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Anna-Eva Bergman

Suzanne Anger — 2022-07-31T11:24:06Z

Une visite à la fondation Hartung-Bergman, à Antibes et une présentation de l'exposition actuelle autour des œuvres d'Anna-Eva Bergman.

Au sein d'une oliveraie de deux hectares, un ensemble de maisons blanches comme on en trouve tant dans le sud de la France. Située sur les hauteurs d'Antibes, dans les Alpes-Maritimes, la fondation Hartung-Bergman ouvre ses portes au public de mai à septembre, trois jours par semaine. C'est donc presque par hasard que j'y entre, poussée par une envie de découvrir un peu plus le patrimoine de la région dans laquelle j'ai grandi, et que, honteusement, je connais encore si peu.

Pensée du vivant de Hans Hartung et Anna-Eva Bergman, la fondation est créée en 1994 et fonctionne depuis comme un centre de recherche, visant à permettre le rayonnement de leur travail en France comme à l'étranger. En 2022, la décision est prise d'ouvrir une exposition au public, Les archives de la création, visible du 11 mai au 30 septembre. L'exposition est divisée en trois parties : une salle de projection commune aux deux artistes, puis d'un côté, l'atelier et les tableaux de Hans Hartung, et de l'autre, l'espace consacré à Anna-Eva Bergman. Dessinatrice hors pair, cette dernière a tout pratiqué : gravure, peinture, illustration, huile, ou encore aquarelle. Il est même possible d'envisager sa pratique de la peinture comme située à la limite de la sculpture, ses toiles texturées pouvant s'apparenter à des bas-reliefs. L'exposition propose une rétrospective du travail de l'artiste montrant l'évolution de son travail au fil des étapes de sa vie et des thématiques qui l'ont animée.

Anna-Eva Bergman, N°26-1962, Feu 1962

Huile et feuille de métal sur toile 250 X 200 cm Collection Fondation Hartung-Bergman

L'exposition a lieu dans les ateliers du couple d'artistes. Ces grands espaces, exposés plein nord, offrent une lumière continue, diffuse et homogène aux tableaux et dessins présentés. Autant de lumière naturelle pour la contemplation de tableaux est un luxe, car cela nous permet de saisir pleinement les couleurs et les sentiments exprimés dans les toiles. En effet, la lumière est une thématique centrale du travail de Bergman. En plus du choix de la ville d'Antibes, l'orientation des fenêtres de son atelier n'est pas une décision anodine, elle lui permettait d'avoir accès à tous types de luminosités et de couleurs tout au long de la journée. Cette fascination pour la lumière se retrouve aussi dans les techniques utilisées : le travail du métal, que ce soit à la feuille d'or, d'argent, de cuivre ou encore d'aluminium, a eu pour vocation d'exploiter au maximum la luminosité naturelle. Inspirée des grands peintres de la Renaissance et des artistes viennois tels que Klimt, Bergman va se former au travail de la feuille métallique, puis va progressivement s'éloigner du traditionalisme de la dorure pour venir peindre, gratter, frotter, superposer les mediums et ainsi laisser apparaître la sous-couche de couleur mélangée aux reflets métalliques. De cette façon, chaque tableau est un monde en soi, concept qu'elle appelle un « perpetuum mobile ». Le spectateur tourne autour de la toile comme s'il cherchait à découvrir tous les aspects d'un monde, toutes les facettes du tableau. Le mouvement, mais aussi le changement d'éclairage naturel ou artificiel, nous permet d'appréhender les reflets, les variations de lumières, de couleurs, le volume et la texture du métal gratté et déformé. Le changement d'atelier de Paris à Antibes conduit justement Bergman à libérer sa pratique, le gain de place lui laissant l'opportunité de s'essayer au grand format.

