d'interprétation plastique. Il s'agit plus particulièrement des deux notions qu'il propose : le Studium et le Punctum. Dans mon cas aussi, ces deux concepts ont pu fonctionner comme une boussole orientant mon travail d'interprétation plastique. Ils peuvent ainsi être reformulés en « Studium plasticien » et « Punctum plasticien », ouvrant une nouvelle dimension au travail d'interprétation plastique de la photographie.

Dans la photographie générale, la relation entre Studium et Punctum est donnée d'une certaine manière ; dans ma « photo plasticienne », en revanche, la configuration de cette relation peut se trouver transformée. Autrement dit, la structure plastique peut y assumer la fonction de Studium plasticien, tandis que le phénomène plastique peut y exercer celle de Punctum plasticien.

Par exemple, la structuration plastique du « Néo-plasticisme » de Piet Mondrian pouvait, pour moi, se relier directement au Studium plasticien ; la composition géométrique générale fondée sur l'intersection de l'horizontale et de la verticale pouvait dès lors en constituer l'équivalent. En revanche, les phénomènes plastiques produits, dans chaque photographie, à partir de cette structure d'intersections géométriques, pouvaient relever du Punctum plasticien, se distinguant ainsi du Punctum propre à la photographie générale.

Par ailleurs, le Punctum plasticien pouvait également advenir du fait du rôle compositionnel lié au petit format des photographies. La structure d'agencement produite par la répétition identique d'images photographiques tirées en petit format (10 × 10 cm) et par leur combinaison avec d'autres photographies manifeste en effet une fonction de Punctum plasticien, dans la mesure où elle fait revenir de manière répétée le texte de Roland Barthes et son contenu à la mémoire.

Autrement dit, le plan bidimensionnel constitué par la répétition de petites photographies géométriquement abstraites au moyen de la technique du décollage de la surface photographique se trouvait dans un état de moindre reconnaissabilité de l'image, rendant possible, à due proportion, une expansion de la perception. Dès lors, la répétition d'images photographiques réduites à de petites unités revenait à une sorte d'agencement microscopique d'unités quantifiées de l'image photographique. Une telle hypothèse est rendue possible précisément parce que la surface de fond a atteint un seuil où la reconnaissance visuelle se défait. C'est ainsi qu'au cours de la mise en œuvre opératoire de la structure plastique, la fonction de Punctum plasticien assumée par les images photographiques devenues éléments plastiques a pu être confirmée.

Chong Jae-Kyoo

« p.170, Richard Avedon : A. Philip Randolph (The Family, 1976) », photo sur papier, découpage/collage, 90 x 64 cm, 2024

En résumé

Comparée à l'interprétation textuelle que Roland Barthes donne de l'image photographique, ma tentative d'interprétation photo-plasticienne n'est rien d'autre qu'une expérience de la « non-localité photographique » [3] dans le champ plasticien.

Si la première s'opère au niveau d'une sémantique imaginaire fondée sur une conceptualisation macroscopique, la seconde relève d'un événement perceptif correspondant à l'expérience de l'image photographique par une perception instantanée délocalisée, c'est-à-dire à ce que l'on pourrait appeler une « mesure plasticienne ». Il s'agit là d'un aspect relevant de la dimension micro-quantifiée de l'image photographique, et d'un mode d'approche qui tente d'accéder à l'image photographique en tant qu'« intrication plasticienne ».

Chong Jae-Kyoo

« p.137, Nicéphore Niepce : La Table mise, alentour 1822 (Musée Nicéphore Nièpce) », photo sur papier, découpage/collage, 90 x 64 cm, 2024

Chong Jae-Kyoo

« p.174, André Kertész : Le petit chien, Paris, 1928 », photo sur papier, découpage/collage, 90 x 64 cm, 2024

Chong Jae-Kyoo

« p.78. André Kertész : La Ballade du violoniste, Abony, Hongrie, 1921 », photo sur carton, découpage/collage, 100 x 70 cm, 2024

Chong Jae-Kyoo

« p.149, Alexander Gardner : Portrait de Lewis Payne, 1865 », photo sur carton, découpage/collage, 100 x 70 cm, 2024

[1] Roland Barthes, La chambre claire. Note sur la photographie, Paris, Les Cahiers du cinéma, Gallimard/Seuil, 1980

[2] « Intrication plasticienne » : néologisme que j'ai forgé à partir de l'« intrication quantique ». Sa généralisation a véritablement pu s'amorcer à partir du thème consacré par le prix Nobel de physique 2022, et je l'envisage comme la possibilité d'un paradigme susceptible de traverser l'ensemble des genres culturels. J'accorde une attention particulière à la propriété de « non-localité », en tant que phénomène quantique du monde microscopique venant déplacer la perspective relativiste générale propre au monde macroscopique. Cf. Carlo Rovelli, Helgoland. Le sens de la mécanique quantique, Flammarion, 2021

[3] « Non-localité photographique » : néologisme inspiré de la « non-localité quantique », caractéristique propre à l'intrication quantique. Celle-ci désigne le phénomène par lequel, indépendamment de la distance, les propriétés de deux particules se déterminent instantanément et simultanément l'une par rapport à l'autre. Si l'on considère les opérations d'imagination et de remémoration suscitées par l'image photographique ordinaire (l'image photographique en général) comme relevant d'un « réalisme local », la photo plasticienne pourrait alors être envisagée comme un « réalisme non local ». On définit souvent la photographie à partir de l'« irréalité réelle », en déployant une dialectique macroscopique et dualiste entre l'absence du réel et la réalité du phénomène imageant ; mais à travers les seuils perceptifs de la « non-localité photographique » et de l'« intrication plasticienne », il devient possible d'approcher une expérience de conscience microscopique et unitaire.

