Attraction/Répulsion

Approche sous forme d’une promenade guidée par l’artiste qui permet de découvrir ou de redécouvrir des symboliques des vanités.

Cette promenade est accompagnée d’un texte de Pierre-Olivier Rollin, directeur du Musée d’Art de la Province de Hainaut, Bps 22, Belgique.

Laurence Dervaux est une artiste qui travaille sur la fragilité, sur le corps et essentiellement sur la fragilité de la vie.

Ses œuvres sont des vanités contemporaines.

« Le corps, dans le travail de Laurence Dervaux, est rarement une présence directe, frontale ; l’artiste privilégie plutôt une suggestion allusive, détournée, majoritairement à travers un registre de signes, qu’un souhait d’interprétation peut s’autoriser à rassembler. Le corps y est alors moins appréhendé pour lui-même, en ses multiples aspects, que pour la réflexion ontologique qu’il autorise. Et peut être, in fine (expression qui s’impose d’elle-même lorsque l’on parle du corps) pour l’orientation philosophique existentielle que postule ce travail.

[…] Toutes les œuvres de Laurence Dervaux mettent en place un même mode opératoire, la circulation permanente entre deux pôles affectifs : le sentiment de beauté que suggère l’œuvre et la compréhension de leurs significations révélées par les titres.

Telle une vanité, ces révélations sont toujours relatives à notre vulnérabilité, à notre fragilité. 

L’artiste conforte le principe générateur de sa démarche : derrière l’expression apparente d’une beauté convenue, se glisse une inquiétude, celle de la disparition ; mais celle-ci est contrebalancée en permanence par l’émotion que suscite justement cette beauté. 

[…] Le spectateur est alors pris dans une circulation de sentiments contradictoires : attraction et répulsion [1] . »

Promenade guidée par l’artiste

Cette promenade tente de retranscrire au lecteur la manière dont le visiteur découvre et appréhende l’installation.

Elle est accompagnée d’annotations de l’artiste articulées autour de définitions de symboles extraites, essentiellement, du Dictionnaire des symboles de Jean Chevalier et Alain Gheerbrant, Éditions Robert Laffont/Jupiter.

1. Le visiteur découvre l’installation sans en connaitre le titre

Ce dernier est, judicieusement, placé pour être lu, non pas avant mais pendant la visite.

Le spectateur a le sentiment d’aborder une œuvre abstraite, non narrative et non figurative.

L’installation se veut belle, attirante, impressionnante par ses dimensions [2] mais aussi par la multitude de verreries [3] qui la compose.

En effet, elle est constituée d’un empilement de 750 récipients en verre transparent contenant des liquides rouges [4] de différentes tonalités.

L’ensemble est attrayant par sa brillance, ses reflets, ses couleurs ; il dégage un sentiment de beauté, de préciosité.

Cette beauté abstraite a un pouvoir d’attraction qui nous aimante et, inévitablement, on se rapproche de l’œuvre pour la découvrir de plus près.

Cette proximité nous révèle la construction de l’installation : une architecture conçue comme un château de cartes. Chaque réceptacle en soutient un autre. Un sentiment d’instabilité [5], de fragilité nous submerge et provoque, instinctivement, un mouvement de recul afin de ne pas prendre le risque d’être à l’origine d’un effondrement de cet édifice de verre.

Une architecture précaire où de petites verreries soutiennent de plus grandes.

Mais le désir de découvrir la diversité de ces multiples contenants nous incite à plonger notre regard dans l’installation où il se perd dans le dédale [6] d’une construction complexe tel un labyrinthe [7].

Une construction complexe où le regard se perd.

La multiplicité de la provenance des verreries nous interroge.

Des vases [8], des bouteilles, des bonbonnières, des pots de conserve, des verres, des flacons [9] de parfum, des fioles, du matériel de laboratoire tel que des tubes à expérience, des éprouvettes, des boites de pétrie… Mais aussi des objets en verre soufflé à la bouche de forme plus ou moins organique.
Cette hétérogénéité [10] évoque l’urgence d’avoir dû rassembler un maximum de réceptacles, quelle que soit leur fonctionnalité, pour contenir ce liquide rouge.

Dans le haut, à gauche de l’installation, on découvre une forme en verre soufflé symbolisant un cœur.