Anna-Eva Bergman, N°11-1960, Grande vallée 1960

Huile et feuille de métal sur toile 200 X 300 cm Collection Fondation Hartung-Bergman

De la thématique de la lumière découle la question du temps et du voyage. Artiste suédoise et norvégienne, Anna-Eva Bergman a longtemps vécu en Espagne, en Allemagne, et enfin en France, à Paris et à Antibes, des années 70 jusqu'à sa mort en 1987. Femme multiculturelle, la nostalgie de son pays d'origine se ressent dans ses toiles où la Norvège est présente, des tableaux à l'allure mélancoliques. Cette présence se retrouve dans les émotions ressenties mais aussi vis-à-vis de ce qui est représenté : le paysage se distingue dans les œuvres « abstraites », notamment par la présence d'éléments récurrents. La nuit, symbole de nostalgie, a fait l'objet de toute une série, et l'eau est présente sous plusieurs formes, la pluie et les vagues. Dans ces toiles, nous assistons à un choc entre l'inspiration de la nature et l'apocalypse civilisationnelle : Bergman opère un retour aux sources, un retour à l'inspiration minérale et archaïque. Les paysages norvégiens sont par conséquent de plus en plus présents, faisant écho aux paysages maritimes azuréens. En visite à Antibes, nous profitons des lumières du Sud, et nous imprégnons des souvenirs du Nord.

Anna-Eva Bergman, N°67-1966, Grand océan, 1966

Vinylique et feuille de métal sur toile 250 X 200 cm Collection Fondation Hartung-Bergman

Vue de l'exposition

Les archives de la création © Claire Dorn

Portrait d'Anna-Eva Bergman, Minorque, 1933

Photographie Hans Hartung

« Les archives de la création »
Exposition du 11 mai au 30 septembre 2022
Fondation Hartung-Bergman
Adresse : 173 Chem. du Valbosquet, 06600 Antibes
Tél : 04 93 33 45 92
https://fondationhartungbergman.fr

Frontispice : Anna-Eva Bergman, N°26-1955 Quatre formes, 1955, Huile sur toile, 81 X 100 cm, Collection Fondation Hartung-Bergman

Faust Cardinali - Polyptyque d'un polycorps

Faust Cardinali et Suzanne Anger — 2022-04-30T18:26:40Z

Nous découvrons l'évolution du travail de Faust Cardinali, comme une histoire racontée pas à pas, qui retrace des étapes de création.

Intriguée par le travail de Faust Cardinali, que je découvre à peine, je me dirige vers la Sorbonne où a lieu ce 26 avril une conférence animée par Yann Toma, président de la Sorbonne Artgallery, ainsi que par l'artiste lui-même. L'université, fermée pour cause d'agitation politique, est totalement vide et silencieuse. Je peine à trouver l'entrée de l'amphithéâtre dans ces couloirs résonnants. C'est alors que j'entends la voix joyeuse de Faust Cardinali, qui me guide jusqu'au petit groupe qui s'est formé autour de lui, et qui l'aide dans les derniers préparatifs avant l'ouverture de l'exposition au public. Un public qui ne sera, malheureusement, composé que de proches de l'artiste, les curieux faisant face à une porte fermée, au plus grand malheur de Faust Cardinali.

Faust Cardinali – étude pour musée à croissance délimitée (détail)

J'essaye alors de m'imaginer les premières impressions que pourrait avoir un public sur cette exposition. D'abord, l'absence de vue d'ensemble marque l'esprit. Les œuvres, présentées les unes à la suite des autres dans un long couloir qui fait office de hall d'entrée au bâtiment, permettent une appréhension progressive du polyptyque. Une après l'autre, nous découvrons l'évolution du travail de Faust Cardinali, comme une histoire racontée pas à pas, qui retrace des étapes de création. La combinaison de l'organique et du mécanique interroge les formes, les techniques et les concepts. L'apogée de l'exposition arrive avec le panneau 9 qui, comme un chef d'orchestre, vient donner vie à tous les autres panneaux. A la fois dernier et premier tableau, il vient conclure en apothéose ou au contraire, rythmer la contemplation. Ce travail de l'artiste, à la fois exposition et œuvre contemporaine, entre en résonance avec le lieu. Le minimal devient baroque, un minimalisme maximaliste, vient s'inscrire dans son décor : la Sorbonne semble être le lieu parfait pour présenter ce polyptyque.