La chatte de Schrödinger

Chong Jae-Kyoo 정 재규 et Martial Verdier — 2025-07-29T08:54:59Z

Le rapport entre « Le temps de Plank du monde » et « L'origine du Monde » produit une intrication quantique relative et absolue comme la durée de la vision microscopique et le moment instantané de la singularité de l'univers.

Le temps de Plank du monde

Dans les paradoxes de la théorie des quantas, il y a, entre autres, l'intrication, « le temps de Plank » [1], le moment original n'est pas le temps 0 qui ne peut pas exister, mais un moment d'intrication absolue sans temps et sans espace. La quantification et le paradoxe de Schrödinger [2] qui, il y a exactement 90 ans, a établi un système ternaire, oui/non/peut-être…

Comme Lacan qui (peut-être) cachait L'origine du Monde derrière une version peinte par André Masson [3], voici « Le temps de Plank du monde » dans une version Lynchéenne.

Peut-être y a-t-il une image, peut-être pas, l'énergie noire l'aura fait disparaitre et quel est-elle ? Un système quaternaire « oui/non/peut-être/quoi ». Une rencontre entre Chong, Plank, Schrödinger et Lacan, un problème à quatre corps.

Martial Verdier

L'intrication quartenaire

Il y a égalité des rapports entre plusieurs perspectives dans la rencontre de la peinture d'André Masson et celle de Gustave Courbet, couverte comme par un vêtement, par le jeu de montrer-cacher, visible et invisible,

L'important est la rencontre intriquée à travers un système quaternaire plutôt qu'un système ternaire. Il y a une potentialité de rencontre essentielle dans un événement intriqué à entrées multiples.

C'est un événement quantique au niveau d'un jeu de superpositions plurielles à partir d'une superposition ternaire.

On peut remarquer deux sortes de superpositions, dans Le chat de Schrödinger et dans « L'origine du Monde » chez Lacan. Chez Schrödinger il y a une superposition ternaire : le chat mort ou vivant et un état définitif par mesure/ouverture. Lacan a introduit la superposition du jeu de montré/caché dans un système quaternaire : un visible cache un autre visible et l'ordre de l'espace et du temps les intrique doublement. C'est-à-dire l'état devant « L'origine du Monde » est toujours après « L'origine du Monde » et vice versa : l'état derrière « la peinture par André Masson » (= la peinture de Courbet) et toujours devant celle de Courbet (= la peinture de Masson). Cette propriété entre deux objets nous montre bien l'état heureux de l'intrication quaternaire avec les combinaisons différentes entre l'espace et le temps.

Ce système quaternaire nous révèle aussi une autre propriété potentielle : l'inversement de l'ordre du temps produit dans le mouvement quantique microscopique.

On envisage donc deux « Origines du Monde », par Gustave Courbet et par André Masson. Chaque toile portant le même titre, bien que la seconde n'existe que par la première.
Un jeu du mot paradoxal : l'état devant « L'origine du Monde » est toujours derrière « L'origine du Monde » ; l'état derrière « L'origine du Monde » est toujours devant « L'origine du Monde ». C'est le point de confusion du monde particulaire !

On pourra plus tard rencontrer des états non particulaires ! C'est-à-dire ondulatoire, mais c'est une autre histoire.

CHONG Jae-Kyoo

[1] Le temps de Plank, c'est le temps qu'il faudrait à un photon (l'objet le plus rapide de l'univers) pour parcourir une longueur de Planck (la plus petite longueur mesurable).

[2] Le paradoxe de Schrödinger, illustre la superposition quantique et la décohérence, à l'échelle macroscopique. Un chat est enfermé dans une boîte avec un flacon de gaz mortel qui peut se briser. Le chat est à la fois vivant et mort tant que nous n'ouvrons pas la boîte pour l'observer.

[3] Lacan a été le propriétaire secret du tableau, qu'il avait dissimulé derrière une version « soft » réalisée par André Masson. Le tableau était exposé dans son bureau, à la fois montré et caché.