Chaque récipient, du plus petit au plus grand, est recouvert d’une plaque de verre le transformant en vase clos [11] dans lequel une infinité de gouttelettes de condensation se forment petit à petit.

Ces gouttes d’eau [12] grossissent et tombent dans le liquide rouge en provoquant un mouvement d’ondes à sa surface. Un mouvement de vie, de cycle, de régénérescence.

Dans ces réceptacles hermétiques, l’évaporation [13], donc la disparition, est impossible. Le liquide reste liquide.

Dans sa déambulation, le visiteur s’amuse avec son reflet [14] dans les verreries, mais aussi avec celui des autres visiteurs. Ces miroitements [15] animent chaque contenant d’un troublant vivant qui se meut suivant les déplacements des regardeurs.

Reflets dans l’installation de son environnement et inévitablement, d’elle‐même. Une mise en abyme.

2. Dans la poursuite de la visite, on découvre, inéluctablement, le titre de l’installation

« La quantité de sang pompée par le cœur humain en une heure et vingt-huit minutes. »

Un glissement s’opère dès lors que le titre est précis, éloquent par son signifiant.

Cette couleur rouge qui nous charmait tant et nous faisait vibrer de ses éclats prend alors une autre dimension. Le regard change, nous plonge dans une forme d’ambivalence.

Cette compréhension, provoque un mouvement de recul et toutes les symboliques ressenties précédemment nous reviennent en force (ces symboliques peuvent être perçues soit de manière intuitive faisant appel à l’inconscient collectif ou soit de manière plus théorique faisant référence à des connaissances spécifiques, ces dernières n’étant pas forcément nécessaires à la compréhension de l’œuvre).

De ce fait, la fragilité du verre, l’équilibre précaire, le liquide rouge précieusement préservé, le Saint Graal, l’immortalité, l’eau source de vie, le rouge de la fécondité, celui du danger… révèlent leur signification. Effectivement, en cas de rupture d’équilibre, le liquide, ici et maintenant le sang, universellement considéré comme le véhicule de la vie, va se répandre à l’image d’une blessure mortelle.

Ainsi d’une symbolique de vie : le sang contenu, on bascule dans une symbolique de mort : le sang répandu.

Cependant l’émerveillement persiste, non pas uniquement par la beauté insistante de l’installation mais, aussi et surtout par la conscientisation de l’énorme quantité de sang pompée par le cœur en une heure et vingt-huit minutes, ceci à raison de 7000 litres de sang pompés en vingt-quatre heures.

L’installation exprime une beauté fragile ; elle tente d’induire une notion de bienveillance, de respect de soi et des autres.

L’installation est ici accompagnée d’un diptyque vidéo de Laurence Dervaux : I. un vase traverse inlassablement l’écran de haut en bas, tel un métronome, sans jamais se fracturer ; 2. l’impact du vase sur le sol et l’épanchement du liquide rouge.

« Derrière l’éclat spontané de ses œuvres, sous le sentiment de beauté immédiate qui s’en dégage, Laurence Dervaux réintroduit l’inquiétude ultime, celle de la mort. »

« L’œuvre de Laurence Dervaux n’est jamais une pure expérience phénoménologique de l’espace, elle ouvre délibérément la voie à un réseau de perceptions cognitives. Et c’est au cœur de ces paradigmes sémantiques que s’opère le basculement permanent entre cette indicible angoisse et cette délectation d’une beauté fragile. Si le sang et le cœur rappellent ouvertement la vie, la fermeture de tous les récipients symbolise le rêve d’une éternité, certes illusoire, la fragilité des verres et l’équilibre délicat de l’installation mettent en présence le danger de mort. Et l’œuvre se répand dans cet espace interstitiel, instable et fragile, mais si intense.
C’est en effet dans l’expérience de la contemplation que se joue l’œuvre, dans l’exacerbation de cet instant de grâce, de cet équilibre instable né de la rencontre de la naissance et de la mort, de lumière et de l’ombre, de l’attraction et de la répulsion, de la beauté et de l’angoisse. Si les sentiments de beauté et d’effroi se nourrissent en permanence, dans le travail de Laurence Dervaux, c’est moins pour rappeler l’inéluctable échéance de tout corps qu’en exacerber la magie de la présence. C’est, glissant entre deux pôles contradictoires, l’instant merveilleux qu’est la vie que célèbre l’œuvre de Laurence Dervaux [16]. »