Cette exposition donne à voir les sujets et les techniques qui composent le travail de l'artiste. Nous retrouvons la matière, le polyvinyle, à l'origine de sa pratique de plasticien, devenue sa marque de fabrique. La lividité organique produite par la résine devient alors une obsession, autant que la plastification du temps. Les tableaux apparaissent alors comme des synesthésies où les sons et la matière deviennent image. Les couleurs, les formes et les textures, liées par la résine, viennent composer un paysage dans lequel nous nous perdons, un voyage dans un monde coloré et silencieux.

Faust Cardinali – paysage mobile (détail)

Le polyptyque fait aussi écho au travail passé de l'artiste et à ses liens avec des projets architecturaux : « La maison de l'auteur », une maquette de la maison-atelier idéale réalisée avec un élève de la faculté d'architecture de La Villette dans les années 90 qui au fil des couches de résine successives devient sculpture. Dans l'exposition de la Sorbonne, l'architecture se démembre dans un paysage où la ville est lointaine. Nous devinons la construction, fragmentée dans chaque tableau.

Ce travelling sur un travail antérieur de l'artiste vient aussi annoncer un projet futur. Une série de crânes de sanglier plastifiés, véritables os retrouvés dans une forêt de Toscane, deviennent de nouvelles vanités, positionnées entre réalisme et science fiction, et viennent questionner la place de l'animal, du sanglier, dans l'histoire de l'art. L'animal plastifié, symbole de l'homme solitaire ou encore de la figure de l'anarchiste, s'inscrit dans une continuité plastique, entre histoire personnelle et histoire de l'art.

Quelle suite donner à ce polyptyque ? Les images pourront être agrandies pour devenir décors de théâtre, ou à l'inverse tellement réduites qu'elles ne seront visibles qu'au microscope, pour des spectateurs lilliputiens, qui pourraient comprendre les enjeux de la résine et de tous les nouveaux défis de l'humanité. En attendant, nous espérons tous une réouverture prochaine, et présenter cette suite de tableaux au fourmillement d'étudiants.

Voir en ligne : Sorbonne Artgallery

L'exposition sera visible dans la Sorbonne Artgallery jusqu'au 28 mai 2022.

Voir : www.sorbonneartgallery.com

Frontispice : Faust Cardinali – Tour totem

Aquarium et Astéroïde

Christophe Robe et Suzanne Anger — 2022-02-27T11:28:16Z

Une présentation empathique de l'exposition de Christophe Robe à la galerie Jean Fournier.

Pour sa troisième exposition à la galerie Jean Fournier, intitulée Aquarium et Astéroïde, Christophe Robe propose un ensemble intimiste d'une vingtaine de toiles allant du petit au très grand format.

Sur des murs blancs nus, les tableaux sont sublimés par une lumière naturelle. Aucun cartel ne vient donner d'information sur ce que nous voyons : c'est là un choix de Christophe Robe, qui souhaite laisser à celui qui les observe la liberté d'interprétation de ses toiles. Les tableaux sans titre poussent l'observateur à se laisser emporter au-delà de la toile et à connecter les œuvres entre elles. Les tableaux ne forment pas de série mais sont présentés comme des individualités qui résonnent entre elles. C'est dans ce silence coloré que se met en place le dialogue et que l'imagination suit son cours. Au fil de l'avancée dans la galerie, nous découvrons un univers à la fois aquarium et astéroïde.

Chaque tableau raconte sa propre histoire. Le processus de création, laissé visible, rend compte des questionnements de l'artiste, des étapes par lesquelles il est passé pour en arriver à ce que nous voyons. Pour certaines toiles, il faut parfois plusieurs mois. Elles attendent alors dans un coin de l'atelier, avant d'être reprises, lessivées, poncées, grattées, retournées. Les strates de création, visibles, sont nécessaires à la compréhension du tableau, car elles illustrent le cheminement de l'artiste comme celui de la toile jusqu'à ce qu'elle soit montrée dans la galerie. Ces différentes strates placent le geste au centre du tableau. Christophe Robe se laisse porter par le flux des mouvements, des couleurs et des techniques de peinture. Le temps qui est déployé dans la création permet d'éviter les répétitions, évince une routine, celle qui enterrerait la création.