Projet pour l'exposition/performance Sol Mur Temps/Intrication 2025 à l'Espace Icare à Issy les Moulineaux.
Du 08 au 27 septembre 2025, 21 artistes à Espace ICARE d'Issy-les-Moulineaux.
Un programme à télécharger :

Programme Sol Mur Temps/Intrication 2025

Exemple d'intrication quantique imagée, la couverture du n°164 de mai 2025 qui est liée avec cet article

Sol Mur Temps/ Intrication 2023

Chong Jae-Kyoo 정 재규 et Martial Verdier — 2023-08-04T09:30:07Z

L'exposition « Sol Mur Temps/ Intrication 2023 » montre le rapport des images techniques au corps. Elle questionne l'identité des artistes après le passage de la pandémie.
L'espace de vie devient le lieu de la création, lieu spatio-temporel entouré par le sol, le mur et le temps.

Dans l'acte créatif, les artistes, photographes, vidéastes, plasticiens et performeurs, ressentent l'intrication de la relation/tension entre espace/temps, corps/lieu, matériel/immatériel. L'exposition « Sol Mur Temps/ Intrication 2023 » montre comment ils l'expriment.

Pendant la pandémie, une scène microscopique s'est ouverte à notre insu. Un microscopique Coronavirus s'est installé chez nous pour nous regarder évoluer dernière nos masques (de carnaval). Ce visiteur fut en fait un spectateur / réalisateur qui nous surveillait et décidait de nos sorties et entrées d'une scène confinée.
Nous avons perdu notre rôle d'observateur pour celui de regardé, d'observé.

Carlo Rovelli défend l'idée de deux sortes d'informations : « les informations physiques » et « les informations mentales ».
L'exposition-manifeste, « Sol Mur Temps / Intrication » met en scène l'information physique, Sol - Mur, et l'information corporelle, gestuelle, Temps. L‘Intrication en référence à « l'intrication quantique », nous donne l'occasion de réfléchir le sens potentiel des intrications plastiques et esthétiques.

Lors du vernissage et du finissage, le visiteur participera à une expérience VR corporelle et gestuelle, de mobilité technique, de peinture par balayage, de performance, de projections et d'immobilité technique classique, peinture, photographie, installation.
Les artistes créeront in situ et intriqués et/ou intriquants (ex situ).
Mais la scène principale se jouera pour notre hôte, invisible au spectacle depuis trois ans.

L'espace Icare, acteur de ce projet, lui aussi, a fait l'expérience du statut de « non-site » au sens que lui donne Robert Smithson, certains des artistes y ont fait l'expérience de « non-vernissage » pendant les confinements. Ainsi lieux et artistes ont fait l'expérience d'être à la fois Art et non-Art (A & Ã), visible et non-visible.

L'exposition intriquée et ubiquiste se révélera pour le vernissage le 5 septembre 2023 de 15h à 21h et pour le finissage le 21 septembre de 15h à 21h. Les spectateurs pourront constater la tension et la relation entre deux espaces à la fois séparés, mais en même temps situés dans un même établissement, la scène et la salle d'exposition.

17 artistes : Hyun BACH, Hantu (weber+delsaux), Monique CABASSO, Jae kyoo CHONG, Alexis HAYÈRE, Bora HONG, Sungyeon HONG, Jaeyoung KIM, Jina KIM, Sunmi KIM, Hyeoki KWON, Eunyoung LEE PARK, Xavier LUCCHESI, Olivier PERROT, Minseo SHIN, Martial VERDIER, Cheyon WOO.

Jae kyoo CHONG

Arc de Triomphe empaqueté n°8
Hommage à Christo et Jeanne Claude
photo, papier kraft sur toile, tissage collage, 146 x 114 cm, 2022, Photo mobile 20-19/01/2023

Eun Young LEE PARK

Le Regard de Dieu
Video HD

Bora HONG

M v2
2022, Photographie digitale, dimension variables

Alexis HAYÈRE

Structures d'encre
Encre de Chine sur papier, 2022

Hyeoki KWON

Halo
2022, LED spot lentille résine, dimension variable

Hantu, Weber/Delsaux

Vous voici en curieuse compagnie
Performance 55, 2021

Minseo SHIN

Il ne reste qu'un écho
2021, Photographie numérique, écran, sangle de fixation, cailloux, dimensions variables.

Hyun BAHC

Côte Perdue
2022, vidéo installation, 7 min 35 sec

Jaeyoung KIM et Cheyon WOO

Sticky Cruelty
2022, Installation vidéo, matériaux mixtes, dimensions variables

Jina KIM 은밀한 정원

Jardin secret
2022, Vidéo Ultra HD 20'34

Sunmi KIM

With love and light V
Diptyque, poudre de marbre et pigments, fils, 50 x 65 cm et dimensions variables, 2016

Sungyeon HONG

Hiden 5
2022, Encre sur papier, 33,3 x 24,2 cm

Xavier LUCCHESI

Abdo Whisky dans un bar à Wuhan, 2023

Monique Cabasso

Lumière portée
Transfert photo sur galets, installation, 2019

Olivier PERROT

Le dernier Vol 58
Tirages sur Dibond, 40 x 60 cm, 2023

Martial VERDIER

Eau Mur Ciel
Photo enchâssement, État 1 de l'intrication.
Tirage sur bâche, 1 m x 1 m, 2023

Espace ICARE
31, boulevard Gambetta 92130 Issy-les-Moulineaux FRANCE
01 40 93 44 50
www.espace-icare.com
Performances de clôture jeudi 21 septembre à partir de 15 h.
– Expo ouverte du mardi 5 au vendredi 22 septembre de 10 h à 17 h 30.
– Expo fermée le vendredi 8 et samedi 9 septembre (forum)
– Fermée le dimanche.