Une distinction peut être faite entre les petites et les grandes toiles. En effet, les petits tableaux semblent représenter un fourmillement, un condensé d'émotions, une superposition de tout. Ces œuvres très prenantes donnent l'impression d'une tentative d'enfermement de quelque chose de grand dans un espace restreint. À l'inverse, face aux grandes toiles, l'observateur peut s'offrir une pause dans le voyage, un temps de respiration. Il est plus évident, ici, de voir les flux de peinture et les moments de la création. Et pourtant, Christophe Robe passe en général plus de temps à peindre les petits tableaux que les grands, revient plus dessus. Les petites toiles sont souvent une superposition de moments distants dans le temps, chacun ayant eu lieu à quelques mois d'intervalle, voire plus. Malgré cette distance, ces tableaux dévoilent une certaine continuité plastique et une constance d'intention. Les grandes toiles quant à elles sont souvent peintes dans un temps plus restreint, de quelques semaines.

Dès l'entrée dans la galerie, le voyage commence. L'alternance des couleurs et des formats constitue un chemin semé de respirations, une partition rythmée de pauses et d'émotions. Dans la salle du fond, entouré de trois grands formats, le regard navigue de l'un à l'autre, compare les couleurs, trouve des échos entre chaque toile, y cherche des significations qu'il s'imagine cachées. C'est bien là le but de Christophe Robe : permettre à chacun de voir ce qu'il veut. Mais il faut pour cela qu'un dialogue s'instaure entre les tableaux et ceux qui les regardent. Ce sont des paysages synesthésiques sans lieux ni décors. Les couleurs évoquent aussi des sons, le toucher que l'on s'imagine se mêle à des parfums, une chaleur saisonnière se dégage de certains tableaux. Christophe Robe ne peint pas à partir de souvenirs ou d'éléments figuratifs empruntés au réel mais cherche à représenter un moment émotionnel. Les toiles sont à la fois très personnelles et universelles. L'abstraction offre un moyen d'éviter un surplus d'informations visuelles superficielles et donne des clés de lecture accessibles à tous. La peinture est un moyen pour l'artiste de montrer son rapport au monde réel et au monde des images. Il donne à voir ce qu'il n'a pas conscience d'avoir vu, des expériences sensibles plus que des moments ou des souvenirs précis. Les tableaux n'ayant pas pour but d'être narratifs, ce sera alors à l'observateur d'inventer un lieu à ces paysages imaginaires ou d'associer un souvenir à ce qu'il voit et ainsi de créer un récit qui lui soit propre.

L'exposition « Aquarium et Astéroïde » de Christophe Robe a lieu du 8 janvier au 12 mars 2022 à la galerie Jean Fournier.

Enfin le cinéma ! Arts, images et spectacles en France (1833-1907)

Suzanne Anger — 2022-01-30T18:23:31Z

Initialement venue au Musée d'Orsay pour une simple découverte culturelle, je me trouve finalement face à une exposition qui semble animer cet édifice longtemps resté figé.

« Enfin le cinéma ! » offre la possibilité de vivre et percevoir de nombreuses œuvres d'art sous un nouvel angle. Par son nom, cette exposition temporaire laisse entrevoir une énième présentation des prémices du cinéma. Dès lors, nous pouvons, avant même l'avoir visitée, imaginer sa composition : une étude chronologique de son histoire, un éventail des premiers films, les méthodes de diffusion… Pourtant, une fois sur place, nous comprenons que cette exposition n'a rien d'une fouille archéologique et rétrospective du 7ème art.

Dominique Païni, commissaire général de l'exposition, souligne, dès la brochure : « le cinéma est un « balcon » depuis lequel nous pouvons comprendre les lois d'accommodation optique, psychologique et sociale qui ont vu naître le spectateur des images en mouvement [1] ». Il est alors évident, avec l'appui de cette citation, que la dénomination de cette exposition ne fait pas écho à l'émergence de ce nouveau média qu'est la projection, mais au contexte qui a donné lieu à une « urgence technologique et esthétique nouvelle : la cinématographie [2]. » La singularité de cette exposition repose alors dans sa nouvelle approche du 7ème art. En somme, ce qui est exposé n'est pas le cinéma, mais « ce que le cinéma a inventé : le spectateur moderne [3]. » Un spectateur en mouvement, qui change avec son temps. Au fil de la visite, nous assistons à l'affirmation d'un 7ème art qui a eu du mal à trouver sa place auprès des autres disciplines artistiques, mais qui est de plus en plus présent dans sa singularité. La fin de l'exposition illustre les nouveaux comportements induits par la caméra, une attention portée sur le cadrage ou encore une nouvelle forme d'érotisme portée par le voyeurisme de la caméra. Aussi, le spectateur moderne est un ouvrier. Il ne vient plus d'une élite instruite mais d'un milieu modeste, et comprend ce qui lui est montré : des scènes du quotidien et des thématiques banales. Elle agit comme une mise en contexte de la ville, mais surtout de la vie moderne au moment de l'invention du cinéma, à l'aube du XXe siècle. Nous y percevons ainsi l'amorce d'un passage à l'ère de la technique, la transition d'un monde artisanal à un monde industriel. Le cinéma serait, au travers de cette exposition, le résultat d'une quête de l'artiste afin d'arriver à saisir le monde moderne : sa vie, ses acteurs, ses machines, mais surtout son mouvement.

Un parcours dynamique, le regard toujours en mouvement

Le mouvement se ressent non seulement dans les œuvres présentées, mais aussi dans la mise en place de l'exposition.

Tout d'abord, la visite est rendue dynamique par le nombre important d'œuvres – près de 300 œuvres sont sollicitées –, la diversité des médiums et des courants artistiques ainsi que les cartels détaillés. Nous ne manquons pas d'éléments visuels à observer durant notre avancée dans l'exposition. La recherche de mouvement et de dynamisme se retrouve sur les murs, les œuvres étant placées de façon à reproduire la trame d'une pellicule de cinéma qui semble se dérouler.

Dispositif de présentation respectant une ligne d'horizon rompue par le placement déséquilibré des œuvres, exposition « Enfin le cinéma ! »

Musée d'Orsay, Paris, photographie de M. Ricci.

Tout cet ensemble offre alors une trame logique dans la visite. Le parcours thématique permet ainsi au visiteur de trouver sa propre cohérence et son rythme dans la déambulation. Nous sommes plongés dans un dispositif expographique comme des acteurs du film « Enfin le cinéma ! ». Ce parti-pris est accentué par le choix des couleurs murales faisant écho au monde du cinéma et du spectacle : rouge, gris très foncé ou noir. L'entrée de l'exposition nous permet d'être immédiatement imprégnés dans le thème. Plongés dans un noir quasi-total, il nous semble pénétrer dans une salle de cinéma où le film s'apprête à commencer. Un calme plat qui marque une rupture forte avec le hall de gare bruyant et baigné dans la lumière. Nous devenons, à cet instant précis, acteurs de ce dispositif, comme immergés dans un documentaire filmique.