Chong Jae-Kyoo

Chong Jae-Kyoo 정 재규 — 2019-11-01T14:36:43Z

100 fois sur le métier Chong Jae-Kyoo remet son ouvrage.

1. Chong Jae-Kyoo, « Dr.Tcheu Sok-Kiu (1926 - 2008) »,
101 x 74 cm, photo, papier kraft, tissage, 2013

2. Chong Jae-Kyoo, « Paik Nam-June »,
(d'après la photographie de Lim Young-Kyun)
140 x 100 cm, photo/papier kraft, tissage, 2010

3. Chong Jae-Kyoo, « Man Ray et Marcel Duchamp »,
140 x 100 cm, photo/papier kraft, tissage, 2010

4. Chong Jae-Kyoo, « Charlot 3D », 69.6 cm x 105.8 cm, photo/ paper kraft, tissage, 2013

5-1.Chong Jae-Kyoo, « Jacques Dutronc »,
100 x 140 cm, photo/papier kraft, tissage, 2010

5-2.Chong Jae-Kyoo, « Jacques Dutronc »,
140 x 240 cm, photo/acrylique//papier kraft, tissage, 2010

6-1. Chong Jae-Kyoo, « Styliste/Notre Dame de Moret »,
200 x 300 cm, photo sur bâche, 2016

6-2. Chong Jae-Kyoo, « Notre Dame de Moret »,
100 x 120 cm, photo sous verre, 2016

7-1.Chong Jae-Kyoo, « Bada Shanren_fish /rock » (n°1),
138 x 59.8 cm, photo/papier kraft, tissage, 2015

7-2. Chong Jae-Kyoo, « Bada Shanren_bamboo/rock » (n°2),
116.8 x 189.7 cm, photo/papier kraft, tissage, 2015

8-1.Chong Jae-Kyoo, « Bada Shanren/Andy Warhol » (n°3),
200 x 120 cm, photo/papier kraft, tissage, 2015

8-2.Chong Jae-Kyoo, « Bada Shanren/andy Warhol » (n°4),
200 x 120 cm, photo/papier kraft, tissage, 2015

9-1. Chong Jae-Kyoo , New York, le 11 Septembre 2001 (n°1)
(d'après 趙之謙印)
100 x 100 cm /140 cm (diamètre) chaque,
photo/acrylic/carton, découpage, 2004

9-2. Chong Jae-Kyoo , New York, le 11 Septembre 2001 (n°2)
(d'après 趙之謙印)
100 x 100 cm /140 cm (diamètre) chaque,
photo/acrylic/carton, découpage, 2004

10-1. Chong Jae-Kyoo, « 42ans de Lumière : 1977-2019 » (n°2),
Photo (1977)/encre de Chine/Papier kraft, découpage/tissage/collage, 172 x 114 cm, 2019

10-2. Chong Jae-Kyoo, « 42ans de Lumière : 1977-2019 » (n°5),
Photo (1977)/encre de Chine/Papier kraft, découpage/tissage/collage, 172 x 114 cm, 2019

10-3. Chong Jae-Kyoo, « 42ans de Lumière : 1977-2019 » (n°6),
Photo (1977)/encre de Chine/Papier kraft, découpage/tissage/collage, 172 x 114 cm, 2019
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11-1. Chong Jae-Kyoo, « Eglise de Moret » (1),
200 x 300 cm, photo sur bâche, 2019

11-2. Chong Jae-Kyoo, « Eglise de Moret » (1),
200 x 300 cm, photo sur bâche, 2019

11-4. Chong Jae-Kyoo, « Canal du Loing »,
200 x 300 cm, photo sur bâche, 2019

12-1. Chong Jae-Kyoo, « Eglise de Moret » (2),
200 x 300 cm, photo sur bâche, 2019

12-3. Chong Jae-Kyoo, « Henri Matisse/Prieuré de Pont-Loup »,
60 x 90 cm, photo sur aluminium, 2019

Lumière portée

Chong Jae-Kyoo 정 재규 et Jean-Louis Poitevin — 2019-05-26T16:11:08Z

CJK est un artiste coréen qui vit en France aujourd'hui depuis quarante années. Cela fait plus de la moitié de sa vie qu'il a quitté le pays natal, jamais oublié cependant, et qu'il a inscrit son œuvre dans une méditation profonde sur la grande tradition de l'histoire de l'art occidental non sans oublier les lieux de sa vie quotidienne présente et passée.
C'est pourquoi chacune de ses œuvres peut être comprise comme une sorte d'hommage à l'un ou l'autre de ces deux pays et à leur culture millénaire.

« Eglise de Moret »(2),
200x300cm, photo / bâche, découpage, 2019

C'est en balançant d'un bord l'autre tel un navire serein qu'il tisse son œuvre, à même la peau de l'image, à même le spectre des images, à même la trame d'absence qui ne cesse de surgir ineffaçable stigmate, dans les reflets du visible sur l'œil qui ne parvient pas à oublier.

Schizophrène culturel, CJK en sait plus que beaucoup d'autres sur les distinctions qu'il importe de faire entre ici et ailleurs, entre là et là-bas, entre lointain et proche. Et c'est à cette tâche spécifique qu'il consacre cette exposition : mener une réflexion d'ampleur sur ce qu'il en est du site, du lieu, de l'espace et du signe comme médium médiumnique faisant des allées et venues incessantes entre les pâleurs de l'âme et les rugosités de la terre.

L'art n'a pas une histoire, l'art est histoire parce qu'il raconte même quand il prétend le contraire, puisqu'il ne cesse de revenir sur lui-même boucle aimantée, creusant, semant, faisant croître et fauchant pour mieux pouvoir recommencer.

L'art est cette pratique incessante qui va de la terre à son éveil comme forme hantée par les forces qui sans cesse la font naître. C'est pourquoi le site est au cœur de toute méditation picturale comme photographique. Les images de CJK sont des images découpées en lamelles et recomposées par entrecroisements et tissage. Quel que soit le mode singulier choisi, le mélange, le décalage de positionnement, l'entrelacs de strates, le site toujours est là qui intervient à même l'image. Le site est ce qui a sauté du dehors dans l'image et qui à revers saute de l'image vers nous qui nous tenons au dehors.

C'est dans ce va-et-vient que se fabrique toute œuvre d'art. Le sachant, CJK fait porter aujourd'hui sa méditation sur le site même en utilisant des œuvres « originaires » du land art comme de son anticipation impressionniste. Il les traite à sa manière au moyen une interprétation plasticienne.

L'image, alors, quelle qu'elle soit, s'impose comme l'inévitable manière qu'a inventé l'homme de se saisir du lointain et du dehors à jamais insaisissable pour le mettre à la fois à portée d'œil et de main et surtout de cœur.

Pour cette exposition intitulée Lumière portée, il part des traitements que la photo plasticienne peut faire subir à des images du Land Art et il prolonge sa réflexion en l'appliquant au site de Moret-sur-Loing, à son église, son canal, ses arbres. Il revisite des images déjà existantes comme celles que Sisley y a peintes, lui qui s'installa ici. Cet endroit magique sous le ponceau de Sisley devient un havre de paix où il semble à la fois que tout coule, tout glisse, tout, sauf le temps qui, lui, semble s'être épris de ce site.

L'art alors, on le voit consiste à revisiter ce lieu immobile et à le mettre à nouveau en mouvement afin qu'il vienne, enfin, se jucher à hauteur d'œil jusque à toucher le cœur.

C'est que pour CJK tout a la densité de la terre, c'est-à-dire du rêve qui enveloppe toute notre vie, du rêve qu'est notre présence au monde, du rêve qu'est le souvenir d'avoir été avant même que d'avoir commencé à être. C'est cette coïncidence entre l'image et une image qu'il traque. Et lui, il le fait en découpant et tissant sans fin, tel un magicien obsessionnel cherchant la quadrature du cercle, des lignes droites à partir de la courbure mentale que le soleil dépose au fond de nos mémoires.

L'art est cette ambiguïté vécue et ce savoir intime porté par une incertitude absolue que la réalité de toute chose, lorsque s'affirme la sensation profonde de l'existence, est une bénédiction.

Site et lieu se retrouvent dans l'image mais pas comme image. Ils y surgissent comme puissance de transformation de l'image en un observatoire tactile et visuel des sensations variables mais intenses qui nous habitent lorsque nous ouvrons les yeux au monde.

CJK est de ceux-là qui pratiquent l'art comme un viatique.

Avec cette exposition Lumière portée, il s'avance vers son but qui n'est autre que le voyage même. C'est pourquoi grâce à son attention pour les chiffres, les dates et les commémorations, pour fêter des décennies d'amitié et de travail commun, et se souvenir de la remarquable exposition qui eut lieu en 2009 à Séoul, il a aussi invité ses amis du Groupe Novembre.

Chacun d'entre eux, MV, OP, XL, MC, viendra habiter le site de l'église avec une installation. Ainsi chacun prolongera la médiation de CJK et rendra un hommage à la pratique plasticienne de l'image photographique. Cela signifie pour eux que l'image est tout sauf une représentation, car c'est la présentation, en toute conscience, à travers des éléments visuels, de ce que le visible ne se réduit pas à ce que l'œil perçoit mais n'existe que s'il est porté et embrassé par une vision. Et une vision, elle, n'est pas seulement un fait qui a trait au visible. C'est un ensemble de gestes qui font et défont l'image, l'emportant avant même qu'elle ne naisse au-delà de la simple représentation, comme si elle était moins un double de ce qui est que le tapis volant permettant d'atteindre enfin, la hauteur du rêve.