L'art à l'époque de sa reproductibilité technique

Cette exposition illustre le changement de temporalité qu'a connu l'art à l'époque post-industrielle. « Enfin le cinéma ! », comme précédemment souligné, n'est pas fondamentalement basée sur le cinéma, mais agit comme une mise en contexte de la ville et de la vie au moment de son invention. Cela se retrouve surtout dans les premières salles, qui mettent en place un contexte social, scientifique et économique lié à l'apparition du cinéma. Le début de la visite présente les grands chantiers parisiens du XIXe siècle et les différentes expositions universelles à travers les prémices de la photographie, de la projection et du spectacle vivant. Avant le cinéma, d'autres inventions ont vu le jour. D'abord la photographie qui s'est rapidement fait sa place parmi les arts, mais aussi, moins connu, le diorama. Avec deux œuvres en une, le Campo Santo de Pise de Louis Daguerre [4] capte tous les regards. Il représente à la fois un espace intérieur et extérieur. L'éclairage change progressivement sur le tableau, comme une boucle, modifiant les couleurs et donnant aussi des temporalités différentes à la scène. Il s'agit d'une retranscription de mouvement dans une seule et même œuvre en deux dimensions. Un principe simple : la toile très fine est peinte des deux côtés, ainsi, lorsque la luminosité est modifiée, les couleurs du tableau changent pour donner une impression d'évolution. La scène peinte se retrouve alors soit en plein jour, soit au coucher du soleil.

Louis Daguerre (1787-1851) et Charles-Marie Bouton (1781-1853), Le Campo Santo de Pise

Huile sur toile, 92 x 152 cm, Musée d'Orsay, Paris, photographies de M. Ricci.

Louis Daguerre (1787-1851) et Charles-Marie Bouton (1781-1853), Le Campo Santo de Pise

Huile sur toile, 92 x 152 cm, Musée d'Orsay, Paris, photographies de M. Ricci.

L'exposition propose un parcours thématique et non chronologique, favorisant les dialogues entre médiums. Les différentes techniques se répondent et viennent se compléter. Le cinéma vient dialoguer avec ses contemporains pour apporter un regard différent sur un même sujet. L'image ci dessous montre les similarités de couleurs et de motifs entre le mobilier, les affiches, le cinéma : des mondes distincts qui se retrouvent dans les tendances visuelles d'une époque.

Photo de Laurent P. prise sur sortiraparis.com

Cette confrontation de médiums pose une question de hiérarchie entre les arts : les arts reproductibles ont-ils leur place aux côtés des beaux-arts ? La photographie a-t-elle sa place aux côtés de la peinture ? Si cette exposition, 120 ans après l'apparition du cinéma, tend à montrer une cohabitation possible et cohérente, cette juxtaposition aurait soulevé l'indignation chez de nombreux théoriciens et artistes de l'époque. Dans L'œuvre d'art à l'époque de sa reproductibilité technique [5], Walter Benjamin appuie sur les différences de sens entre les différents arts. La reproductibilité a eu un impact quantitatif mais aussi qualitatif sur l'art. S'il est fondamental de ne pas faire aujourd'hui de hiérarchie entre les arts, il est aussi important de noter que la reproduction a fait perdre non seulement le côté rituel donné à l'art, mais aussi son aura. Ainsi, le support de reproduction change la nature de l'œuvre et son rapport à l'homme.

« Enfin le cinéma ! » illustre ce nouveau rapport, avec une exposition ouverte et accessible à tous. Loin de la rétrospective nostalgique, Dominique Païni montre le changement de regard qui s'est opéré sur la ville et sur la société à travers le cinéma. Le visiteur est le véritable sujet de l'exposition, invité à s'imprégner d'un contexte sociétal profond et décisif pour l'ère contemporaine, de la même manière que le cinéma met en évidence un nouveau type de spectateur moderne, qui n'a plus le temps de s'arrêter pour contempler et doit être encapsulé dans une salle obscure pour observer.

[1] Dominique Païni, Enfin le cinéma !, brochure de l'exposition, 2021, p. 1.

[2] Dominique Païni, Enfin le cinéma !, op. cit., p. 1.

[3] Ibid., p. 1.

[4] Louis Daguerre (1787-1851) et Charles-Marie Bouton (1781-1853), Le Campo Santo de Pise, Huile sur toile, 92 x 152 cm, Musée d'Orsay, Paris.

[5] Walter Benjamin, L'œuvre d'art à l'époque de sa reproductibilité technique, Paris, Allia, 2012.

L'exposition « Enfin le cinéma ! » a eu lieu du 28 septembre 2021 au 16 janvier 2022 au Musée d'Orsay.