« Eglise de Moret »(1), 300x200cm, photo / bâche, découpage, 2019

« New York Earth room/
Canal du Loing/Prieuré de Pont-Loup »,
200x80 cm, photo/ bâche, découpage, 2019

« New York Earth room/
Prieuré de Pont-Loup »,
180x120cm, photo / bâche, découpage, 2019

« Joseph Beuys/
Prieuré de Pont-Loup »,
180x120cm, photo / bâche, découpage, 2019

« Henri Matisse/
Prieuré de Pont-Loup »,
200x300cm, photo / bâche, découpage, 2019

« Canal du Loing »(1),
200x300cm, photo / bâche, découpage, 2019

« Canal du Loing »(2),
200x300cm, photo / bâche, découpage, 2019

LE MUR Prieuré de Pont Loup 2016
Lieu d'Art contemporain
10, rue Alfred Sisley - 77250 Moret-sur-Loing/Orvanne

Exposition in situ de Jae Kyoo CHONG // Photographies Plastiques

Du 31 mai au 21 juillet 2019

Vendredis, samedis, dimanches et jours fériés de 14h à 19h

Invité le Groupe Novembre

Commissariat Virginie Prokopowicz
Critique d'art : Jean-Louis Poitevin, membre de l' AICA

Vernissage le samedi 1 er juin à 18h//prieuré de Pont-loup

CHONG Jae-Kyoo - Rising Light

2018-01-28T18:30:19Z

CHONG Jae-Kyoo à l'occasion de sa grande expo rétrospective à la galerie GANA à Séoul nous explique les axes fondamentaux de sa démarche.

Une vidéo en coréen, CHONG Jae-Kyoo nous explique son travail

CHONG Jae-Kyoo - 정 재 규 from TK-21 on Vimeo.

Une vidéo de HA Mikyoung, Alain Wagner et Martial Verdier

Le geste de découper

Il y a dans les œuvres de Jae-Kyoo Chong la présence d'un geste obsessionnel, celui de découper. En effet, avant toute chose ce qui frappe et cela depuis qu'il s'est consacré à son travail de photo-plasticien, c'est que chaque œuvre est traversée de bandes fines. Une fois passé le premier moment de trouble devant ces œuvres qui sont à la fois absolument visibles et lisibles, et pourtant traversées par un brouillage généralisé, il est aisé de comprendre qu'au commencement il y a une image et que cette image a été découpée en lamelles. Il est tout aussi aisé de comprendre que ces lamelles ont été par la suite recollées. Il est encore plus aisé de voir que ces lamelles ont été tissées avec d'autres lamelles de papier d'emballage marron. À l'évidence notre besoin de reconnaissance est en général satisfait lorsque nous pouvons reconnaître le motif de départ de l'œuvre, un portrait de telle personne, ici le nouveau président des USA, Obama, tel lieu, ici par exemple le temple de Gyeongju, lieu hautement symbolique en Corée. Mais notre vision n'en est pas moins dérangée par le décalage et le tissage de l'image avec des bandes ne contenant aucune information et qui se mêlent dans la recomposition de l'œuvre.

Le geste de découper et de recomposer l'image est en fait pour Jae-Kyoo Chong l'affirmation de la nécessité de la prise en charge, dans l'acte de voir, de cette dimension oubliée de la vision qu'est l'hallucination.
En effet, une hallucination n'est pas tant la vue certaine et claire de quelque chose qui ne serait pas présent dans la réalité et ne serait donc pas perçu par le regard, que le signal d'une vibration signalant l'instabilité chronique du visible.

À travers ce geste de découper et de recomposer en tissant une image originelle, Jae-Kyoo Chong pose l'équation suivante : voir, c'est halluciner, puis corriger et enfin établir l'image. Voir, c'est sentir avant toute chose que ce que l'on voit n'est pas nécessairement réel et vrai, mais que c'est le fruit d'une alchimie secrète. Voir, ce n'est pas recevoir une information mais percevoir quelque chose qui n'a pas de forme définie. Ensuite, voir c'est constituer à partir des tremblements de ces éléments purement visuels, quelque chose qui s'adresse à la part rationnelle de notre esprit. Et ce quelque chose ainsi recomposé devient porteur d'information.
Le geste plastique complexe de Jae-Kyoo Chong fonctionne comme une métaphore active du geste de voir. Ou plutôt comme sa transcription. Ce qui nous est donc ici donné à voir, c'est moins une image qu'un processus. Héritier des avant-gardes du début du XXe siècle, des formalistes russes et de Mondrian en particulier, Jae-Kyoo Chong assume parfaitement ce qu'elles nous ont appris, à savoir que ce que l'on a longtemps appelé le motif ne touche pleinement le spectateur que s'il est porté par la mise en abîme du processus même de la perception. Ce que le geste plastique de découper et tisser de Jae-Kyoo Chong sait rendre avec une actualité renouvelée, c'est d'éveiller en nous, par des moyens rationnels, notre puissance d'hallucination sans laquelle le réel resterait sinon invisible du moins aussi froid qu'un cadavre.

Gana Art Center -
Jongno-gu, Pyeongchang 30-gil, 28 - Seoul, Korea
A partir du 2 février 2018

Le tissage du temps

Chong Jae-Kyoo 정 재규 — 2015-10-28T10:54:42Z

Mon travail de tissage entrelace les bandes verticales d'une image photographique découpée verticalement et celles d'une feuille de papier kraft découpée horizontalement (ou réciproquement).

Chong Jae-Kyoo, « Pa Ta Shan Jen »

116.8x189.7cm, photo/papier kraft, tissage, 2015

Il montre le processus de perception du temps projeté et celui de la production — le temps du monde — comme celui qui relie une promesse et sa réalisation.

Ce tissage de l'image photographique et du papier kraft, produit l'entrecroisement de la trace du passé et de l'objet du présent. Il entrecroise ainsi l'espace photographique qui est le présent du passé et l'espace du futur dans le présent. Sur l'ensemble de la surface tissée, l'image photographique, comme vestige du passé, se libère de sa fixité et le papier kraft se libère lui de sa matérialité. De même, les formes peintes au pinceau sur le papier kraft s'élèvent sur le fond.

Face à cet état de libération rcréé à partir du travail photographique, j'éprouve le même sentiment que celui d'un alpiniste parvenu au sommet d'une montagne.

Le tissage ne crée un événement que dans l'espace du futur accompli…

Voir en ligne : Le nouveau site de Chong Jae Kyoo

Images
Thomas Baronnet et Thibaut Tavernier
Montage
Thomas Baronnet et Lucien Giraud
Remerciements
Mi-Kyoung Ha-Chang
Association CAMERA
Ateliers Les Arches d'Issy

Photo-physique

2015-03-25T11:43:23Z

La photographie est une image technique produite par un appareil photo. En ce sens elle est un rapport entre science et philosophie, entre matériel et pensée.

C'est une définition rationnelle, mais la photographie est confrontée dès l'origine à une mythologie magique, et cela depuis les camelots du Pont neuf au Moyen Âge qui montraient des revenants dans leur camera obscura, ou Della Porta au XVIe s dont les visiteurs étaient effrayés en voyant sur le mur des petits personnages se déplaçant la tête en bas et qui a été accusé de sorcellerie, jusqu'à nos écrans qui projettent des propositions ubiquistes de réalité et la confusion magique entre l'objet et son image.

« Photo-physique » désigne pour nous ici, l'action de l'homme sur « l'appareil » [1] et le dépassement de la conception indicielle de la photographie. La photo-physique, sorte de photographie adulte, est sortie du « ça a été ». Elle représente le concept de la photographie, la création de la volonté du photographe.

La photo-physique, sorte de pâte à physique, peut ainsi se passer d'appareil et le geste [2] de la photographie se retrouve en décalage avec sa forme présupposée.
Dans le cas d'Olivier Perrot ou de Chong Jae-Kyoo l'image se fait même hors de la chambre noire, camera obscura ou laboratoire. Toute la création est dans la lumière.

La photo-physique se dégage des nouveaux moyens de production, totalitaires, pour s'emparer de la représentation. L'obsolescence « programmée » de la photographie laisse progressivement place à un magma d'images, mais elle permet désormais de s'en saisir à d'autres fins.

La photo-physique met l'accent sur les aspects discrets quelquefois ignorés ou cachés de la photographie tout autant que sur les processus de création et de réception : le choix du sujet (ou de l'absence de sujet a priori) et l'editing, la sélection des images a posteriori.

Chez Chong Jae-Kyoo, ces deux étapes sont fondamentales, son travail s'appuie sur la symbolique des lieux ou des personnages. Les monuments coréens renvoient à des épisodes difficiles de l'histoire de son pays, Marcel Duchamp et Man Ray à la rupture de l'histoire de l'art et à la création libre et ironique.

Dans ses œuvres des mondes se croisent, la photo et le dessin, le papier photo et le papier kraft. Son travail de tissage est en soi une forme de méditation. Les longues heures de découpe et de montage occupent les mains et libèrent l'esprit qui reconstruit les nouvelles images avec de légères et subtiles variations. L'œuvre devient à la fois abstraction et réalité.

Olivier Perrot ne s'embarrasse pas de figuration, ses photogrammes jouent avec l'air, la lumière, le soleil. Ce sont les ombres qui dessinent. Les formes indéfinissables, ténues et subtiles qui forment ses paysages restituent la lumière. Pour aller plus loin, il préfère aujourd'hui le développement numérique au développement chimique.
Les images s'alignent en multiples pour former un horizon composé de tous les horizons, un hors-champ continu qui se répète. Ses plages sont celles des regardeurs, il nous donne les indices pour créer nos images.

En espérant apercevoir la vraie magie du monde, ils tissent, physiquement, éthiquement, métaphoriquement, le papier et la lumière.

[1] Vilèm Flusser « , Pour une philosophie de la photographie, Éditions Circé, p. 252. Sur TK-21 : 252

[2] Vilèm Flusser, Les Gestes, Éditions HC - D'Art, p. 407. Sur TK-21 : 407

L'instant au mur

Chong Jae-Kyoo 정 재규 et Groupe Novembre — 2013-05-28T22:45:50Z

Créé à Paris en novembre en 1997 par six photo-plasticiens le Groupe Novembre s'est donné pour objectif l'invention d'un nouveau langage photographique, en intervenant directement sur l'image, soit lors de sa conception, soit lors sa fabrication ou encore lors de sa présentation.

정재규 / 한글 번역 텍스트

Happy New Tree

Chong Jae-Kyoo ? ??

1970-01-01 01:00:00

L'enjeu pour la photo plasticienne à travers l'activité du Groupe Novembre est d'interroger la fonction de représentation considérée comme inhérente à la photographie depuis son invention et de construire un nouveau rapport entre l'image photographique et la conscience collective. Celle-ci est en effet mise à mal par l'exposition automatique de chacun aux images. Cette hyper sensibilisation est liée à l'usage utilitaire que fait de la photographie la société de consommation dite aussi société de l'information. Les deux facteurs fondamentaux qui exacerbent cette sensibilisation aux images sont la fascination pour le « référent » et l'illusion encore actuelle de ce que l'image est toujours « acheiropoïète », c'est-à-dire qu'elle ne serait pas « faite de main d'homme ».

Chella 3

Xavier Lucchesi

1970-01-01 01:00:00

Après l'annonce continue de la mort de Dieu, on doit cependant constater qu'un autre dieu existe toujours. L'image technique a en effet pris la place de l'ancienne divinité et s'impose en tant que Dieu/Image.
Cette nouvelle fascination-croyance, individuelle et collective a pour conséquence l'aliénation des deux données majeures pour la conscience, le temps et l'espace. La conscience du sujet-spectateur est en effet vrillée par le mode d'existence de l'image — une simultanéité technique entre présence et absence — qui est toujours à la fois et en même temps ici et ailleurs.
Cette simultanéité technique, fondement de l'efficacité de la communication et de l'utilité informative, constitue le miracle du simulacre qui est en même temps simulacre d'un miracle.
Cette aliénation technique permet aussi de passer de la fusion entre objet et image à une confusion entre les deux.
Pourquoi l'image ne serait-elle pas réelle et l'objet irréel ? Pourquoi l'image photographique ne serait-elle pas plus réelle que l'objet photographié ? Pourquoi le moi/sujet réel serait-il plus réel que l'autre/objet ?
De plus comme le mettent en évidence les jeux vidéo, on peut atteindre à une sorte de confusion, potentiellement dangereuse voire mortelle, entre réalité et irréalité.
L'objet représenté a plus d'existence que l'objet réel, ce dernier n'a même plus besoin d'exister. Réel et virtuel se confondent.

Face à l'état actuel et si problématique de l'image photographique, le Groupe Novembre veut proposer au public une relation directe à travers une confrontation « instantanée » avec l'image placée au mur.
L'impasse du mur devient ici le lieu de l'ouverture à la présence réciproque des lumières ; la lumière enregistrée techniquement dans la photographie et la lumière du mur qui fait face.

Photogramme 2012 - Megalithes

Olivier Perrot

1970-01-01 01:00:00

La présence de la lumière dans l'événement passé intériorisé par l'image photographique devient « présence de la lumière dans le présent ». C'est ce qui crée la sensation d'instantanéité.
Dans ce contexte, l'image photographique devient présence de la lumière en tant qu'être-lumière. Elle n'est plus un objet de pensée ou la traduction d'un concept. Cette opération plasticienne s'effectue par divers moyens, analogiques et techniques, qui font du Groupe Novembre les activateurs d'un « hologramme analogique, psychique et psycho-social ».
Cette luminosité qui passe à travers les lumières, celle de l'image et celle du mur, est un écho direct du pré-individuel naturel dans le processus de l'individuation psychique et psycho-sociale dont parle Gilbert Simondon.
L'importance de l'instantanéité dans l'instant du regard posé sur le mur où deux lumières se rencontrent constitue la véritable force de l'image photographique, au sens où l'invente en particulier Le Groupe Novembre.

???? - Yi Qingzhuang (est)

Martial Verdier

1970-01-01 01:00:00

Malakoff 01-05-2013

Voir en ligne : http://www.groupenovembre.com

Le groupe Novembre : Monique Cabasso, CHONG Jae-Kyoo, Xavier Lucchesi, Olivier Perrot, Salvatore Puglia, Martial Verdier

La photographie comme un matériau

Bernard Gerboud † et Chong Jae-Kyoo 정 재규 — 2012-07-21T09:23:42Z

assembler, découper, coller

CHONG Jae-Kyoo déstructure la photographie en la dédoublant et en la découpant en fines lamelles qu'il tresse ensuite et il la mêle parfois à la calligraphie. Il traite la photographie comme un matériau et comme un geste (assembler, découper, coller...) avec une puissance qui destitue le référent. Par son interrogation du médium et par les hybridations qu'il lui fait subir, sa photographie devient alors déconstructive, offrant un regard multiple sur l'image.

Il livre fréquemment des images urbaines qui décomposent le paysage de la ville.